Fin de semana en la Cinemateca UGT

Continúan desarrollándose en la Cinemateca UGT en colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa los ciclos: Depardon, cazador de imágenes y Buñuel en Francia.

Dentro del ciclo que le estamos dedicando a Depardon, se proyecta las dos primeras entregas de la trilogía que le ha dedicado a los campesinos franceses bajo el título de Perfiles Campesinos. El acercamiento (jueves 23 de abril, 20 h) y Lo cotidiano (Domingo 26 de abril, 18 h).

En la trilogía, Depardon nunca es complaciente con sus personajes y escenarios. Con cada uno establece una mirada cuidadosa cuya paciencia le permite aterrizar en la esencia de las problemáticas planteadas: la extinción paulatina de una estructura de trabajo y determinadas formas de ver el mundo. En cada capítulo da seguimiento a personas y lugares, de tal manera que cada pieza, si bien pequeña, es parte sustancial de un universo que complementa provechosamente. El director filmó a unos cuantos campesinos preferentemente dedicados a la producción pecuaria. Si algo distingue a estos filmes, es el respeto y calidez mostrados a quienes pone frente a la cámara.

Ese Oscuro objeto del deseo (viernes 24 y sábado 25 de abril, 20 h), es la propuesta de Buñuel para este fin de semana. A los 77 años, Buñuel emprendió el rodaje de la que sería su última película gracias a la obstinación de sus amigos Jean-Claude Carrière y Serge Silberman. Un poco cansado, el cineasta planeaba su retiro desde 1974, cuando rodó El fantasma de la libertad (1974), pero la consolidación de la amistad surgida entre él, su guionista y su productor lo animó a aventurarse una vez más detrás de la cámara.

Cinemateca UGT 23,24,25 y 26 de abril

Jueves 23 de abril, 20 h

Ciclo: Depardon, cazador de imágenes.

Perfiles campesinos: el acercamiento (Profils paysans: L’Approche), de Raymond Depardon.

Francia, 2000. 90’. v.o.s.e. 35 mm

Perfiles campesinos: el acercamiento es el primer capítulo de una trilogía que registra, a lo largo de diez años, la transformación de la vida rural en Francia. El documental se adentra en las pequeñas granjas de jóvenes agricultores, solteros jubilados y parejas de extracción humilde. En esta obra, el cine es tratado como el arte del tiempo, la paciencia y el registro de las huellas que dejan los seres humanos.

Viernes 24 de abril, 20 h

Ciclo: Buñuel en Francia.

Este oscuro objeto del deseo (Cet obscur objet du desir), de Luis Buñuel.

Francia, 1977. 103’ v.o.s.e. 35 mm

En el curso de un viaje en tren, un maduro caballero llamado Mathieu Faber cuenta a sus compañeros de compartimento su historia sentimental con Conchita, una seductora mujer a la que tratará de conquistar. Sin embargo, ella siempre consigue eludir sus devaneos.

Viernes 25 de abril, 20 h
Ciclo: Buñuel en Francia.
Este oscuro objeto del deseo (Cet obscur objet du desir), de Luis Buñuel.
Francia, 1977. 103’ v.o.s.e. 35 mm


Domingo 26 de abril , 18 h

Ciclo: Depardon, cazador de imágenes.

Perfiles campesinos: Lo cotidiano (Profils paysans: Le Quotidien), de Raymond Depardon.

Francia, 2005. 81’. v.o.s.e. 35 mm

En la segunda entrega dedicada a los campesinos de Francia, Depardon se convierte una vez más en testigo de la vida cotidiana en pequeñas granjas que se resisten a la industrialización.

Casdi 20 años no es nada (XVIII)

Underground, de Emir Kusturica

Francia, Yugoslavia, Alemania y Hungría, 1995
Fue proyectado en la Cinemateca el 14 y 15 d emayo de 2005
dentro del ciclo: Claroscuro Balcánico: Emir Kusturica

El filme hace un recorrido metafórico sobre cincuenta años de la historia de Yugoslavia (1941-1991). Kusturica recurre a esta estructura metafórica porque, como él mismo indica "cuando una guerra estalla es imposible hablar de ella directamente en un filme."

Esta película supone una revisión crítica, en tono satírico y tragicómico, de un sistema político y de la identidad de un pueblo. Un relato sobre la ambición y la dignidad, el sentido de la historia o las fronteras que separan la realidad de la ficción.
Underground es la historia de un conflicto sin fin.

Cinemateca UGT. Domingo 19 de abril a las 18 h: 1974, un día en el campo

1974, un día en el campo (1974, une partie de campagne), de Raymond Depardon.
Francia, 1974. 90’ v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo: Depardon, cazador de imágenes

En colaboración con los Servicios Culturales Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

Siendo fotógrafo, tenía la costumbre de ir siempre a pedir más, y dije a Valéry Giscard d’Estaing que tenía la necesidad de estar más cerca de él, ya que de lejos no podía obtener nada bueno. Le pedí una entrevista y un sábado por la mañana me recibió en su ministerio con la voluntad visible de arreglar las cosas. Tenía un mitin el día siguiente en Bourgogne y me dijo: “No tiene más que venir”, le respondí que necesitaba dos localidades, una para mí y otra para el que registra el sonido. Le expliqué la importancia de sincronizarlos, aunque él quería que pusiese música en lugar de sonido, ya que tenía más miedo de él que de la imagen. Le dije que era imposible, que era absolutamente necesario unir sonido e imagen. Fue así como Bernard Ortion se montó en el Mystère 20, y grabamos secuencias sobre los primeros días de su campaña.

1974, une partie de campagne 1974, une partie de campagne Depardon en YouTube

Cinemateca UGT. Sábado 18 de abril a las 20 h. Los años del fotógrafo / ¿Qué hay de nuevo en Garet?

Los años de fotógrafo (Les annees declic), de Raymond Depardon.
Francia, 1984. 65’ v.o.s.e. 35 mm

¿Qué hay de nuevo Garet? (Quoi de neuf au Garet?), de Raymond Depardon. Francia, 2005. 10'. v.o.s.e. 35 mm

Único pase
Ciclo: Depardon, cazador de imágenes

En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

"Primera película de ficción” de Depardon, Les Années Déclic encuentra, a partir de un dispositivo original que yuxtapone la voz, el rostro de Depardon y fotografías, algunas de la infancia del fotógrafo, una puerta de entrada hacia la autobiografía.

Raymond Depardon ha fotografiado casi todo lo que se podía fotografiar. Siguió a las estrellas como hacen los paparazzi, cruzó el desierto del Chad para entrevistar a la etnóloga Françoise Claustre, fotografió la campaña presidencial de Valéry Giscard d'Estaing y el nacimiento del diario Le Matin de Paris.

Quoi de neuf au Garet?. Campesino, como su padre, también como su hermano. Raymond Depardon viene de ahí, de la granja del Garet, hoy en venta. En diez minutos, el cineasta y reportero hace homenaje a esta casa, sus granjas, sus establos, los lugares que lo vieron crecer, así como a sus padres. Nos muestra algunos planos fijos de las construcciones y una entrevista de Jean, su hermano agricultor ya jubilado. Ninguno de los dos parece estar muy cómodo... ¡Ahí está el encanto!

