Cinemateca UGT. Sábado 31 de enero a las 20 h: La vida me mata

La vida me mata, de Sebastián Silva.
Chile 2006. 89’. v.e. 35 mm
Ciclo: Chile, Premios Pedro Sienna 2008
Único pase
En colaboración con la Embajada de Chile en España

"Siempre hay algo que se está muriendo", dice uno de los protagonistas, cerca de la mitad del metraje. La muerte –o, mejor, la obsesión con la muerte– es el tema de esta película, que a pesar de la considerable oscuridad de su material se inclina con frecuencia hacia la comedia negra, como si empeñara en restarle gravedad.

No por casualidad, la historia arranca con una muerte inesperada e inexplicada: la de una niña durante un torneo de atletismo, que propicia el encuentro entre un primo venido del sur, Álvaro (Diego Muñoz), y el fotógrafo de un cortometraje aficionado, Gaspar (Gabriel Díaz). El vínculo entre ambos es una cineasta primeriza, Susana (Claudia Celedón), que está realizando un corto alegórico llamado La vida me mata.

Aunque la película dedica un gran segmento al desaforado despliegue histriónico de Susana y de su equipo de incompetentes, lo que importa es el vínculo que se crea entre Gaspar y Álvaro. El primero ha perdido a su hermano y vive obsesionado con la muerte, en una casa donde habitan un abuelo agónico (Alejandro Sieveking), una madre trastornada (Eugenia Barrenechea) y una hermana, Margarita (Amparo Noguera), que soporta todo el peso del deterioro familiar.

Álvaro comparte la obsesión tanática de Gaspar, pero con una fijación algo más específica: presenciar el momento en que un organismo deja de existir. Por supuesto, la idea del suicidio los circunda a ambos.

La vida me mata- Mercurio.com

La vida me mata en YouTube La vida me mata El cine me mata-Entrevista a Sebastián Silva La vida me mata-Mabuse

Cinemateca UGT. Viernes 30 de enero a las 20 h: 7 años

7 años (Sept Ans), de Jean-Paul Hattu.
Francia, 2007. 87’. v.o.s.e. 35 mm
Ciclo: 1er Films
Único Pase
En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

7 años es el primer largometraje de Jean-Pascal Hattu. Aquí se trata, evidentemente, de la prisión y de los encuentros, tal vez también de la sexualidad, pero menos de la “conyugalidad”. La prisión en sí misma está representada de modo minimalista, con decorados que son todo menos hollywoodenses, pero que concentran la búsqueda discreta de cada plano. Se trata de una visión distanciada, basada en las elipsis y sobre todo en la evocación, que parece ser la opción elegida en la mayoría de los casos. Así es que influencia directamente a los personajes que serán mostrados en función del mismo modo: por momentos cortos, sin verdaderas justificaciones. La ambientación es fría y seca. Está bien porque hace frío, y es el invierno de la sociedad y de sus corazones. El juego de los actores parece más o menos seguir la misma lógica también; una lógica que recuerda a Robert Bresson.

El film se desarrolla de un modo extraño y parece dejar la parte bella a los “pequeños símbolos” como el perfume, los vestidos, los arreglos en el salón de belleza; hay una omnipresencia de las pequeñas cosas y los sonidos breves que vienen a romper momentáneamente el silencio. La realidad documental se rompe con estos gestos y los sentimientos se vuelven problemáticos a medida que las expectativas de los espectadores se vuelven más concisas pero menos inasibles

7 años-Sobre los sacrificios del amor y la necesidad del placer 7 ans

Cinemateca UGT. Jueves 29 de enero a las 20 h: Bye bye Belgium

Adiós Bélgica (Bye bye Belgium) de Philippe Dutilleu.
Bélgica, 2006. 95’.v.o.s.e.
Único pase
Zona Documental

La película, dirigida por Philippe Dutilleul, narra los acontecimientos acaecidos el 13 de diciembre de 2006, cuando el presentador del informativo de la Radio Televisión Belgique Française (RTBF) anuncia el fin de Bélgica.

La primera hora del final del reino de Bélgica es un documental de ficción que prevé un escenario de ruptura tan improbable para algunos como deseable para otros. Periodistas, políticos y economistas se interpretan a sí mismos en la pantalla. El rey decide irse, el Parlamento flamenco declara la independencia, el insalvable conflicto comunitario se ha convertido en un problema de Estado. Durante la noche se desarrollan una serie de acontecimientos y de tomas de posesión como consecuencia de la secesión flamenca.

El telespectador asiste atónito a la división del país. ¿Serán los flamencos y los valones mejores como vecinos que como cohabitantes? ¿Qué pasará con Bruselas, la capital belga y la mayor sede de las instituciones de la Unión Europea? ¿Cómo se hará el reparto de los bienes comunes: el ferrocarril, la seguridad social, la deuda nacional y las riquezas del país?

El 13 de diciembre de 2006 quedará en la memoria televisiva como un momento único: el día en que la Radio Télévision Belgique Française (RTBF) osó poner en escena el fin de Bélgica… ¿Ficción? ¿Anticipación? ¿Provocación? Este programa de culto no dejará a nadie indiferente.

Bye Bye Belgium, una peligroso ficción sobre la realidad- El Mundo Bye bye Belgium en YopuTube Philippe Dutilleul: La Tv arrastra a la gente a lo más bajo-El Periódico Philippe Dutilleul: El periodismo debe molestar- Público

AFRICALA AFRICAN CINEMA

AFRICALA VOTE FILM FESTIVAL nace como el primer festival de cine africano OnIine y tiene como principal objetivo utilizar las nuevas oportunidades y canales de difusión que nos brinda la tecnología para promover las producciones independientes que afrontan grandes obstáculos para llegar a un público masivo. A través de esta oportunidad de distribución democrática y gratuita el público podrá conocer a los nuevos talentos y los realizadores podrán promover su cine. El conteo de espectadores, la posibilidad de agregar comentarios y la cantidad de votos serán también una referencia positiva para distribuidores tradicionales en busca de nuevas producciones.

En AFRICALA VOTE FILM FESTIVAL queremos motivar a los jóvenes cineastas africanos, no de edad, sino aquellos de espíritu, para que pongan el cine africano al alcance de un Click..

www.africala.org

Casi 20 años no es nada (XI)

Reed, México insurgente, de Paul Leduc
México, 1970
Fue proyectada el 13 de enero de 1996
dentro del ciclo: Personal Paul Leduc

Este primer largometraje en color sepia del cineasta Paul Leduc, del año 1913 narra la historia del periodista estadounidense John Reed, cuando ingresa en territorio mexicano para testimoniar la Revolución. Allí conoce al general Urbina en Durango, asiste a los funerales de Abraham González, entrevista a Pancho Villa, pero sobre todo, se relaciona con una serie de personajes anónimos, hombres y mujeres protagonistas de la historia mexicana de la revolución que lo inspiran en sus anotaciones diarias que posteriormente publica. A lo largo de un año y medio, Reed consigue ganarse la confianza de los revolucionarios, particularmente la del general Urbina, y termina involucrándose activamente en la guerrilla.

