Amigos de la Cinemateca - Perspectivas

Manifiesto a favor Cinemateca-UGT de Sevilla (ASECAN)

2011-03-09T10:45:00.006Z

La Asociación de Escritores y Escritoras Cinematográficos de Andalucía (ASECAN) quiere expresar su más firme apoyo a la Cinemateca UGT y a su principal responsable, Manuel Gómez Román-Bella, en estos momentos en los que la continuidad de las actividades de este foro cultural se encuentra en entredicho.

La Cinemateca UGT ha venido realizando, desde su constitución hace ya veinte años, una impagable tarea de divulgación de un tipo de cine habitualmente alejado de los circuitos comerciales, un cine caracterizado por su independencia, su variedad intelectual, su compromiso ético y estético.

La pérdida de la Cinemateca supondría un duro golpe para una ciudad, Sevilla, no precisamente sobrada de este tipo de empeños culturales. La Cinemateca UGT es, hoy por hoy, un referente cinematográfico de primer orden en la ciudad, y su continuidad debe primar por encima de cualesquiera otros criterios, incluidos los económicos.

Manuel Gómez Román-Bella ha sido, durante todo este tiempo, la mano firme, la mano cinéfila que ha sabido conducir con rigor una institución a la que el tiempo ha hecho necesaria, tal vez imprescindible, en el panorama cultural sevillano.

La cultura andaluza, los hombres y mujeres que hacen de la cultura su espacio profesional o lúdico, los intelectuales de toda laya, no pueden hacer oídos sordos a una reivindicación tan sentida y razonable como ésta: la Cinemateca UGT, con Manuel Gómez al frente, ha de seguir con su labor de ofrecer buen cine, otro cine, a un público cinéfilo que no se merece perder este foro de genuinas propuestas alternativas.

En Sevilla, a 1 de marzo de 2011
Asociación de Escritores y Escritoras Cinematográficos de Andalucía (ASECAN)

Le cinéaste Jafar Panahi ne doit pas retourner en prison / Filmmaker Jafar Panahi must not return to prison!

2010-12-26T09:13:00.003Z

Nous apprenons avec colère et inquiétude le jugement du Tribunal de la République Islamique à Téhéran, condamnant très lourdement le cinéaste iranien Jafar Panahi. La sentence : six ans de prison ferme, vingt ans d'interdiction d'écrire et de réaliser des films, de donner des interviews aux médias, de quitter le territoire et d'entrer en relation avec des organisations culturelles étrangères.

Un autre cinéaste, Mohammad Rassoulov, a également été condamné à six ans de prison. Jafar Panahi et Mohammad Rassoulov vont rejoindre les nombreux prisonniers qui croupissent en prison en Iran, dans un état de détresse totale. Certains font la grève de la faim, d'autres sont gravement malades.

Que reproche le pouvoir iranien à Jafar Panahi ? D'avoir conspiré contre son pays et mené une campagne hostile au régime iranien. La vérité est que Jafar Panahi est innocent et que son seul crime est de vouloir continuer d'exercer librement son métier de cinéaste en Iran. Depuis plusieurs mois le pouvoir iranien a mis en place contre lui une véritable machine de guerre visant à le détruire, à l'enfermer en le contraignant à se taire.

Jafar Panahi est cinéaste et ses films ont été montrés dans le monde entier. Invité par les plus grands festivals de cinéma (Cannes, Venise, Berlin), il est aujourd'hui empêché de poursuivre son œuvre de cinéaste. La lourde condamnation qui le frappe le prive de liberté, l'empêche physiquement et moralement d'exercer son travail de cinéaste. Il doit désormais se taire, s'interdire tout contact avec ses collègues cinéastes en Iran et dans le monde entier.

A travers cette condamnation qui frappe Jafar Panahi, c'est tout le cinéma iranien qui est manifestement visé.