Raymond Depardon Wikipedian Palmeraie et Desert Depardon en YouTube

Cinemateca UGT. Viernes 17 de abril a las 20 h: El fantasma de la libertad

El fantasma de la libertad (Le fàntome de la liberte), de Luis Buñuel.
Francia, 1974. 104’ v.o.s.e.
Único pase
Ciclo: Buñuel en Francia
En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

"este nuevo titulo, ya presente en una frase de La Vía Láctea ( vuestra libertad no es más que un fantasma), quería representar un discreto homenaje a Karl Marx, a ese espectro que recorre Europa y que se llama comunismo, al principio del Manifiesto. la libertad, que en la primera escena de la pleícula es una libertad política y social (esta escena se halla inspirada en sucesos verdaderos, el pueblo español gritaba realmente vivan las cadenas al regreso de los Borbones por odio a las ideas liberales introducidas por Napoleón), esta libertad adquiría muy pronto otro sentido muy distinto, la libvertad del artista y del creador, tan ilusoria como la otra. La pelicula, muy ambiciosa, difícil de escribir y de realizar, me pareció un poco frustrante. Inevitablemente determinados episodios predominan sobre otros. Pero a pesar de todo sigue siendo una de las películas mías que prefiero"

Luis Buñuel

El fantasma de la libertad-Filmoteca de Andalucia En YouTube El fantasma de la libertad

Luis Buñuel en Francia

Ya en su etapa mexicana Buñuel había rodado varias películas de producción francesa tras las elogiosas críticas europeas de Ensayo de un crimen, Así es la aurora o La muerte en el jardín, pero su verdadera reentrada en la cinematografía francesa se produjo en 1963 con Diario de una camarera (Le Journal d'une Femme de Chambre), adaptación de la novela de Octave Mirbeau. Comienza así su cooperación con el productor Serge Silberman y el guionista Jean Claude Carrière.

En 1964 filmó su última película mexicana, Simón del desierto, que no acabó como estaba proyectada por falta de presupuesto. Aun así, obtuvo el León de Plata de la Mostra de Venecia al año 1965, año en que junto a Carrère, preparó las adaptaciones de El monje y Là-bas.

En 1966, año en que Dalí le telegrafió desde Figueras ofreciéndole preparar la segunda parte de Un perro andaluz, se estrenó Belle de jour, que obtuvo en 1967 el León de Oro en la Mostra de Venecia. Esta película obtuvo en Francia un extraordinario éxito de público y a partir de entonces los estrenos de Buñuel se convirtieron en acontecimientos culturales, lo que motivó que Silberman le concediera completa libertad creativa y los recursos suficientes para la producción de sus filmes, lo que caracterizó la etapa final de su obra. En 1969 la Mostra le otorgó el gran premio de homenaje por el conjunto de su obra.

En 1970 volvió a España para rodar, esta vez en régimen de coproducción, Tristana, protagonizada por Catherine Deneuve, que ya había protagonizado Belle de jour.

En 1972 se convirtió en el primer director español en conseguir el Óscar a la mejor película de habla no inglesa, por El discreto encanto de la burguesía (Le Charme Discret de la Bourgeoisie), película que se iba a rodar en España, lo cual resultó imposible debido a la censura. Esta película, junto con La Vía Láctea (La Voie Lactée, 1968) y El fantasma de la libertad (Le Fantôme de la Liberté, 1974), conforman una especie de trilogía que ataca los cimientos del cine de narrativa convencional y el concepto causa-consecuencia, abogando por la exposición del azar como motor de la conducta y del mundo. Ese mismo año de 1972 visitó Los Ángeles, donde vivía su hijo Rafael, y George Cukor ofreció en su casa una cena en honor de Buñuel a la que asistieron, además de su hijo Rafael y Carriére, importantes cineastas como Alfred Hitchcock, Billy Wilder, G. Stevens, William Wyler, R. Mulligan, Robert Wise o Rouben Mamoulian.

En 1977 Buñuel puso el colofón a su obra con Ese oscuro objeto del deseo (Cet Obscur Objet du Désir), que recibió el premio especial del Festival de Cine de San Sebastián. En la película, que revisa temas tratados anteriormente en Viridiana o Tristana, Carole Bouquet y Ángela Molina interpretan al alimón el personaje femenino que da réplica a Fernando Rey.

En 1980 realizó su último viaje a España y fue operado de próstata. En 1981, 50 años después de haber sido prohibida, se reestrenó en París La edad de oro, fue hospitalizado por problemas de la vesícula, Agustín Sánchez Vidal publicó su obra literaria, el Centro Georges Pompidou de París organizó un homenaje en su honor y Un perro andaluz se proyectó en una pantalla colocada en el techo de este centro cultural.

En 1982 publicó sus memorias, recogidas a lo largo de los años por Carriére y tituladas Mi último suspiro.

Luis Buñuel falleció en Ciudad de México el día 29 de julio de 1983 por la madrugada, a causa de una insuficiencia cardíaca, hepática y renal provocada por un cáncer. Sus últimas palabras fueron para su mujer Jeanne: "Ahora sí que muero". Se mantuvo fiel a su ideología hasta el final: no hubo ninguna ceremonia de despedida y actualmente se desconoce dónde se encuentran sus cenizas. Ese mismo año fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Zaragoza.

Luis Buñuel-Wikipedia

Jueves 16 de abril a las 20 h. Diario de una camarera

Diario de una camarera (Le Journal d’une femme de Chambre), de Luis Buñuel
Francia, 1964. 98’ v.o.s.e.
Único pase
Ciclo: Buñuel en Francia
En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

"Con Diario de una camarera he querido abordar la introspección sobre la mentalidad y la moralidad de la burguesía francesa de provincias en torno a los años 30. La moral burguesa es lo inmoral para mí, contra lo que se debe luchar. La moral fundada en nuestras injustísimas instituciones sociales, como la religión, la patria, la familia, la cultura, en fin, los llamados pilares de la sociedad. En lo que respecta al Diario de una camarera, creo que contiene muchos de los temas que me son más naturales y que reflejan mis intereses más auténticos "

Luis Buñuel

Diario de una camarera Diario de una camarera-Filmoteca de Andalucia Las contradiciones de Don Luis En YouTube

Buñuel y Depardon, protagonistas de la programación en Abril

CINEMATECA UGT
Programación Abril 2009
Ciclos: Depardon, cazador de imágenes y Buñuel en Francia
En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

Luis Buñuel y Raymond Depardon, son los protagonistas de la programación de abril de la Cinemateca UGT

El ciclo Buñuel en Francia se inicia el próximo jueves 16 de abril, 20 h con: Diario de una camarera (Le Journal d’une femme de Chambre), de Luis Buñuel. Francia, 1964.

Buñuel realizará sus películas en Francia junto al cineasta francés, Jean-Claude Carrière, que será su guionista durante este período (1961-1977). Su obra desde su muerte, y en particular desde el año 2000 con motivo del centenario de su nacimiento, ha sido objeto de estudios, retrospectivas y exposiciones en Francia y en el mundo hispánico. Es actualmente, de los cineastas de su generación, el más presente en las salas de arte y ensayo parisinas.