El periodista norteamericano de políticas radicales, llega a México con la intención de cubrir la Revolución de manera estrictamente profesional. Sin embargo, le cuesta trabajo mantener la objetividad periodística ya que comienza a apasionarse profundamente con el pensamiento revolucionario que en ese entonces brotaba como libre manantial en México y comienza a seguir a las tropas del General Tomás Urbina en su recorrido por todo el país.

Realizada originalmente de manera independiente, para ser luego absorbida por la industria, esta película marcó el debut de Paul Leduc, quien se inspira en el documento memorístico de la Revolución Mexicana de John Reed, “Reed, México insurgente” para conseguir una aproximación sensible, honesta y desmitificadora de la historia de México.

Cinemateca UGT. Domingo 24 de enero a las 18 h: Malta con huevo

Malta con huevo, de Cristobal Valderrama
Chile, 2006. 90’. v.e. 35 mm
Ciclo: Chile, Premios Pedro Sienna 2008
Único pase
En colaboración con la Embajada de Chile en España

El primer largometraje de Cristóbal Valderrama está cada vez más lejos (y así por suerte, cada vez más cerca de cierto infinito repleto de posibilidades llamado ficción), de la maqueta de personajes reales tradicionales de la emergente cinematografía chilena.

Estamos frente a una forma distinta de comprender los personajes en la pantalla, no sólo ni tampoco necesariamente como un reflejo del hombre y la mujer del día a día, de nuestro mundo real. Un fenómeno que, si bien más asumido, casi del todo caricaturesco, vimos en Promedio rojo (2004) de Nicolás López y que luego contagió tímidamente los personajes de Play (2005) de Alicia Scherson y que tiene que ver con exagerar, con caricaturizar las características de las figuras cinematográficas.

Malta con huevo no escatima en llevar a extremo esta propiedad. Valderrama y su coguionista Carlos Labbé, se atreven a dibujar personajes que para las latitudes andinas sólo habían alcanzado de cierta manera los humoristas en la televisión.

cinedeaqui.es

Malta con huevo blogspot Malta con Huevo-Cristobal Valderrama Malta con Huevo-Mabuse Malta con huevo en Youtube

Cinemateca UGT. Sábado 24 de enero a las 20 h: Haxän, una propuesta sonora de TENSION Co

Häxan, la brujería a través del tiempo, de Benjamin Christensen.
Dinamarca, 1921. 104’
Una propuesta sonrora de TENSION Co.
Único pase
Cinema en concierto

Häxan es una mezcla entre ficción y documental sobre la historia de la brujería o, mejor dicho, sobre las diversas explicaciones basadas en lo satánico de fenómenos sobre los que la ciencia no se había pronunciado todavía en épocas como la medieval o la renacentista. La película está dividida en siete partes, aunque tres de ellas pueden agruparse, al centrarse en la misma historia.

La primera parte, que tiene una voluntad didáctica, presenta alternadamente grabados antiguos y rótulos explicativos sobre las diversas concepciones del mundo que se dieron en la Antigüedad, así como las primeras representaciones de lo diabólico, en estrecha relación con lo que escapaba de esos intentos de explicación del Cosmos. Junto a grabados, aparecen también algunos elementos de decorados dibujados y animación elemental, con la ingenuidad de los trucajes de un Méliès. Lo que se explica es muy interesante y demuestra que el entretenimiento que sigue a esta parte está muy bien documentado.

A partir de la segunda parte, la exposición introductoria a dibujos (casi un "pase de diapositivas" comentado) deja paso a recreaciones de ambientes medievales con actores de carne y hueso, en los que cobra protagonismo el concepto de "estampa animada". La mínima historia que se nos cuenta, que conecta con el género medieval de los "ejemplos", es tan importante como su representación: hay una clara voluntad de recrear cuadros del Renacimiento, especialmente pintores como El Bosco o Brueghel, no tanto en la equivalencia plano-cuadro, sino en la asunción de sus atmósferas. En concreto, la segunda parte se centra en el siglo XV a través de varias historias.

Haxän Haxän Haxän brujeria, erotismo y religión Haxän en Youtube

Cinemateca UGT. Viernes 23 de enero a las 20 h: Casa Remolienda

Casa de Remolienda, de Joaquín Eyzaguirre Guzmán.
Chile, 2007. 100’. v.e.
Ciclo: Chile, Premios Pedro Sienna 2008
Único pase
En colaboración con la Embajada de Chile en España

En Casa de Remolienda, de Joaquín Eyzaguirre, la llegada de la luz eléctrica a un pueblo del sur de Chile es el hecho lateral y paralelo a la historia principal, pero que termina siendo lo que de verdad importa y lo que más merece recordarse. Tal vez por ello hasta los días soleados se ven opacos, como si no pudieran librarse del insoportable peso de la noche que según Portales regía nuestro destino y, probablemente, lo sigue haciendo.

La ética de la película es en cierto sentido la de la crudeza del mundo ido que pretende retratar, que se hace evidente con la muerte de animales en cámara y con las escenas de sexo que son esperables dentro de un prostíbulo. El ambiente en que se mueven los personajes es de una erotización que pretende ser primigenia, aunque en realidad está más conectada con el ánimo picaresco que se impuso en el cine y la televisión chilenos desde El Chacotero sentimental. Los personajes principales se mueven por la hipocresía en un entorno donde ésta resulta imposible y para el público de un país que pretende desprenderse de ella. Tal vez con algo de hipocresía.

Joaquín Eyzaguirre Guzmán, cineasta-Entrevista Casa Remolienda Casa Remolienda en Youtube

Pedro Sienna

Pedro Pérez Cordero, su verdadero nombre, nació en San Fernando el 13 de mayo de 1893. Luego de vivir en distintas ciudades de Chile durante su infancia, finalizó sus estudios en el Instituto Nacional, donde demostró extraordinariamente habilidades en las disciplinas artísticas: música, literatura, dibujo y pintura.