Cette condamnation nous révolte et nous scandalise. Aussi, appelons-nous cinéastes, acteurs et actrices, scénaristes et producteurs, tous les professionnels du cinéma ainsi que tous les hommes et femmes épris de liberté et pour qui les droits de l'homme sont une chose fondamentale, à se joindre à nous pour exiger la levée de cette condamnation.

Rejoignez l'appel aux côtés de : le Festival de Cannes, la SACD, la Cinémathèque française, l'ARP, la Cinémathèque suisse, le Festival international du film de Locarno, le Forum des images, Positif, la SRF, les Cahiers du cinéma, Citéphilo (Lille), France culture, la Mostra Internazionale d'Arte Cinematogafica di Venezia, Culturesfrance, la Quinzaine des Réalisateurs, Sarajevo Film Festival, Cinéma Gindou, Centre Audiovisuel Simone de Beauvoir, Centre Culturel Pouya.

ENGLISH VERSION

We have just learnt, with great anger and concern, about the judgement of the Court of the Islamic Republic in Teheran, heavily condemning Iranian filmmaker Jafar Panahi.

The sentence: six years of imprisonment without remission, accompanied by a ban of twenty years on writing and making films, giving interviews to the press, leaving the territory, or communicating with foreign cultural organisations.

Another filmmaker, Mohammad Rassoulov, has been likewise sentenced to six years in prison. Jafar Panahi and Mohammad Rassoulov are going to join the many prisoners now rotting in jail in Iran in a state of total distress. Some are on hunger strikes, while others are gravely ill.

What does the Iranian government reproach Jafar Panahi with? Having conspired against his country and carried out a campaign hostile to the Iranian regime.

The truth is that Jafar Panahi is innocent and his only crime is wishing to continue to freely exercise his profession as a filmmaker in Iran. Over the last few months the Iranian government has put into place against him nothing short of a machine of war in order to destroy him, while locking him up to silence him.

Jafar Panahi is a renowned filmmaker and his films have been shown all over the world. Invited by the greatest film festivals in the world (Cannes, Venice, Berlin), he is today prevented from pursuing his work as a filmmaker. The heavy sentence inflicted upon Jafar deprives him of his freedom, while preventing him both physically and morally from carrying out his work as a filmmaker. Henceforth, he must remain silent, refrain from any and all contact with his fellow filmmakers both in Iran and anywhere else in the world.

Through this sentence inflicted upon Jafar Panahi, it is manifestly all of Iranian cinema which is targeted.

This sentence both revolts and scandalises us. So, let us call upon all filmmakers, actors and actresses, screenwriters and producers, all motion-picture professionals as well as every man and woman who loves freedom and for whom human rights are fundamental, to join us in demanding the lifting of this sentence.

Join the call alongside of

le Festival de Cannes, la SACD, la Cinémathèque française, l'ARP, la Cinémathèque suisse, le Festival international du film de Locarno, le Forum des images, Positif, la SRF, les Cahiers du cinéma, Citéphilo (Lille), France culture, la Mostra Internazionale d'Arte Cinematogafica di Venezia, Culturesfrance, la Quinzaine des Réalisateurs, Sarajevo Film Festival, Cinéma Gindou, Centre Audiovisuel Simone de Beauvoir, Centre Culturel Pouya.

http://www.ipetitions.com/petition/solidarite-jafar-panahi/

Carta de apoyo a Manuel Gómez

2010-12-16T11:33:00.004Z

CARTA DE APOYO A MANOLO GÓMEZ

El Centro Cultural Italiano de Sevilla manifiesta su apoyo a la Cinemateca de la UGT, cuyo Director Manolo Gómez trabaja con profesionalidad y dedicación desde hace 20 años para promover el cine europeo en Sevilla.

Gracias al apoyo de Manolo Gómez, este Centro ha organizado en la temporada 2009/2010 un ciclo de cine italiano “ITALIA: UN PAESE, UNA STORIA” dirigido en particular a los estudiantes de italiano de Sevilla de varias instituciones académicas. En esta ocasión el ciclo se organizó con la colaboración de la Universidad Pablo de Olavide.