Español incontestable, Luis Buñuel se encuentra a la edad de 25 años, con París, el cine y el surrealismo. Tras « Un perro andaluz », un cortometraje que realizó con Salvador Dalí, «La edad de oro » instaura una temática incendiaria (l’amour for, la revuelta, el ateísmo, el rechazo de las instituciones) y un repertorio de figuras y signos (los insectos, los zapatos o las armas) que alimentarán la treintena de películas que realizó en México, España o Francia: « El cine es un arma magnífica y peligrosa, si es un espíritu libre él que lo maneja. Es el mejor instrumento para expresar el mundo de los sueños, de las emociones, del instinto. El cine parece haberse inventado para expresar la vida del subconsciente cuyas raíces penetran tan profundamente en la poesía »

Las películas del ciclo son: El fantasma de la libertad (Le fàntome de la liberte, Francia, 1974), Viernes 17 de abril, 20 h. Este oscuro objeto del deseo (Cet obscur objet du desir, Francia, 1977), Viernes 24 de abril, 20 h. El discreto encanto de la burguesía ( Le charme discret de la bourgeoisie, Francia, 1972), Sábado 25 de abril, 20 h. Belle jour (Francia, 1966), Viernes 15 de mayo, 20.30 h.

El otro protagonista es Raymond Depardon (Depardon, cazador de imágenes). Artista de alcance internacional, Raymond Depardon ha construido una obra mayor a caballo entre la fotografía y el cine. Más allá de las modas, persiste tenazmente en su exploración del mundo, desde el África a la granja del Garet, de Nueva York a París, siempre observando al hombre y los grandes problemas de nuestro tiempo.

El presente ciclo Depardon, cazador de imágenes, da cuenta de las últimas evoluciones de su obra, empezando por la serie Profils paysans hasta sus dos filmes sobre la justicia (Délits flagrants y 10e Chambre, instants d’audiences), y pasando por 1974, une partie de campagne, filme redescubierto con su nueva aparición en las salas en 2002, ocasión en que se presentó junto con otro film que trataba de su oficio como reportero (Les années déclic).

Además de fotógrafo reportero, Raymond Depardon es un auténtico cineasta, uno de los últimos documentalistas que defienden los 35 mm, lo que concede a su obra una calidad y una dimensión inigualables. Por esta razón, con el acuerdo del autor, la difusión de este ciclo será exclusivamente en formato cine para proyecciones públicas.

Películas del ciclo:Los años de fotógrafo (Les annees declic, Fancia, 1984), Sábado 18 de abril, 20 h. ¿Qué hay de nuevo en Garet? (Quoi de neuf au Garet ?, Francia, 2005), Sábado 18 de abril, 20 h. 1974, un día en el campo (1974, une partie de campagne, Francia, 1974), Domingo 19 de abril, 20 h. Perfiles campesinos: el acercamiento (Profils paysans: L’Approche, Francia, 2000), Jueves 23 de abril, 20 h. Perfiles campesinos: Lo cotidiano (Profils paysans: Le Quotidien, Francia, 2005), Domingo 26 de abril, 18 h. Delitos flagrantes (Délits flagrants, Francia, 1994), Jueves 14 de mayo, 20.30 h. 10ª Sala, instantes de audiencias (10e chambre, instants d’audiences, Francia, 2004), Domingo 17 de mayo, 20 h.

casi 20 años no es nada (XVII)

La gente del arrozal (Le gens de la riziere), de Rithy Pahn

Camboya-Francia, 1994
Fue proyectado en la Cinemateca el 16 y 17 de marzo de 1996
dentro del ciclo: Fond Sud
Fue proyectado en la Cinemateca el 15 de junio de 2008
dentro del ciclo: Al sur del cine, Rithy Pahn

Poeuv y su mujer Om tienen siete hijas y un arrozal. Cada año, el ciclo de la siembra los devuelve al duro trabajo de regar, quitar las malezas, cuidar las plantas del frío, los cangrejos, la langosta y los gorriones que se abalanzan sobre los cultivos... Esta vez otros dos indeseables visitan a la familia: una cobra, que es señal de maldición, y un búho, ave de mal agüero que les perturba el sueño. Y las profecías se cumplen: Poeuv se clava una espina en el pie, lo que le impide seguir trabajando... y finalmente muere.

Será la madre la encargada de los cultivos ahora que la familia se ha quedado sin hombres.
Primer largometraje de ficción de Rithy Panh, que hasta La gente del arrozal se había abocado a documentales centrados en la actualidad de su país, Camboya.

Buñuel à la cinémathèque de l'UGT‏

La Cinémathèque UGT en collaboration avec le Service Culturel de l’Ambassade de France en Espagne, projettera un cycle sur l’œuvre de Luis Buñuel tournée en France

Luis Buñuel (Calanda, Teruel, 1900 – México, 1983)

Espagnol incontestable, Luis Buñuel rencontre à 25 ans Paris, le cinéma et le surréalisme. Après « Un chien andalou », un court métrage qu’il a réalisé avec Salvador Dali, « L’âge d’or », long métrage produit en 1930 par un mécène, installe une thématique incendiaire (l’amour fou, la révolte, l’athéisme, le rejet des institutions) et un répertoire de figures et de signes (les insectes, les chaussures ou les armes) qui nourriront la trentaine de films qu’il a réalisés au Mexique, en Espagne ou en France : « Le cinéma est une arme magnifique et dangereuse, si c’est un esprit libre qui le manie. C’est le meilleur instrument pour exprimer le monde des songes, des émotions, de l’instinct. Le cinéma paraît avoir été inventé pour exprimer la vie du subconscient dont les racines pénètrent si profondément dans la poésie. »

Buñuel réalisera ses films en France avec Jean-Claude Carrière, comme scénariste pendant cette période (1961-1977). Son œuvre, depuis sa mort, et plus particulièrement en 2000 à l’occasion du centenaire de sa naissance, a fait l’objet d’études, de rétrospectives et d’expositions en France et dans le monde hispanique. Il demeure, des cinéastes de sa génération, le plus présent sur les écrans des salles de répertoire parisiennes.


Español incontestable, Luis Buñuel se encuentra a la edad de 25 años, con París, el cine y el surrealismo. Tras « un perro andaluz », un cortometraje que realizó con Salvador Dalí, « la edad de oro » instaura una temática incendiaria (l’amour for, la revuelta, el ateísmo, el rechazo de las instituciones) y un repertorio de figuras y signos (los insectos, los zapatos o las armas) que alimentarán la treintena de películas que realizó en Méjico, España o Francia: « El cine es un arma magnífica y peligrosa, si es un espíritu libre él que lo maneja. Es el mejor instrumento para expresar el mundo de los sueños, de las emociones, del instinto. El cine parece haberse inventado para expresar la vida del subconsciente cuyas raíces penetran tan profundamente en la poesía »

Buñuel realizará sus películas en Francia junto al cineasta francés, Jean-Claude Carrière, que será su guionista durante este período (1961-1977). Su obra desde su muerte, y en particular desde el año 2000 con motivo del centenario de su nacimiento, ha sido objeto de estudios, retrospectivas y exposiciones en Francia y en el mundo hispánico. Es actualmente, de los cineastas de su generación, el más presente en las salas de arte y ensayo parisinas.

Le Service Culturel de l’Ambassade de France en Espagne pour le Sud

casi 20 años no es nada (XVI)

Pueblos sin camino, de Jorge Tsabutzoglu
Fue proyectado en la Cinemateca el 11 de octubre de 2009
dentro del ciclo: La Cinemateca Estrena. Sesión especial

Pueblos sin camino, realizado por nuestro compañero Jorge, participaba en en la 7 edición de Espiello. Muestra de documental etnográfico de Sobrarbe, donde ha recibido el Premio Espiello Pirineos

“Pueblos sin camino” es un título con doble significado. Por un lado se refiere al abandono que estos pueblos sufrieron en el pasado y por otro, a la visión de futuro que el protagonista tiene sobre el contexto social en el que vivimos, marcado por la competitividad, el libre mercado y la globalización. Por eso decide mudarse para reencontrar sus orígenes, un lugar donde sus habitantes buscan llevar su propia vida, intentando huir en la medida de lo posible de los parámetros, valores y actitudes que marcan al ser humano de hoy en día.