En 1915, el famoso actor español Bernardo Jambrina lo invita a actuar en su compañia. Durante quince años recorrerá chile interpretando diferentes personajes en obras de escritos Chilenos como Hugo Donoso, Víctor Domingo Silva, Armando Moock y pezas del mismo Sienna quién logra finalmente tener su propio elenco. En 1917 inicia su contacto con el arte cinematográfico y con el tiempo nos dejará películas dirigidas, la mayoría también actuadas por él. Entre ellas podemos nombrar Los payasos se van (1921), Un gran grito en el mar (1924), La última trasnochada (1925), El húsar de la muerte (1925), su obra más importante y documento histórico para la filmografía nacional. Pedro Sienna también ejerció el periodismo y la literatura, fue profesor de arte escénico e impulsor de grupos teatrales. Su inagotable creatividad y su legado cultural lo hicieron recibir el Premio Nacional de Arte en 1967.

Falleció en Santiago en 1972.

es.cinechile.wikia.com

Pedro Sienna, el rostro de Manuel Rodriguez-Mabuse Pedro Sienna en Youtube

Nota de prensa. Chile, Premios Pedro Sienna 2008

Chile, Premios Pedro Sienna 2008
Cinemateca UGT
Viernes 23 de enero, 20 h: Casa remolienda, de Joaquin Eyzaguirre Guzman
Domingo 25 de enero, 18 h: Malta con huevo, de Cristobal Valderrama
Sábado 31 de enero, 20 h: La vida me mata, de Sebastián Silva

La Embajada de Chile en España y la Cinemateca UGT organizan el ciclo, Chile, Premios Pedro Sienna 2008, que tendrá lugar los días 23, 25 y 31 de enero en el Salón de Actos de la UGT, Avda. Blas Infante 4. Sevilla

El Premio “Pedro Sienna”, reconoce anualmente a obras y creadores destacados en las artes y en la industria audiovisual chilena. El premio lleva el nombre de Pedro Sienna (1893–1972) en memoria de uno de los precursores del cine chileno y director del largometraje “El Húsar de la Muerte” (1925), una de las pocas películas disponibles del período mudo. Bautizado como Pedro Pérez Cordero, tempranamente tomó el apellido Sienna, posicionándose con ese nombre en su desarrollo como poeta, dramaturgo, periodista, crítico de cine, actor teatral y de cine. Luego de actuar en diversos filmes (entre ellos “El Hombre de Acero”, de 1917) se inició como realizador con “Los Payasos se Van” (1921), a la que le siguieron “El Empuje de una Raza” (1922); “Un Grito en el Mar” (1924); “El Húsar de la Muerte” (1925).

El ciclo estará compuesto por La Vida me Mata que, de Sebastian Silva que ganó como Mejor Largometraje y obtuvo once nominaciones, obtuvo cinco: Mejor Largometraje, Mejor Montaje, Mejores Efectos Especiales, Mejor Actuación Secundaria (Claudia Celedón) y Mejor Maquillaje. Esta cinta es la primera experiencia en ficción del multifacético Sebastián Silva y narra una historia de obsesión con la muerte. Casa de remolienda, de Joaquín Eyzaguirre (Chile 2007). Con tres galardones: Mejor Fotografía (David Bravo), Mejor Dirección de Arte (Hugo Trípodi) y Mejor Diseño de Vestuario (Loreto Vuscovic) se situa en los años cincuenta, un pueblo al sur de Chile estremece a tres jóvenes recién llegados de la cordillera que se enamoran de tres misteriosas prostitutas. Malta con huevo, de Cristóbal Valderrama (Chile 2007). Con el galardón al guión (Cristóbal Valderrama y Carlos Labbe). Una comedia negra, pop y juvenil, que cuenta la historia de dos amigos que deciden cambiarse de casa y de cómo cada uno vive su propia y extraña experiencia.

Cinemateca UGT. Jueves 23 de enero a las 20 h: La Huella

La huella, de Óscar I. Torres

España, 2007. 92’
Ciclo: Pantalla Abierta
Único pase

A mediados del año 2.004 se inician las labores de investigación y preproducción del proyecto audiovisual “La Huella” que consigue hacerse realidad en el año 2.005: se convierte en una coproducción internacional financiada por la Obra Social de la Caja San Fernando, la Universidad de Sevilla y su Facultad de Geografía e Historia, la Universidad Internacional de Andalucía, la Universidad Santiago de Cali de Colombia y la productora OKUE PRODUCCIONES S.L., principal inversora en el proyecto. Tras dos años y medio de trabajo en junio de 2.007 finaliza la posproducción del documental

“La Huella”, cuyo hilo conductor se madeja a lo largo del metraje siguiendo la labor creadora y los comentarios espontáneos de su protagonista, nos adentra en la realidad de la emigración que sufre Colombia y en sus causas: ¿es la violencia, la principal razón del éxodo masivo de colombianos que han convertido España, como otros colectivos latinoamericanos, por encima ya de los E.E.U.U., en su “Dorado”, en su sueño europeo?. La trama nos permite reflexionar sobre la realidad de un país, deformada por los medios de comunicación del mundo entero y que es reflejo de la de todo un continente, desamparado de sus líderes políticos y de la comunidad internacional y que a fin de cuentas es la imagen distorsionada de un todo poderoso e insolidario primer mundo. Imágenes de archivo y grabaciones en vivo, entrevistas a especialistas en economía, política, demografía, cultura, historia, sociología, antropología, religión, medios de comunicación y a protagonistas que sufren en sus carnes los males del país se entrelazan con las historias de vida de los personajes principales creando un puzzle cuidadosamente montado y rítmico capaz de acercarnos sin ataduras, con claridad, valentía y el mayor de los respetos a la cruda realidad de un país hermano, de un continente hermano.

La Huella La Huella

Proyección de La Huella de Oscar Torres

Cinemateca UGT
La huella, de Óscar I. Torres
España, 2007. 92’
Jueves 22 de enero a las 20 h

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La Cinemateca UGT y OKUE Producciones presentan el documental realizado por Oscar Torres, La Huella dentro del ciclo Pantalla Abierta, el próximo jueves a las 20 h en el salón de Actos de UGT. Avda. Blas Inafnte 4.

A mediados del año 2.004 se inician las labores de investigación y preproducción del proyecto audiovisual “La Huella” que consigue hacerse realidad en el año 2.005: se convierte en una coproducción internacional financiada por la Obra Social de la Caja San Fernando, la Universidad de Sevilla y su Facultad de Geografía e Historia, la Universidad Internacional de Andalucía, la Universidad Santiago de Cali de Colombia y la productora OKUE PRODUCCIONES S.L., principal inversora en el proyecto. Tras dos años y medio de trabajo en junio de 2.007 finaliza la posproducción del documental.