Confirmamos nuestra intención de proponer un nuevo ciclo de cine en el 2011, un año especial para Italia, ya que se celebra el 150 aniversario de la Unidad del país. Por supuesto, seguiremos confiando en la figura de Manolo Gómez cuya experiencia y cultura cinematográfica es imprescindible para garantizar el éxito de cualquier proyecto de estas características.

La enorme dedicación y entrega de Manolo Gómez ha acercado a miles de sevillanos al cine de calidad, a menudo a pesar de los escasos medios a su disposición. Por todo esto, el Centro Cultural Italiano de Sevilla seguirá apoyando sus iniciativas para la promoción del buen cine en versión original.

Sevilla, 7 de diciembre de 2010

Marina Sciarretta
Directora
Centro Cultural Italiano de Sevilla

CARTA DE APOYO A MANOLO GOMEZ

2010-11-17T10:56:00.005Z

El Servicio Cultural de la Embajada de Francia en España sigue y seguirá apoyando como lo viene haciendo desde hace 20 años, el proyecto de la Cinemateca de Manolo Gómez. Se trata de un actor esencial de la vida cultural en Sevilla y de un defensor encarnizado del buen cine en general y del ciné francés en particular. Antes incluso de la llegada de la democracia a España, Manolo Gómez hizo posible que el público de Sevilla tuviera acceso a las obras de los mayores directores franceses, muy a menudo como estrenos en España. Varias generaciones de sevillanos han podido, gracias a él, descubrir lo mejor del cine europeo desde la Nouvelle Vague hasta el cine independiente actual, con el mismo empeño constante para ofrecer una programación de primera calidad.

Manolo Gómez fue condecorado como Caballero de las Artes y las Letras en el año 2001 para agradecerle su compromiso y entrega al servicio de la cultura y por el papel desempeñado en la promoción de la diversidad cultural. Su trabajo ha sido esencial para mantener en Sevilla una oferta cinematográfica diversificada, que no podría desgraciadamente existir en el circuito comercial clásico. Por ello, la Embajada de Francia en España seguirá apoyando las iniciativas de Manolo Gómez para promover una oferta de cine de calidad para los sevillanos.

Sevilla, a 12 de noviembre de 2010

Victoria DI ROSA

Agregada Cultural de la Embajada de Francia en España

Y volvimos, como era nuestra obligación...

2010-10-26T09:19:00.005Z

Estimad@s amig@s:

Como decíamos hace unos meses, volveríamos en octubre y como es habitual cargados de nuevas e "intensas" emociones para iniciar nuestro itinerario cinematográfico, en esta ocasión, de forma especial ya que el próximo año, 4 de marzo de 2011, cumplimos 20 años, ahí es nada.

Con motivo de ese carácter especial, estábamos diseñando una serie de actividades para celebrar dicha efeméride. De momento y ante la impotencia de los interesados, toda esta programación, la habitual y la especial, queda aparcada hasta "próximos meses". Evidentemente perderemos algo por el camino, ya que como sabéis, algunas de las películas tienen fecha de caducidad en su circulación. Ni que decir tiene que para nosotros supone una gran extorsión ya que no solo se interrumpe un proyecto que, como siempre, lo elaboramos con mucho cariño y algún que otro esfuerzo (más de lo que algunos piensan).

Parece ser que también la crisis afecta a los sentimientos, cosa que no estamos de acuerdo por que la situación de ajuste y limitaciones siempre ha sido una constante dentro de nuestra dilatada historia. Esta crisis siempre nos ha acompañado (desafortunadamente) con lo cual no es una excusa para interrumpir una programación que siempre se ha movido en la cuerda floja. Hasta valores como el altruismo quedan pulverizados por estas adversidades institucionales-económicas que a todos nos invaden. Lo cierto que a estas alturas y con un montón de películas que esperan en la cabina de proyección, pasarán de largo y continuarán su viaje.