Jorge Tsabutzoglu

Depardon, cazador de imágenes

Artista de alcance internacional, Raymond Depardon ha construido una obra mayor a caballo entre la fotografía y el cine. Más allá de las modas, persiste tenazmente en su exploración del mundo, desde el África a la granja del Garet, de Nueva York a París, siempre observando al hombre y los grandes problemas de nuestro tiempo.

El presente ciclo Depardon, cazador de imágenes, da cuenta de las últimas evoluciones de su obra, empezando por la serie Profils paysans hasta sus dos filmes sobre la justicia (Délits flagrants y 10e Chambre, instants d’audiences), y pasando por 1974, une partie de campagne, filme redescubierto con su nueva aparición en las salas en 2002, ocasión en que se presentó junto con otro film que trataba de su oficio como reportero (Les années déclic).

Además de fotógrafo reportero, Raymond Depardon es un auténtico cineasta, uno de los últimos documentalistas que defienden los 35 mm, lo que concede a su obra una calidad y una dimensión inigualables. Por esta razón, con el acuerdo del autor, la difusión de este ciclo será exclusivamente en formato cine para proyecciones públicas.

Una vez más, el agradecimiento a la colaboración de los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa.

Nuestro ciclo

1974, une partie de campagne (2002) / Les Années déclic (1985) / Profils paysans: L’Approche
(2001) / Profils paysans: Le Quotidien (2005) / Quoi de neuf au Garet ? (2005) / Délits flagrants (1995) / 10e chambre, instants d’audiences (2004)

casi 20 años no es nada (XV)

Tierra de rastrojos, de Antonio Gonzalo
España, 1978
Fue proyectada por la Cinemateca UGT el 15 de marzo de 2001
dentro del ciclo: la memoria compartida

Adaptación de la obra de Antonio García Cano, supuso el debut de Antonio Gonzalo. Fue presentado en al Festival de Berlín de 1980. Reflejo de la situación del campo andaluz en víspera de la Guerra Civil. Film militante donde un grupo de jornaleros asiste esperanzado al triunfo del Frente Popular, pero pronto la noticia de un golpe d estado llega al campo y los terratenientes inician la caza de todo aquel que ha destacado por la lucha de los derechos de los jornaleros.

Cinemateca UGT. Sábado 28 a las 20 h / Domingo 29 a las 18 h: Las noches de luna llena

Las noches de la luna llena (Les Nuits de la pleine lune), de Eric Rohmer.
Francia, 1984. 101’. v.o.s.e. 35 mm
Ciclo: Buscando a Rohmer
En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

La película está encuadrada por una cita que advierte: "quien tiene dos mujeres pierde su alma; quien tiene dos casas pierde su mente." La narrativa de la película queda definida al comienzo cuando Louise anuncia a Remy, con quien vive en los suburbios, que tiene arrendado un apartamento en Paris.

Louise no quiere terminar su relación con Remy; más bien siente que un pequeño distanciamiento puede consolidar ese amor, que considera que está siendo tensionado por la naturaleza posesiva de Remy. Este expresa resentimiento y consternación hacia Louise, pero le permite que tome su decisión.

Llegada a París, Louise emprende una vida social de cenas y fiestas, y no pasa mucho tiempo antes de enredarse en nuevos romances- que retan su noción de lo que significa ser independiente- particularmente con un escritor casado, llamado Octave. En un punto en la película, Octave confiesa a Louise que en realidad él no disfruta de las relaciones físicas tanto como de toda la intriga psicológica y emocional que implica una prolongada seducción.

En cierto sentido, el escritor Octave, no habla por sí mismo como personaje, sino por Rohmer, el escritor y director, cuyas películas abordan, como tema principal, el anhelo romántico y el deseo sexual, pero que al mismo tiempo son perversamente castas, reteniendo cualquier tentativa de satisfacer las expectativas voyueristicas de la audiencia. Esto no quiere decir que Rohmer sea un puritano, pues para Rohmer, como para el novelista Henry James, la esencia de la vida se compone de lo que pensamos y sentimos, especialmente en esos momentos de la gran indecisión. .

Las noches de luna llena-Filmoteca de Andalucia Las noches de luna llena-Angel Lapresta En YouTube

Viernes 27 de marzo a las 20 h: Premios Goya 09. Cortometrajes. La clase

La clase, de Beatriz M. Sanchis

España, 2008. 20'.
Candidata al Goya al mejor corto documental
Único pase
Ciclo: Pantalla Abierta. Premios Goya 09

Con la colaboración de: Isabel Ocampo, Ángel Loza, José Esteban Alenda, Producciones Líquidas, Solita Films, ECAM

La Clase es un documental que recoge la magia de una primera experiencia: el primer contacto con la interpretación de unos niños de 4º de primaria. A través de los ojos de los niños vivimos su proceso de aprendizaje desde las primeras lecciones hasta que se enfrentan a la representación de fin de curso delante de sus padres.

La clase La clase

Viernes 27 de marzo a las 20 h: Premios Goya 09. Cortometrajes. Harraga

Harraga, de Eva Patricia Fernández y Mario de la Torre
España, 2008. 20'.
Único pase
Candidato al Goya, mejor corto documental
Ciclo: Pantalla Abierta. Premios Goya 09

Con la colaboración de: Isabel Ocampo, Ángel Loza, José Esteban Alenda, Producciones Líquidas, Solita Films, ECAM

Harraga es un inmigrante ilegal que viaja por tierra, mar y aire. Siempre sin papeles, ni visado, ni pasaporte. Fuera de la ley. (…) Sí, esa es la clave, fuera de la ley…. ¿pero qué sucede cuando los Harragas son niños?

Facebook Entrevista Harraga Harraga

Cinemateca UGT. Viernes 27 a las 20 h: Premios Goya 2009. Cortometrajes. Héroes, no hacen falta alas para volar

Héroes, no hacen falta alas para volar, de Ángel Loza
España, 2008. 21'
Único pase
Ganador del Goya al mejor corto documental
Ciclo: Pantalla Abierta. Premios Goya 09

Con la colaboración de: Isabel Ocampo, Ángel Loza, José Esteban Alenda, Producciones Líquidas, Solita Films, ECAM

Pascal Kleiman nació sin brazos, pero eso no le frenó en su carrera como dj de música techno. Un ejemplo que constata que la voluntad humana es más fuerte que cualquier impedimento, sea del tipo que sea. Premio al mejor documental en el I've seen films international Films Festival, con un jurado integrado por Rutger Hauer, Ridley Scott, Paul Verhoeven, Roberto Rodríguez y Richard Gere, entre otros. Hasta el momento, “Héroes. No hacen falta alas para volar” ha sido seleccionada en 46 festivales internacionales y ha ganado 26 premios.