"La Huella”, cuyo hilo conductor se madeja a lo largo del metraje siguiendo la labor creadora y los comentarios espontáneos de su protagonista, nos adentra en la realidad de la emigración que sufre Colombia y en sus causas: ¿es la violencia, la guerra civil larvada, la principal razón del éxodo masivo de colombianos que han convertido España, como otros colectivos latinoamericanos, por encima ya de los E.E.U.U., en su “Dorado”, en su sueño europeo?. La trama nos permite reflexionar sobre la realidad de un país, deformada por los medios de comunicación del mundo entero y que es reflejo de la de todo un continente, desamparado de sus líderes políticos y de la comunidad internacional y que a fin de cuentas es la imagen distorsionada de un todo poderoso e insolidario primer mundo. Imágenes de archivo y grabaciones en vivo, entrevistas a especialistas en economía, política, demografía, cultura, historia, sociología, antropología, religión, medios de comunicación y a protagonistas que sufren en sus carnes los males del país se entrelazan con las historias de vida de los personajes principales creando un puzzle cuidadosamente montado y rítmico capaz de acercarnos sin ataduras, con claridad, valentía y el mayor de los respetos a la cruda realidad de un país hermano, de un continente hermano.

Cinemateca UGT. Sábado 17 de enero a las 19.30 h/ Domingo 18 de enero a las 18 h: Califormia dreamin

California dreamin (Nesfarsit), de Cristian Nemescu.
Rumania, 2007. 155’. v.o.s.e. 35 mm
Próximo pase: Domingo 18 de enero a las 18.00 h
La Cinemateca Estrena

Hay ciertas guerras que por carecer de excesiva repercusión mediática, o por no existir intereses económicos en ellas pasan un poco desapercibidas, o al menos –siendo más estrictos- tenemos poca información al respecto. La guerra de Kosovo es una de ellas, y la película que nos ocupa relata con la amplitud necesaria, un capítulo aislado y en apariencia insignificante sobre dicha guerra, que si bien no es verídico, bien pudiera haber sucedido tanto en Rumanía como en cualquier otro lugar con un conflicto de similares características.

Es importante subrayar antes de nada, la terrible machada que supone el diseño del cartel de la película (simulando una comedia al uso) que poco o nada tiene que ver con el contenido de la misma, y que la perjudica sobremanera tanto al espectador que espera ver una típica comedia ligera (y se sentirá defraudado), como a aquel que le apetezca ver un drama de mayor amplitud y que no encuentre aliciente en su primera estampa. Valga decir de antemano, que “California Dreamin´” no es en absoluto una comedia y sí una interesante, singular, dramática y emocionante historia que se desarrolla con inteligencia y tacto y que adquiere ese carácter propio y auténtico que pocas películas consiguen. Si bien no tiene la fuerza dramática que por ejemplo la tan celebrada por su compatriota Cristian Mungiu “4 meses 3 semanas 2 días”, sí tiene los ingredientes necesarios para situarla al mismo nivel de entrega y compromiso, aunque para ello recurra a diferentes métodos, no tan crudos pero igual de eficaces.

La acción se desarrolla por “casualidad”, en un pequeño pueblo rumano que se encuentra de paso en las vías de tren que comunican con Kosovo, lugar donde un grupo de militares americanos llevan instrumentos de comunicación en una misión de la OTAN para dicho país. Una serie de circunstancias obligará a dicho grupo a permanecer en el pueblo más de lo pensado y debido, y con ello todas las consecuencias que generará esta estancia improvisada.

Cinenebulosa (Cometario completo)

Miradas de cine-Califormia dreamin Califormia dreamin-Cine estamos rodando Califormia dreamin Califormia dreamin-Youtube

Notas de prensa. Fin de semana de estreno: Califormia dreamins

Fin de semana de estreno: Califormia dreamin
Sábado 17 de enero a las 19.30 h
Domingo 18 de enero a las 18.00 h

La película está inspirada en un hecho real. Un incidente durante la guerra de Kosovo que implicaba a unas tropas del ejército norteamericano que acompañaban a un tren de la OTAN que fue parado en una estación de ferrocarril rumana por cuestión de papeleo aduanero. Co-escrito por Nemescu, el incidente se convierte en una compleja comedia negra que acaba en drama.

Presentada en Cannes en el mismo estado en que estaba en el momento del fallecimiento de su director, California Dreamin’ fue finalmente galardonada con el primer premio de la sección Un Certain Regard. Llama la atención el título original de esta película (Nesfarsit significa inacabada) ya que da pie a pensar que, para sorpresa del espectador, la película ha de estar por finalizar ya que su director Cristian Nemescu había fallecido en accidente de tráfico poco antes de terminar el rodaje.

Nemescu hace uso de escenas en blanco y negro para relatar la complicada relación que existe entre Rumania y EE.UU. desde la 2ª Guerra Mundial. En el relato principal, nos ofrece un retrato mordaz de Rumania, donde la corrupción es endémica y los que ostentan algún cargo prosperan a costa de eludir responsabilidades. Finalmente nos muestra un cuadro devastador de norteamericanos pedantes que tras provocar un baño se sangre pretenden salir de la escena con las manos limpias. Aunque eso es sólo el envoltorio, ya que lo verdaderamente importante de la historia es el drama humano existente en la interacción entre rumanos y norteamericanos.

Las proyecciones tendrán lugar en el Salón de Actos de Ugt, Avda. Blas Infante 4.

Cinemateca UGT. Viernes 16 de enero a las 20 h: Contra las cuerdasde Magaly Richard-Serrano.

Contra las cuerdas (Dans les cordes), de Magaly Richard-Serrano
Francia, 2007. 93’. v.o.s.e. 35 mm
Sesión Inaugural / 1er Films (I)
Único pase

En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

Dans les cordes se parece mucho a lo que ha vivido la realizadora Magaly Richard_Serrano. Como la heroína de la película, su madre poseía un club de boxeo, y al mismo tiempo fue una de las primeras mujeres en Francia que quiso practicar el noble arte. Magaly llegó a subirse al ring, empujada por su madre, y se convirtió por dos veces en campeona francesa durante su adolescencia. “Esta película nace de mi deseo de hablar de una familia en la que todo gira alrededor del boxeo: la educación, el juego, las relaciones de rivalidad…”

Para estar acorde con el tema y las condiciones económicas del rodaje, la directora ha optado por una aproximación documental: rodado en super 16, ha multiplicado los movimientos de cámara al hombro para adaptarse lo más posible a los movimientos de sus boxeadores. Cuando se infiltra en la cabeza de sus heroínas el film es más esteticista: “Quería hacer las menores trampas posibles y esta configuración ligera se adecuaba con ello. Dans les cordes es un film vivo que se encuen-tra muy cerca de sus actores. Son ellos los que hacen que la cámara se mueva. Hemos intentado adaptarnos a sus ritmos.”