En YouTube Un héroe sin alas Ángel Loza Entrevista

Cinemateca UGT. Viernes 27 de marzo a las 20 h: Premios Goya 09. Cortometrajes: La increíble historia del hombre sin sombra

La increíble historia del hombre sin sombra, de José Esteban Alenda
España, 2009. 9’. Ganador Goya al mejor corto de animación
Único pase
Ganador del Goya al mejor corto de animación.
Ciclo: Pantalla Abierta. Premios Goya 09

Con la colaboración de: Isabel Ocampo, Ángel Loza, José Esteban Alenda, Producciones Líquidas, Solita Films, ECAM

La Increíble Historia del Hombre Sin Sombra es el primer cortometraje de Jose Esteban Alenda.

Realizado artesanalmente como antaño, nos encontramos con un precioso corto de animación que cuenta la historia de un joven ambicioso que llega a vender su propia sombra (en principio no nos vale para nada, ¿no?) para lograr conquistar a la mujer que ama.

El corto, contado a modo de cuento con voz en off de narrador incluida y moraleja al final, es una auténtica delicia visual y le deseamos toda la suerte del mundo en su recorrido por los festivales.

Realizado artesanalmente como antaño, nos encontramos con un precioso corto de animación que cuenta la historia de un joven ambicioso que llega a vender su propia sombra (en principio no nos vale para nada, ¿no?) para lograr conquistar a la mujer que ama. El corto, contado a modo de cuento con voz en off de narrador incluida y moraleja al final, es una auténtica delicia visual y le deseamos toda la suerte del mundo en su recorrido por los festivales.

En Youtube Entrevista La increíble historia del hombre sin sombra

Cinemateca UGT. Viernes 27 de marzo a las 20 h: Premios Goya09. Cortometrajes: Miente

Miente, de Isabel Ocampo.
España, 2008. 15’.
Único pase
Ganador del Goya al mejor corto de ficción.
Ciclo: Pantalla Abierta. Premios Goya 09

Con la colaboración de: Isabel Ocampo, Ángel Loza, José Esteban Alenda, Producciones Líquidas, Solita Films, ECAM

El corto cuenta la historia de una joven inmigrante que tiene que trabajar en el mundo de la prostitución y que quiere hacer un regalo de cumpleaños a su hermana llegando a arriesgar su propia vida para conseguirlo. Los actores protagonistas de 'Miente' son Sueta Zhukonska, Daniela Teneva y Fernando Valdivieso.

Isabel de Ocampo es licenciada en Ciencias de la Imagen por la Universidad Complutense de Madrid y ha estudiado también dirección en la ECAM. Con anterioridad ha rodado los cortos 'Cría zapatillas y te sacarán los cordones' (1998), 'Tus labios' (2003) y el ya citado 'Espermazotoides' (2005).

En Youtube Entrevista a Isabel Ocampo Miente

Cinemateca UGT. Premios Goya 09. Cortometrajes

Viernes 27 de marzo a las 20 h

La Cinemateca UGT presenta una nueva edición de la sesión que dedicamos a los Premios Goya 09. Cortometraje dentro del ciclo Pantalla Abierta.

Miente, de Isabel Ocampo. España, 2008. 15’. Ganador del Goya al mejor corto de ficción.

Este trabajo, de 15 minutos de duración, ya había conseguido 32 premios antes del Goya; entre ellos el Roel de Honor (Semana de Cine de Medina del Campo).

El cortometraje se centra en la inmigración y en la prostitución, temas que Isabel Ocampo ve en la calle Montera de Madrid. Para el papel de la protagonista escogió a Sveta Zhukovska, a la que conoció sirviendo pinchos en un bar de Salamanca. Actualmente esta preparando un documental sobre el barrio sevillano de las Tres mil viviendas.


Héroes, no hacen falta alas para volar, de Ángel Loza. España, 2008. 25’. Ganador Goya al mejor corto documental.

La vida y los pensamientos del dj afincado en Valencia, Pascal Kleiman, que pincha con los pies, es la que retrata el cortometraje documental Héroes, no hacen falta alas para volar, el trabajo de Ángel Loza.

Lo que hace Loza se puede diseccionar semánticamente en dos. El título: Héroes. «Creo que cualquier persona puede serlo dependiendo de las circunstancias», afirma. Y entonces, cobra relevancia el subtítulo: no hacen falta alas para volar, que pasa a ser el significado a transmitir: «que todo es posible. Que sólo la voluntad logra que nada sea imposible».

La increíble historia del hombre sin sombra, de José Esteban Alenda.
España, 2009. 9’. Ganador Goya al mejor corto de animación

La ambición puede costarte cara pero es tan humana como el amor o el odio. A esta conclusión llega el espectador del cortometraje La increíble historia del hombre sin sombra. Un corto de animación en 2D dirigido por José Esteban Alenda que revindica la animación tradicional frente a la animación más puntera en 3D y que gracias a las estructuras del cuento habla y crítica nuestra naturaleza humana.

Harraga, de Eva Patricia Fernández. España, 2008. 20'. Candidata al Goya al mejor corto de documentación

Harraga es un inmigrante ilegal que viaja por tierra, mar y aire. Siempre sin papeles, ni visado, ni pasaporte. Fuera de la ley. Sí, esa es la clave, fuera de la ley... ¿pero qué sucede cuando los Harragas son niños?

La clase, de Beatriz M. Sanchis. España, 2008. 20'. Candidata al Goya al mejor corto documental

Narra la historia de unos niños de cuarto de primaria en la clase de teatro. A través de los 20 minutos que dura el documental, Sanchis consigue plasmar la ilusión, las incertidumbre y los nervios en la preparación de quienes, con la inocencia, se suben por primera vez a un escenario con unos espectadores de lujo: sus padres.

Casi 20 años no es nada (XIV)

Gertrud, de Carl Th. Dreyer
Dinamarca, 1964
Fue proyectada por la Cinemateca UGT el 28 de febrero y el 1 de marzo de 1998
dentro del ciclo: El milagro de Dreyer

Gertrud fue la última película de Carl Theodor Dreyer y se considera la obra que resume todo su cine. La película narra el trayecto de una mujer que vive obsesionada por el amor absoluto. Estéticamente, Gertrud es una muestra de que Dreyer supo cómo dotar de dimensión y cuerpo a conceptos, como el espíritu, que no se pueden visualizar. Dreyer nos presenta a Gertrud (interpretada por Nina Pens Rode) la esposa de un político, con una carrera de cantante abandonada a sus espaldas. Una mujer, por tanto, sensible y con inclinaciones artísticas. Frustrada por la frialdad de su matrimonio y azuzada por los impulsos pasionales de su amante, un conocido pianista, Gertrud se enfrenta resignada a su separación. En ese momento aparece un poeta, antiguo novio de Gertrud, que le trae recuerdos del pasado y le propone retomar su antigua relación. Entre esos tres hombres de su vida oscila Gertrud, pero acaba con el convencimiento de que ninguno puede amarla como ella está dispuesta a hacerlo, de un modo absoluto y sin concesiones, ya que los tres anteponen al amor otras necesidades. El film acontece en un ambiente burgués, donde predominan las relaciones frías y el rigor institucional. No hay espacio para la calidez de los sentimientos, o así nos lo presenta Dreyer, mediante una puesta en escena que impone un severo distanciamiento entre los personajes, y entre éstos y el espectador.

La emotiva Gertrud destaca de forma casi obscena en este ambiente. Sus ansias de amor y verdad (para ella ambas cosas son equivalentes) representan un grito rebelde de mujer en un mundo regido por la frialdad de lo masculino. Es inevitable que encontremos en Gertrud una reminiscencia a la Nora de Henrik Ibsen, la beligerante protagonista de Casa de muñecas.