Dans les cordes-Youtube Dans les cordes- Evene Dans les cordes- Entretien

Nota de prensa. Comienzan las proyecciones

Cinemateca UGT.

Comienza las proyecciones (Enero-Marzo09)

Viernes 16 de enero a las 20 h: Contra las cuerdas

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Seis películas francesas, debuts de otros tantos cineastas "jóvenes y prometedores", conforman el ciclo 1^er Films, que la Cinemateca UGT en colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa, comienza le próximo viernes 16 de enero con la película Contra las cuerdas (Dans les cordes), de Magaly Richard-Serrano.

El ciclo pretende recoger los primeros pasos de una nueva generación de cineastas, cuyas primeras obras han gozado de una "excelente" acogida crítica tras su reciente paso por las salas francesas, aunque no han conocido estreno en España.

'7 ans', el austero relato de Jean-Pascal Hattu sobre un triángulo compuesto por un preso, su amante y un carcelero, 'La Naissance des pieuvres', de Céline Sciamma, 2007, que realiza un retrato de la adolescencia centrado en la irrupción de la sexualidad, y '13 metros cuadrados', un film político construido con los códigos del thriller por el polivalente Berthélémy Grossmann, 'Tout est pardonné', ópera prima de la joven cineasta Mia Hansen-L've, que ha sido elogiada por el crítico de Le Monde Jacques Mandelbaum debido a su "elegancia, limpieza y profundidad a la hora de caracterizar la asombrosa justeza de la puesta en escena, tan precisa, sensible y fulgurante como un rayo láser.

“Dans les cordes' (Contra las cuerdas, Magali Richard-Serrano, 2006), inaugurará el ciclo el próximo viernes 16 a las 20 h. Es un filme sobre boxeo, lleno del ritmo y la rabia de los suburbios. También aparecen adolescentes, ya que un encargado de un club de boxeo decide entrenar a su hija y a su sobrina desde su infancia, hasta que llega la final de los campeonatos de Francia con los problemas entre las chicas. Las proyecciones tendrán lugar en la Cinemateca UGT, Avda. Blas Infante, 4. planta baja

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Otros espacios.Otras programaciones. Noistron en la Sala El Cachorro

NOÏSTRON" en Sala El Cachorro. 15 enero 2009. 22:00 horas
NOÏSTRON” ::::::::“ARTE CORRUPTO”

Con el aporte de proyecciones de video para potenciar una música inédita de una sensibilidad terrenal a la vez que futurista, el grupo multidisciplinar sevillano NOÏSTRON” retoma con fuerza el formato electroacústico con “ARTE CORRUPTO” . Creativas identidades al servicio de una obra de carácter selvático, rica en matices.

Un misterioso imaginario de arriesgadas rupturas con la realidad, con voces de delfines, guiños a Hitchcock, F. Lang, G. Romero, a un hermético Beckett (“Stirrings Still”), a un Bach invertido, a un “cierto tiempo” de I. Bergman e indescifrables sonidos electrónicos sobre unas bases creadas y estructuradas por A. Murga y Tathandlung, con la intervención en las percusiones del músico tablista hindú Narayaan Kanpur, de la viola de Chicken Blonde y del virtuoso violinista Rafael Cañete, donde se “cruzan” estilos, sensaciones, ambientes y sinergias para crear una complejidad sonora plena de niveles estéticos y perceptivos por parte del espectador. Ambientes de electrónica free, tribal, con improvisación desbordante y riqueza de formas audiovisuales al servicio de la guerrilla contra la hipocresía en el arte contemporáneo y actual.

Un acontecimiento único donde se cuestiona el arte contemporáneo desde sus entrañas y hacia fuera, como un harakiri.

NOÏSTRON son: Antonio Murga: bases, videos, loop tapes, eléctrica, sanza, percusiones. Tathandlung: teclados, armónica, acordeón, mezclas, videos, pianillo. Narayaan Kanpur: tabla, percusiones. Rafael Cañete: violín. Chicken Blonde: viola

QUE LA CINEMATECA ESTRENE ...

Adaptación de la novella del escritor belga François Emmanuel, la película se desarrolla en el conglomerado SC Farb, una velada referencia a la compañía química alemana de la época nazi IG Farben que incluía la multinacional corporación farmacéutica francesa Aventis. Centrada sobre el psicólogo que dirige la sección de recursos humanos, Simon Kessler, que realiza una investigación sobre la salud mental de un antiguo y alto cargo de la empresa, cuyo comportamiento en los últimos tiempos es considerado errático y cuestionable, a instancias del director general de la misma, la película cuenta el despertar moral del propio Kessler a través de la historia de un cuarteto de cuerda formado en los primeros años y de los secretos férreamente guardados, desvelando los horrores que se esconden tras la más apacible cotidianeidad. A semejanza del capitán Willard, protagonista de El corazón de las tinieblas, la inmersión en los substratos más oscuros de la realidad modificará irreversiblemente al propio investigador.
Armado como un film de misterio e intriga alrededor de los entresijos de una empresa, La cuestión humana es una mordaz crítica de las corporaciones económicas, donde eficiencia, optimización, productividad y rentabilidad son usadas como eufemismos para inhumanidad, explotación y genocidio social. Klotz hermana los mecanismos de funcionamiento interno de una gran empresa y los propios del nazismo, existiendo nada más que una diferencia de grado entre ambos, aunque más que un paralelismo se rastrean las huellas de una continuidad. Su genialidad reside en hacer que sintamos ese malestar.

QUE LA CINEMATECA ESTRENE ...

En la región de Arnhem al norte de Australia, el joven Dayindi va por primera vez de caza con su hermano mayor, el jefe Minygululu que sabe que Dayindi desea a su tercera mujer, la más joven. Durante el viaje le contará una historia ocurrida hace mucho tiempo, la de Yeeralparil que deseaba igualmente a la tercera mujer de su hermano mayor, para mostrarle la importancia de las leyes y las costumbres tribales.

Esta película consiguió en Cannes el premio especial del jurado en “Un certain regard” y los premios a mejor película, mejor director, mejor guión y mejor fotografía otorgados por la academia australiana.

Película visualmente agradable, de ritmo contemplativo, que permite apreciar la vida de las tribus aborígenes, lejos de discursos paternalistas externos. Historia personal que no se parece en nada a lo que los espectadores occidentales estamos acostumbrados a ver. Esta diferencia se manifiesta por una concepción diferente de la vida, una relación distinta con el propio cuerpo y con las reglas sociales.

Para nosotros, esta historia dentro de la historia es, sobretodo, una gran ocasión de aprender sobre los usos y costumbres de los aborígenes de Australia: el modo en que fabrican sus piraguas, como cazan o como hacen la guerra. Cosas que desconocemos y que hacen de esta película un documento etnológico valioso aunque se trate de una ficción.

Casi 20 años no es nada (X)

Cayo Largo (Key largo), de John Huston
USA, 1948
Fue proyectada en la Cinemateca UGT el 18 y 19 de diciembre de 1999
dentro del ciclo: Bogart, una leyenda

Un veterano de guerra visita al padre y a la viúda de un compañero muerto en combate. Pero el viaje se vuelve complicado, ya que el hotel de Florida donde se aloja está tomado por una banda de gángsters, que aprovechando una fuerte tormenta, los capturan como rehenes. Rodada mientras ultimaba el montaje de El tesoro de Sierra Madre. Fue el último film en el que actuaron juntos Lauren Bacall y Humphrey Bogart, acompañados por un magistral Edward G. Robinson, hacia el final de su trayectoria. Cima del cine negro con una atmósfera tensa y oscura. Uso magistral de las sombras y contraluces del director de fotografía, Karl Freud, acompañado por la sobria banda sonora de Max Steiner. Para muchos una verdadera parábola de la época del macarthismo.

Cayo Largo es una obra de Maxwel Anderson, un dramaturgo importante, de pomposa retórica moral, que se vendió a los dineros de Hollywood, adaptada por Richard Brooks y dirigida por Huston, un literato de la cámara que encierra a sus personajes en una casa y les pone a filosofar y a sufrir, y a padecer la angustia del tiempo como en la mejor de las obras de teatro, acercándose mucho más que con unos prismáticos en la fila uno. Para desconcierto de especialistas en cine y literatura.

Casi 20 años no es nada (IX)

¿Te acuerdas de Dolly Bell? (Sjecas li se, Dolly Bell), de Emir Kusturica
Yugoslavia, 1981
Fue proyectada en la Cinemateca UGT el 12 y el 17 de Febrero de 2005
dentro del ciclo: Claroscuro balcánico: Emir Kusturica

Una inteligente e irónica crónica juvenil ambientada en los suburbios de Sarajevo, Yugoslavia, a principios de la década de 1960, bajo el régimen comunista del Mariscal Tito. La historia cuenta la trayectoria de Dino, un adolescente rockero de 16 años criado en una familia opresora, comandada por un padre tiránico, quien vive entre dos mundos aparentemente irreconciliables: la fascinación por la música y las modas occidentales y la rigidez inmutable de la vida en Yugoslavia. El chico busca la libertad que sueña en una existencia marginal en las calles, y un día sus nuevos amigos le piden que esconda a una prostituta, Dolly Bell, de quien se enamora. El filme ganó —entre otros premios— el León de Oro como mejor “ópera prima” en el festival de Venecia.

Crónica personal sobre la situación política y social de su país bajo el régimen del mariscal Tito. Basada en una novela de Abdulah Sidran.

Otros espacios. Otras programaciones

Cinemateca UGT. Lunes 8 de diciembre a las 18 h: Asuntos privados en lugares públicos (Coeurs)

Asuntos privados en lugares públicos (Coeurs), de Alain Resnais.
Francia, 2006.120'. v.o.s.e. 35 mm
Ciclo: Alain Resnais, sismógrafo del corazón
Último pase

En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa en España

Coeurs es entonces un film que habla de hoy. Sátira, por ejemplo, de la polivalencia contemporánea (todos expertos y, si es posible, en muchas cosas a la vez). Se trata menos de una confusión de los valores que de una cohabitación de los contrarios materializada por la nieve, que confirma el estado actual de la imagen, que flota como una gasa, como un baño anestesiante de luz lechosa. Hay también una ingravidez doméstica. Cada locación de Cœurs está cortada en dos por medio de una división fantasma: la nieve de interior, la separación en medio de una ventana en el primer departamento, la cortina en el hotel Globe, el tabique de vidrio apenas perceptible en la agencia inmobiliaria, la puerta abierta de la habitación del padre en el departamento de Lionel. Hay también un parentesco difícil de ignorar con las persianas finamente rayadas de Là-bas, el documental de Chantal Ackerman.

El encuentro de las dos nieves, de un sentido de lo arbitrario al otro, nos recuerda también qué terrible ironista de lo posible sigue siendo Alain Resnais. Una ironía negra brotaba ya de L'Amour à mort, cuando las partículas significaban la muerte que Simon había conocido durante algunos instantes; además su deseo de una nueva vida semejante a una tirada de dados, a un perpetuo cara y ceca (magnífico insert de una moneda que rueda y sigue rodando) ; por último, la separación definitiva de los amantes, que no está ocasionada por la muerte de uno de los dos sino por la Muerte en persona : a pesar de su promesa, Elisabeth no se encontrará con Simon del otro lado, porque si todo el mundo muere, no hay otro lado posible. Un motivo único condensa, por lo tanto, el trayecto del film entero, su inversión: cómo el Adentro deviene el Intervalo y cómo el Intervalo deviene el Afuera.

Ebrio de las perspectivas abiertas por su "resurrección", Simon no cree poder soportar de allí en más la palabra "separación". Pero he aquí la ironía : lo posible no une ; por el contrario, no crece más que en proporción a un desgarramiento. Cada bifurcación es también una fatalidad, un adiós: la nieve que, en Cœurs, vuela entre las secuencias sin que nunca parezca que toca el suelo, cae en realidad sobre los hombros del sexteto, y cada uno de sus integrantes debe deshacerse de ella como de una carga y apuntar así al azar, al amor, a la perspectiva de una mañana que vuelva a cantar.

Miradas

Entrada anterior

Cinemateca UGT. Domingo 7 de diciembre a las 20 h: Noche y niebla / Toda la memoria del mundo / El canto del estireno

Noche y niebla (Nuit et brouillard), de Alain Resnais

Francia, 1955. v.o.s.e. 32'

«El Decreto Noche y Niebla o Decreto Nacht und Nebel, también Decreto NN, es la expresión eufemística, inspirada de una obra de Richard Wagner, con la que se conoce a una directiva del gobierno de la Alemania nazi durante la Segunda Guerra Mundial para la eliminación física de oponentes políticos y miembros de la resistencia en los territorios ocupados, pero que también fue aprovechada para el asesinato de prisioneros de guerra.