Cinemateca UGT. Domingo 22 de marzo a las 18 h: La mujer del aviador

La mujer del aviador (La femme de L'aviateur), de Eric Rohmer.
Francia, 1980. 106’ v.o.s.e. 35 mm
último pase
Ciclo: Buscando a Rohmer

En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

"Durante el rodaje de La mujer del aviador ocurrió algo parecido. Alguien propuso dejar de rodar por la tarde porque empezaba a llover, pero me pareció más interesante salir a filmar. No habíamos preparado nada. Simplemente había una idea de trayecto y empezamos a rodar. De esta manera, los actores pueden improvisar con facilidad. En una escena que rodamos después, la protagonista pide al aviador que abra la ventana, se ve que hace buen tiempo, pero él dice que lloverá al final del día, lo que, por fortuna, ya teníamos rodado. Yo sabía que la lluvia podía incorporarse porque había estudiado el tiempo que teníamos. Pero este tipo de cosas serían más difíciles de hacer con una producción más pesada"

Eric Rohmer
Entrevista Carlos Heredero- Dirigido

La mujer del aviador-Miradas de cine Anterior entrada

Cinemateca UGT. Sábado 21 de marzo a las 20 h: Domenica

Domenica, de Wilma Labate.
Italia, 2001. 95’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo: Tendencias del cine italiano del siglo XXI

Con el patrocinio de Ambasciata d'Italia a Madrid. La colaboración de Filmitalia, Cinecittà Holding, Istituto Italiano di Cultura di Madrid, Istituto Italiano di Cultura di Barcellona
Agradecimientos: Adriana Chiesa Enterprises, Eurofilm, Indigo Film, Intramovies, Nuvola Film, Rai Trade. Proyecto y dirección: Daniela Aronica

Wilma Labate es una romana de 52 años que en "Domenica" (2001) traza el peregrinaje que cumplen por barrios marginales de Nápoles dos seres solitarios: una muchachita huérfana, Domenica, y un inspector de policía. Mientras recorren los sitios más conmovedores y también más sórdidos de la ciudad meridional, entre estos dos personajes surgen lazos de afecto que los conducen a un horizonte esperanzado. La fuente de este film es un relato de Juan Marsé, "Ronda de Guinardo", que transcurre en un barrio de inmigrantes andaluces en Barcelona, zona que guarda semejanzas con los sectores "malditos" de Nápoles. Labate trabajó como documentalista de la RAI desde 1979 y antes de este film realizó dos largometrajes: "Mi generación" y "Trabajar cansa".

Domenica Juan Marsé en Wikipedia Juan Marsé en el cine Domenica En YouTube

QUE LA CINEMATECA ESTRENE ...

El Dracula: Pages From a Virgin’s Diary es una invitación a la danza que retoma una de las más antiguas historias rodadas y la reinventa. Maddin se apropia de la novela gótica de Bram Stoker y la pasa a través del ballet ideado por Mark Godden, a la que le añade extractos de la primera y segunda sinfonía de Mahler, para presentarla como una pieza coreografiada y como un film mudo, más digitalmente deteriorada que digitalmente perfeccionada.

Merece la pena ver una película que ganó el Festival de Sitges del 2002 y que hace decir a Maddin en Cinema Scope acerca de su concepción del Conde Drácula dentro de esta obra: “Veo a Drácula no como si existiera físicamente, sino como un enorme sentimiento de placer y lujuria que revolotea de mujer en mujer”.

Viernes 20 de marzo a las 20 h: Odessa

Odessa, de Leonardo Di Costanzo.
Italia, 2005. 67’. v.o.s.e. Betacam
Único pase
Ciclo: Tendencias del cine italiano del siglo XXI

Con el patrocinio de Ambasciata d'Italia a Madrid. La colaboración de Filmitalia, Cinecittà Holding, Istituto Italiano di Cultura di Madrid, Istituto Italiano di Cultura di Barcellona
Agradecimientos: Adriana Chiesa Enterprises, Eurofilm, Indigo Film, Intramovies, Nuvola Film, Rai Trade. Proyecto y dirección: Daniela Aronica

“Lo más importante es ir a filmar un lugar, una situación, más que responder a la exigencia
sociológica o política. Ahí están contenidas las motivaciones dramáticas y fílmicas. Después, claro,
soy una persona de esta época, y me hago una serie de preguntas sobre la época en la que vivo,
pero el lugar (incluso físico) en el que entro para contar una realidad, indica ya una lectura política, un punto de vista”, le decía Leonardo Di Costanzo a su entrevistadora Chiara Malta, para rematar diciendo: “uno no ´muestra´, por lo tanto, inevitablemente ´dice´”. En esa toma de posición se vuelve evidente lo que a él le interesa del trabajo con los materiales reales: el espacio en el que existe una potencial irrupción de relatos, conflictos, personajes. La toma de posición está en las elecciones y no en una voz-off explicativa, que en sus películas se vuelve un tabú.
Odessa (o Les sept marins de l´Odessa, con resonancias à la Ruiz, co-dirigida con Pablo Oliviero, de 2005). ... el barco Odessa abandonado en el puerto, son los lugares en los que Di Costanzo ve la punta de historias y problemas, y donde sabe que hay que estar para ver lo otro, lo que no está en la superficie, lo que hay que cavar para encontrar o esperar hasta descubrir un dónde y un cuándo.

Ni su voz ni su cuerpo aparecen en escena. Los suyos no son documentales en primera persona.
Pero la idea de que Di Costanzo hace “documentales de observación” parece avara, reticente para hablar de un director con una manera de mirar, de encontrar personajes sin estigmatizarlos ni usar la cámara para condenarlos, y de decir algo sobre el mundo. Habría que corregir la raquítica idea de la “observación”, porque primero está la operación física de observar, pero luego viene la operación cinematográfica de decir.

Sergio Wolf-Focus Leonardo diCostanzo

Odessa En YouTube

Cinemateca UGT. Jueves 19 de marzo a las 20 h. La mujer del aviador

La mujer del aviador (La femme de L'aviateur), de Eric Rohmer.
Francia, 1980. 106’ v.o.s.e. 35 mm
Próximo pase: Domingo 22 de marzo a las 18 h
Ciclo: Buscando a Rohmer

En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

La primera entrega de su serie “Comedias y Proverbios” que Rohmer realiza será el film “La mujer del aviador”. Fiel a su estilo transparente y sencillo, el ahora ya sexagenario director francés, continúa con su limpia y objetiva mirada sobre la realidad cotidiana, que se esconde bajo el gran teatro de las relaciones personales.

En “La mujer del aviador”, la historia se centra en el desarrollo de un día cualquiera, fijando el punto de vista, ya no de los protagonistas o del director, sino del propio espectador, en un joven de veinte años (Francois) y su relación con dos mujeres, una algo mayor (Anne) y la otra solo de quince (Lucie).

Francois, un joven de personalidad indecisa, trabaja en el turno de noche en correos y por el día duerme y estudia unas oposiciones. El film, da a entender que ha tenido una íntima relación con Anne durante las recientes vacaciones, de la que ha quedado un frágil compromiso de noviazgo.

Anne, una mujer con cierta experiencia, escéptica y opaca en sus relaciones con el joven, resulta evidente que ha entablado esta relación amorosa con él, como analgésico, para salir de otra más profunda, aunque imposible.

La completa entrega de Francois hacia Anne, llegará a un punto de conflicto, cuando sorprenda juntos a su novia con su ex amante, en una situación equivoca.

Angel Lapresta (Reseña completa)

La mujer del aviador.Filmoteca de Andalucía La femme de l'aviateur-AlloCiné

Fin de semana en la Cinemateca

La Cinemateca retoma este fin de semana el ciclo: Buscando a Rohmer en colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa. En 1980, Rohmer con La Mujer del aviador, comienza las Comedias y proverbios. La serie Comedias y proverbios, explica Rohmer, se compone de "personajes que quieren vivir algo, que algo llegue con gran fuerza. Al contrario que en otros mundos en los que el hombre es feliz y teme al peligro que pueda avecinarse, en el universo de las Comedias... los acontecimientos no son temidos" Un filme sobre la falsedad de las apariencias.

También este fin de semana llega a su fin el ciclo Tendencias del cine italiano del siglo XXI, que se ha venido desarrollando durante febreo y marzo en colaboración con la Embajada de Italia en españa, los Instiutos Italiano de Madrid y Barcelona. Ficción y documental, son las propuestas. Odessa. Se puede creer lo que esta película cuenta literalmente y pensar que se trata de un buque ucraniano llamado Odessa, bloqueado desde 1995 en Nápoles, al punto de que la empresa propietaria envía allí a un grupo de personas a ocuparse de la seguridad. Nada es tan rápido como ellos esperan y su supervivencia se vuelve crítica, quedando ellos mismos tan anclados y abandonados como el barco, hasta que la corte promete intervenir y hacer que el capitán Lobanov y su tripulación reciban lo que les deben. Pero este documental de observación de Oliviero y Di Costanzo es mucho más que eso. Por un lado, porque logra tematizar, con gran intensidad dramática y un envidiable olfato para estar en todos los momentos trascendentes de esta historia increíble, cuestiones arduas como la alienación, el territorio, la lengua, el lugar de la política y el fin de la dicotomía capitalismo-socialismo real. Por otro, porque se trata de un documental singularísimo, de una construcción narrativa casi perfecta, heredero del cine directo y de la mejor tradición de Wiseman, y que entiende que la mirada es todo.

En cuanto a la ficción, Domenica. Basado en "Ronda de Guinardó" de Juan Marsé. No son pocas las coincidencias entre el antiguo Guinardó, aquel barrio de inmigrantes andaluces que evoca inmediatamente los tonos más sombríos de la postguerra catalana y la atmósfera turbia de muchas callejuelas de la actual Nápoles. Tal vez por eso la directora Wilma Labate se ha identificado inmediatamente con la novela de Marsé y además de "traducir" el espíritu del antiguo barrio barcelonés a un puerto que parece la antesala del infierno, ha sabido extractar el sentimiento dominante del libro: el contrapunto entre el horror y la esperanza, la historia dramática y conmovedora de dos soledades, entre las que se establece un fuerte vínculo afectivo. .

Cinemateca UGT 19, 20, 21 y 22 de marzo

Jueves 19 de marzo, 20 h
Domingo 22 de marzo, 18 h

Ciclo: Esperando a Rohmer.

La mujer del aviador (La femme de L'aviateur), de Eric Rohmer.

Francia, 1980. 106’ v.o.s.e. 35 mm

François, un joven estudiante que trabaja de noche, descubre que su novia, Anne, se está viendo con otro hombre.A partir de ese momento François empezará a seguir al “supuesto” amante, un aviador al que descubrirá con otra mujer. Durante su espionaje François conocerá a una joven que le ayudará a encontrar una explicación a esta confusa situación. Amor y celos de juventud.

Viernes 20 de marzo, 20 h

Ciclo: Tendencias del cine italiano del siglo XXI.

Odessa, de Leonardo Di Costanzo.

Italia, 2005. 67’. v.o.s.e.
Extraordinario testimonio de un capítulo de historia soviética, esto es, los recuerdos de
los marinos del navío Odessa abandonados en el puerto de Nápoles durante años

Sábado 21 de marzo, 20 h

Ciclo: Tendencias del cine italiano del siglo XXI

Domenica, de Wilma Labate.

Italia, 2001. 95’. v.o.s.e. 35 mm
Un inspector de policía y Domenica, una niña huérfana, emprenden un largo viaje por
las calles de Nápoles. Basada en la novela de Juan Marsé “Ronda del Guinardó”, barrio
barcelonés que en la película de Labate se convierte en la ciudad partenopea.

Cinemateca UGT. Domingo 15 de marzo a las 18 h: Mater natura

Madre naturaleza (Mater natura), de Massimo Andrei.
Italia, 2005. 90’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo: Tendencias del cine italiano del sigloXXI

El debutante italiano Massimo Andrei presenta Mater Natura, un filme sobre travestis y transexuales esperado con cierto aura de escándalo. El peninsular toma a un transexual –interpretado por una mujer, Maria Pía Calzone– obligado a ejercer la prostitución en Nápoles y sus alrededores y perdidamente enamorado/a de un muchacho que termina casándose con una chica. La cosa viene por el lado del drama y el/la protagonista sufre mucho en medio de una comunidad de personajes no habituales cuya identidad sexual choca con el físico que les tocó en suerte y tratan de revertirla en una granja ecológica en la que ofrecen ayuda espiritual. "Conozco ese tipo de realidades porque antes de debutar en el cine yo me gradué en antropología –declaró Andrei–, es un mundo de identidades y culturas que estudié en profundidad".

"una historia que salga de los cánones comunes, sin que travestis y transexuales sean asesinados ni objetos de burla; sino ponerlos en una historia de amor"
Massimo Andrei

Vlademir Luxuria-Wikipedia En YouTube Mater Matura La tercera entidad-Público

Cinemateca UGT. Sábado 14 de marzo a las 20 h: A cavallo della tigre

A cavallo della tigre, de Carlo Mazzacurati
Italia, 2002. 98’.v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo: tendencias del cine italiano del siglo XXI

Con el patrocinio de Ambasciata d'Italia a Madrid. La colaboración de Filmitalia, Cinecittà Holding, Istituto Italiano di Cultura di Madrid, Istituto Italiano di Cultura di Barcellona
Agradecimientos: Adriana Chiesa Enterprises, Eurofilm, Indigo Film, Intramovies, Nuvola Film, Rai Trade. Proyecto y dirección: Daniela Aronica

A cavallo della tigre remarca los días en prisión de Guido (Fabricio Bentivoglio) tras estar inmiscuido en un asalto, empujado por la primavera pasional que le llega en el cuerpo de Antonella (Paola Cortellesi); la huida amenazado por dos turcos, la amistad que brota entre Guido y Fatih en medio de los avatares para cruzar ciudades. La narración fragmentada deviene rememoración del hijo de Antonella, acelerada por la persecución policial a punto de concluir en tragedia e impelida por el camino de la exultación y la confluencia optimista.