El decreto, reconstruido y declarado criminal durante los procesos de Núremberg, en los que se condenó expresamente a su mariscal firmante Wilhelm Keitel, se aplicaba y ejecutaba de manera que no se conservase testimonio o registro de los hechos y sus circunstancias.

Noche y niebla, la derrota de las imágenes (Artículo completo)

Toda la memoria del mundo (Toute la mèmoire du monde), de Alain Resnais. Francia, 1950. v.o.s.e. 22'

“Como tienen la memoria corta, los hombres acumulan numerosos recordatorios”. Y para guardar este montón de escritos, los hombres construyen fortalezas. En este cortometraje, Alain Resnais se propone una visita guiada de la biblioteca nacional y, de su cúpula a sus sótanos, de su sala de catálogos a su sala de lectura, nos revela los bastidores, generalmente vedados al gran público, , de esta institución del saber. El trayecto laberíntico de un libro recién incluido en el catálogo, nos permite acceder a algunos secretos de este refugio del conocimiento humano. La exploración de los sombríos laberintos de la inmensa biblioteca es también una manera sutil de evocar los meandros más que sinuosos de la arquitectura mnemónica de los simples mortales que somos.

El canto del estireno (Le chant du styrène), de Alain Resnais.

Francia, 1958. v.o.s.e. 19'
Único pase
Ciclo: Alain Resnais, simógrafo de la realidad
En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa en España

¿Qué es el plástico? ¿De dónde viene? Alain Resnais, ayudado por un comentario en versos alejandrinos de Raymond Queneau, presenta en detalle las etapas de la elaboración de los objetos de plástico que forman parte de nuestra vida diaria. Resnais monta el proceso de fabricación a la inversa: de la creación de la matriz a la extrusión del poliestireno, de su granceado a su pigmentación, de los misterios del autoclave a los secretos de la destilación química…

Resnais no olvida ninguna etapa de la producción. Con una fascinación indudable por la arquitectura industrial y un gusto pronunciado por la contrahechura de película institucional. Alain Resnais nos presenta una visión personal del pedido de la fábrica Pechiney. Le chant du Styrene, oda humorística al plástico, también puede leerse como una oda lírica a los mecanismos de la creación plástica.

Noche y Niebla en youTube Jean Cayrol, poeta, guionista de Resnais
¿Hay límites para crear?-Clarín Glosas a Noche y Niebla Le chant du Styrene-Le Monde Le chant du Styrene. Raymond Queneau Toute la mémoire du monde, entre la commande et l’utopie

Cinemateca UGT. Sábado 6 de diciembre a las 20 h: Asutos privados en lugares públicos (Coeurs)

Asuntos privados en lugares públicos (Coeurs), de Alain Resnais.
Francia, 2006.120'. v.o.s.e. 35 mm
Ciclo: Alain Resnais, sismógrafo del corazón
Próximo pase: Lunes 8 de diciembre a las 18 h

En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa en España

El maestro Alain Resnais, surgido en las orillas de la Nouvelle Vague, dio un fuerte giro a su trayectoria en 1993, año de realización de Smoking/No Smoking, un díptico experimental en el que dos actores (Sabine Azema y Pierre Arditi) interpretaban a todos los personajes de la película, adaptación de una pieza del dramaturgo inglés Alan Ayckbourn.

Trece años después Resnais regresa a Ayckbourn y a sus actores fetiche para descubrir la soledad de seis personajes en busca de autor. Dan y Nicole (Lambert Wilson y Laura Morante) son pareja desde hace tiempo. Conviven en un pequeño apartamento soportando a duras penas las discusiones cotidianas y la búsqueda de un piso más grande. Mientras Dan se refugia en el alcohol, Nicole no encuentra la manera de acercarse a él. Thierry (André Dussolier), el bondadoso agente inmobiliario encargado de ayudarles, comparte casa con su hermana menor, Gaelle (Isabelle Carré), una veinteañera desesperada por conocer al hombre de su vida.

Artículo completo- metropoli

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Cinemateca UGT. Viernes 5 de diciembre, 20 h: Danielle Huillet y Jean Marie Straub, cineastas

Danielle Huillet & Jean Marie Straub, cineastas, de Pedro Costa.
Francia, 2001. 72'. v.o.s.e.

Documental Entrevista a Pedro Costa.
Único pase
Ciclo: Costa versus Huillet&Straub

De ahí que esta obra ejemplar se basara sobre una rigurosa y metódica asignación de tareas: la concepción de los filmes era una tarea común, de la misma manera que los dos cineastas realizaban conjuntamente la búsqueda de los lugares de rodaje, los preparativos necesarios, las engorrosas tareas logísticas. El filme en marcha, Straub se reservaba principal-mente la escritura del guión, la cons-trucción de la imagen, la gestión del encuadre. Mientras, Danièle Huillet aseguraba la perfección del sonido (los filmes de los Straub son películas auténticamente sonoras, no meras obras con sonido), el control de los actores y de su manera de hacer suyo un texto (¡cómo olvidar la voz de Danièle “encarnando” a Cezanne en el filme de 1989!), así como la realización, siempre extremadamente cuidada, de la traducción de los diálogos (italiano, francés alemán) y los subtítulos correspondientes, y, last but not least, del montaje: eran sus manos las que cortaban y ensamblaban físicamente los fragmentos destinados a convertirse en el filme acabado, las que producían esas “bagatelas” que giran como asteroides en torno a las obras mayores como testimonio de un trabajo a un tiempo terminable e interminable.

Una rápida ojeada al fascinante documental de Pedro Costa permite tomar nota de la inextricable unión entre vida y trabajo que forma parte del magisterio de esta pareja singular y que está en la base de una obra tan exigente consigo misma como gratificante para un espectador que no se conforme con la mera repetición huera de estereotipos formales y temáticos.

Santos Zunzunegui

Danielle Huillet-Cahiers du cinema Danielle Huillet-Letras de Cine Jean Marie Straub, sin reconciliación con la industria Cine de nuestro tiempo 2. ETSAS

QUE LA CINEMATECA ESTRENE ...

Tras realizar las maravillosas Millenium Mambo y Three times, Hou Hsiao-hsien acepta el encargo del Museo d’Orsay de rodar Le voyage du ballon rouge y aprovecha la ocasión para homenajear a una película que forma parte de su memoria personal, Le ballon rouge de Albert Lamorisse. No es lo mejor del film el deambular del globo por los techos de París, sino la meditación dulce, humilde y sin misterio sobre lo cotidiano. Se trata de hechos simples e inmediatos, una manera de estar atento a todo mediante una puesta en escena suave y precavida, nada artificiosa, con una cámara que encuentra el lugar adecuado y se mueve lo necesario para contemplar lo que la vida tiene de simple y complicado.

Sólo tres personajes importantes y una cámara que se mueve con la misma cadencia serena del globo rojo que aparece en determinados momentos de delicada y melancólica poesía, acentuada por la música que los acompaña. Es en su simplicidad, en su falta de pretensiones, en el modo en que Hou desarrolla su historia donde reside su mayor atractivo y donde demuestra su gran talento.

Hou se siente fascinado por París, pero no al estilo turístico hollywoodiense, sino con una mirada directa y curiosa, prestando atención a los detalles pequeños y aparentemente insignificantes

Así que por que no nos dejamos de sesiones dobles de gargantas y fuegos artificiales y la sustituimos por una sesión doble, compuesta por Le voyage du ballon rouge, que además ganó el premio de la FIPRESCI en el Festival de Valladolid de 2007, y Le ballon rouge.

Fin de semana en la Cinemateca (IX)

Asuntos privados en lugares públicos (Coeurs) ( Sábado 6 de diciembre, 20 h/ Lunes 8 de diciembre, 18 h) es la última entrega del ciclo: Alain Resnais, sismógrafo de la realidad que se ha venido desarrollando en la Cinemateca UGT, con la colaboración de los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa.

Asuntos privados en lugares públicos (Coeurs), es la última película relizada del veterano cineasta francés Alain Resnais con las que ganó el León de Plata en el Festival de Venecia (2006), donde también obtuvo el Premio Pasinetti una de sus actrices protagonistas, Laura Morante y el Premio de la Crítica FIPRESCI 2007 de la Academia Europea de Cine.

Resnais (Vannes, 1922) trata los personajes como "alguien que juega amorosamente con sus muñecas" y que asiste "a sus idas y venidas con la certeza de que cualquier emoción por su parte está de más, porque irán por su cuenta hacia la conclusión", apunto el jurado de la Academia.

Tras aquel experimento musical que llevaba por título "On connaît la chanson" y de "Pas sur la bouche", en esta ocasión el director francés, autor de clásicos como "Hisroshima mon amour" y "El año pasado en Marienbad" y su guionista Jean Michel-Ribes se han inspirado en una obra teatral de Alan Ayckbourn para ofrecernos una comedia agridulce sobre los malentendidos que genera la búsqueda desesperada de la felicidad y del amor por parte de seis personas de diferentes edades y condiciones, que se encuentran y se desencuentran bajo la nieve del barrio parisino de Bercy. En definitiva, un relato intimista de personajes y sentimientos, no exento de humor y rodado en su mayoría en interiores, que cuenta entre sus principales bazas con un reparto de lo más atractivo: a los consagrados Sabine Azéma, Lambert Wilson, Pierre Arditi, y André Dussolier cabe sumar la presencia de la joven Isabelle Carré y de la italiana Laura Morante.

También se proyectarán los mediometrajes (domingo 7 de diciembre, 20 h): Noche y niebla (1955), documental, filmado en Auschwitz, donde combina material en color con imágenes de noticieros en blanco y negro y fotografías fijas; Noche y niebla contrapone imágenes de los silenciosos edificios abandonados en los campos con material de la época de la guerra, para contar la historia no sólo del Holocausto sino de la brutalidad a la que la humanidad puede llegar. Diez años después de la liberación, el cineasta Alain Resnais filma en los campos abandonados y hace una de las primeras reflexiones cinematográficas acerca de esos horrores, inquiriendo sobre la naturaleza cíclica de la violencia humana y presenta la perturbadora posibilidad de que tales hechos puedan repetirse. Toda la memoria del mundo (Toute la mémoire du monde) (1956), documental sobre la Biblioteca Nacional. Le chant du Styrène (1958), una visita a las fábricas Péchiney, en la que le sirvió de guía el novelista Raymond Queneau.

Programación Cinemateca UGT.
Viernes 05.12.08, 20.00 h.
Danielle Huillet & Jean Marie Straub, cineastas, de Pedro Costa.
Francia, 2001.
Documental Entrevista a Pedro Costa.
Sábado 06.12.08, 20.00 h:
Asuntos privados en lugares públicos (Coeurs), de Alain Resnais.
Francia, 2006.
Domingo 07.12.08, 20.00 h:
Noche y niebla (Nuit et brouillard).
Francia, 1955. Toda la memoria del mundo (Toute la mèmoire du monde), de Alain Resnais.
Francia, 1950.
Le chant du styrène.
Francia, 1958.
Lunes 08.12.08, 18.00 h:
Asuntos privados en lugares públicos (Coeurs), de Alain Resnais

Casi 20 años no es nada (VIII)

Cabeza borradora (Eraserhead), de David Lynch
USA, 1977
Fue proyectada en la Cinemateca UGT el 11 de noviembre de 2001
dentro del ciclo: Fantástico Lynch

Un crítico definió Cabeza borradora como la película de un pintor, y tal vez sea esa la clave de la originalidad y la importancia de la obra de David Lynch en el paisaje cinematográfico de los últimos veinticinco años. La mayor parte de directores contemporáneos son cinéfilos, su formación cultural se basa principalmente en el cine, y esto produce nuevas películas que son refritos, aunque muy bien cocinados algunas veces, de películas anteriores. A pesar de la maestría con la que directores como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Bertrand Tavernier o muchos otros asimilan y sintetizan su enorme cultura cinéfila, el séptimo arte va convirtiéndose cada vez más en algo cerrado sobre sí mismo y en cierto sentido en un callejón sin salida donde la sorpresa y la originalidad desaparecen. Cuando irrumpe alguien como David Lynch, proveniente de otro mundo como es la pintura, y que es capaz a través de un excepcional talento de plasmar en sus películas las técnicas que usa en sus cuadros para crear ambientes y transmitir sensaciones, todo el mundo del cine se rejuvenece, y el espectador tiene la agradable y rarísima sensación de estar viendo algo nuevo que no le recuerda a nada de lo que ha visto antes. Lynch no sólo es uno de los mejores cineastas de esta o de cualquier época, sino que es una figura imprescindible en el cine contemporáneo

Cabeza borradora es, por todo ello (y mucho más), una experiencia al límite. Al límite de la vanguardia, al límite de lo racional y, sobretodo, al límite de la cordura. Lynch, al igual que ha demostrado en todas sus obras posteriores, es el cineasta que mejor conoce la mente humana, el único que puede sacar a la luz la mezcolanza de deseos, represiones o actos inaceptables que discurren por nuestro interior en las horas de sueño. Todo ello, afortunadamente, en la catártica oscuridad de una sala de cine.