A cavallo della tigre Intervista a Carlo Mazzecuratti En YouTube

Cinemateca UGT. Viernes 13 de marzo a las 20 h: Placido Rizzotto

Placido Rizzotto, de Pasquale Scimeca
Italia, 2000. 110’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Tendencias del cine italiano del siglo XXI

Con el patrocinio de Ambasciata d'Italia a Madrid. La colaboración de Filmitalia, Cinecittà Holding, Istituto Italiano di Cultura di Madrid, Istituto Italiano di Cultura di Barcellona
Agradecimientos: Adriana Chiesa Enterprises, Eurofilm, Indigo Film, Intramovies, Nuvola Film, Rai Trade. Proyecto y dirección: Daniela Aronica

Película sobre la tragedia de la vida, la pasión, el amor, la amistad y la muerte, reflejada en la historia de Placido Rizzotto, sindicalista de Corleone, desaparecido el 10 de marzo de 1948. Por un extraño destino, varios personajes vinculados a este hecho, de una u otra forma han continuado ejerciendo un importante papel en la Italia contemporánea.

Si bien los dramas sobre la plaga de la Cosa Nostra en Sicilia y su gente han sido durante mucho tiempo un elemento básico del cine italiano, el Placido Rizzotto de Pascuale Scimeca es más que una simple descripción del trágico martirio de un héroe menor. Impresionantemente rigurosa, sorprende su resultado desde el principio, esta poco convencional y fascinante historia real que se valorará muy positivamente en los festivales, algo que ya ha ocurrido en Venecia y Toronto.

Placido Rizzotto-Variety Placido Rizzotto En YouTube

Cinemateca UGT. Fin de semana 13, 14 y 15 de marzo de 2009

Tendencias del cine italiano del siglo XXI
13, 14 y 15 de marzo

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Viernes 13 de marzo, 20 h
Ciclo: Tendencias del cine italiano del siglo XXI.
Placido Rizzotto, de Pasquale Scimeca
Italia, 2000. 110’. v.o.s.e. 35 mm

Sábado 14 de marzo, 20 h
Ciclo: Tendencias del cine italiano del siglo XXI.
La fuga (A cavallo della tigre), de Carlo Mazzacurati.
Italia, 2002. 98’.v.o.s.e. 35 mm

Domingo 15 de marzo, 18 h
Ciclo: Tendencias del cine italiano del siglo XXI.
Madre naturaleza (Mater natura), de Massimo Andrei.
Italia, 2005. 90’. v.o.s. e. 35 mm

Placido Rizzotto, de Pasquale Scimeca

La historia de Plácido Rizzotto, líder sindical en la Italia de los años cuarenta, quien se enfrentó valientemente a la mafia para impedir que controlasen los sindicatos. La historia real de un luchador. Película sobre la tragedia de la vida, la pasión, el amor, la amistad y la muerte, reflejada en la historia de Placido Rizzotto, sindicalista de Corleone, desaparecido el 10 de marzo de 1948. Por un extraño destino, varios personajes vinculados a este hecho, de una u otra forma han continuado ejerciendo un importante papel en la Italia contemporánea.


Pasquale Scimeca (Aliminusa, Palermo, 1956) al terminar la escuela media superior, se traslada a Florencia donde se licencia en historia contemporánea en la facultad de letras. En 1989, después de trabajar durante algunos años como profesor de literatura e historia, funda la cooperativa de producción independiente Arbash Film y realiza su primer largometraje en 16 mm con el título La donzelletta.

El segundo trabajo también es un largometraje en 16 mm, Un sogno perso (1992), con el cual participa en el Festival de Cine de Taormina. En 1993 dirige su primera película en 35 mm, Il giorno di San Sebastiano, que gana un Globo de Oro y se presenta en la Muestra del Cine de Venecia en la sección "Vitrina del cinema italiano".

En los años siguientes realiza una serie de documentales entre los cuales cabe citar Nella tana del lupo (1994) producido por la Rai y que obtiene una mención especial en el Festival del cine documental de San Benedetto del Tronto.

En 1996 realiza su segundo largometraje, Briganti di Zabut, con el cual obtiene una mención especial en el Festival de Cine de Taormina y gana el premio del jurado en el Grosseto Film Festival. En 2000 dirige Placido Rizzotto con el cual participa en la Muestra de Cine de Venecia en la sección "Cine del presente". La pasión de Josué el judío (La passione de Giosuè l’ebreo, 2004


La fuga (A cavallo della tigre), de Carlo Mazzacurati.

Guido vive en Milán, es un simpático cuarentón, echador de cuentos y lleno de deudas. Para resolver su precaria situación económica, planea un asalto en el cual involucra a Antonella, su joven compañera, bailarina de televisión.

Carlo Mazzacurati. Nacido en Padova (1956) en el seno de una familia burguesa Carlo Mazzacurati se apasiona por el cine desde temprana edad e intentará más tarde inscribirse en el Centro Experimental de Cinematografía sin conseguirlo. Al recibir una pequeña herencia, decide invertirla en la realización de un cortometraje Vagabondi (1979), que significa su debut en el cine.

Establecido en Roma decide dedicarse a escribir guiones y comienza a trabajar para la televisión.

Debuta en el largometraje con Notte italiana (1987), una historia de corrupción y mala política, ambientada en el delta del Po, muy bien recibida por la critica. Desde entonces, y a lo largo de los años 90, Mazzacurati ha realizado un total de cinco largometrajes con diversas temáticas.

En 2000 filma La Lingua del santo, presentado a concurso en la 57ª Muestra de Cine de Venecia, en el cual dirige a la pareja Albanese-Bentivoglio en una hilarante comedia. Mientras que en 2002 rueda A cavallo della tigre (Cabalgando el tigre), nueva versión, muy personal, de una comedia negra realizada por Luigi Comencini en 1961.

Carlo Mazzacurati ha dirigido en 2004 a Stefano Accorsi, el actor italiano más popular actualmente, y a Maya Sansa en el film L'amore ritrovato, presentado fuera de concurso en la 61ª Muestra de Cine de Venecia.


Madre naturaleza (Mater natura), de Massimo Andrei.

Desiderio (Deseo) es un joven transexual que después de conocer a Andrea, un chico comprometido para matrimonio con una mujer, decide cambiar vida y proyectarse a futuro con él. A pesar de que ambos se aman, Andrea termina casándose con ella… aunque más tarde regresa a declarar su amor a Desiderio. Los dos podrían volver a acercarse pero un trágico evento trastornará sus vidas.

Cinemateca UGT. Programación 6, 7 y 8 de marzo de 2009

En la Cinemateca UGT continua este fin de semana el ciclo Tendencias del cine italiano del siglo XXI con Sicilia como protagonista doble. Por un lado con la proyección de Angela, de Roberta Torre, un melodrama ambientado en Sicilia que muestra en esencia la vida femenina involucrada con un mundo meramente masculino. Y por otro con Il fantasma di Corleone, de Mario Amenta, repaso a la presencia de la mafia en la vida cotidiana siciliana. Para completar la programación, dentro del ciclo Zona Documental, se proyectará: Dentro de garganta profunda, de Fenton Bailey y Randy Babato, un viaje a la América de los setenta con Garganta profunda como protagonista.

Viernes 6 de marzo, 20.00 h
Ciclo: Tendencias del cine italiano del siglo XXI.
Angela, de Roberta Torre.
Italia, 2001. 95'. v.o.s.e. 35 mm

Sábado 7 de marzo, 20.00 h
Ciclo: Zona Documental.
Dentro de Garganta profunda, de (Inside Deep Throat), de Fenton Bailey, Randy Barbato.
USA, 2005. 92'’. v.o.s.e.

Domingo 8 de marzo, 18.00 h

Ciclo: Tendencias del cine italiano del siglo XXI.
Il fantasma di Corleone di Marco Amenta.

Italia, 2006. 80'. v.o.s.e. Betacam