Es paradójico que dentro de esta situación las estadísticas de los dos últimos años han sido bastantes significativas, con un ligero aumento de espectadores que en medio de esta situación no deja de ser motivo de una cierta esperanza. Poderoso acicate para seguir adelante. Por otra parte siempre hemos considerado que el cine como espectáculo de concitación de "masas" tenía que subsistir aunque, quizás, con otras premisas. Hemos mantenido una programación de 150 películas aproximadamente al año y siempre en 35 mm, simultaneando con las nuevas tecnologías. No creemos por tanto que es el momento de abandonar al barco, si no seguir trabajando para volverlo a sacar a flote.

No obstante el viento y las tempestades se obstinan en que esto no siga adelante, y no solo somos los que podemos naufragar sino ese montón de organismos que desde hace 20 años nos acompañan y que hacen posible que casi todos los fines de semana se produzca el acontecimiento de poder realizar varias proyecciones. En especial a nuestros amigos franceses, siempre presentes.

Los tintes surrealistas que puedan tener esta misiva, en donde no clarificamos demasiados cosas, obedecen a problemas estructurales. Por nuestra parte nos queda la frustración y el desasosiego por ver (y van...) como los proyectos que tienen vocación de seriedad son diezmados sin ningún atisbo de misericordia. No es ninguna novedad en un campo llamado Cultura

En fin querida militancia cinéfila, seguiremos en contacto para informaros de cómo evolucionan los acontecimientos. De momento... nuestro fiel proyector Galaxia X, que nos ha acompañado todos estos años, permanece mudo e inquieto con el riesgo de ser oxidado. Es la misma sensación que sentimos ante este reencuentro virtual que mantenemos con todos vosotros.

Confiamos que con la llegada del nuevo año, podamos continuar las actividades, aunque estos meses de Adviento sean bastante complicados para nosotros. Nos vemos en Enero... Un fuerte abrazo.

Propuestas

2010-10-25T11:04:00.000Z

Ciclo Grandes Damas del cine francés
En colaboración con los Servicios Culturales de la Emabajada de Francia, Alianza Francesa

Un homenaje a las Grandes Damas del Cine francés a través de una pequeña selección de películas: Casque d’or, Jacques Becker, La cérémonie, Claude Chabrol, La baie des Anges, Jacques Demy, Roman de Gare, Claude Lelouch, Ma saison préférée, Techiné André, 8 Femmes, François Ozon.

Ciclo Cine policiaco francés
En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia, Alianza Francesa

Durante los meses de noviembre y diciembre, la Cinemateca UGT dedica un ciclo al cine policial francés. La propuesta lleva a los espectadores a un recorrido por el género mostrando que el cine negro francés se desarrolló con la misma trrascendencia que el norteamericano y, aunque se mantuvo siempre abierto a su influencia, terminó por definir características propias. Tuvo delincuentes más elegantes, silenciosos y reflexivos.

El ciclo cuenta con los films de los exponentes más representativos de la época, entre los que se destacan Jacques Becket, Henri-Georges Clouzot, Jean Pierre Melville, Xavier Beauvois. Quai des orfevres, L'etrange Monsieur Victor, Le corbeau, Touchez pas au grisbi, le petit lieutenant, Cercle rouge

Ciclo de cine mexicano contémporaneo
En colaboracíon con el Instituto de Mexico en España

Un recorrido por el último cine realizado en el país azteca.

Amor en fin, de Salvador Aguirre. Vaho, de Alejandro Gerber. Vitorio, de Alex Noppel. Espiral, de Jorge Pérez Solano. Viaje redondo, de Gerardo Tort.

Los ciclos habituales: La Cinemateca estrena, En corto, El septimo juego

Especial 20 años: Animemarathon, Encuentro con Agnes Varda

Federico Fellini. El circo de las ilusiones

2010-07-15T18:19:00.002Z

«Federico Fellini. El circo de las ilusiones» trata sobre la creación del mito felliniano, lo analiza, busca comprenderlo y mostrarlo. La exposición reúne una iconografía dispersa, componiendo un corpus con numerosas fotografías, dibujos y filmes hasta ahora inéditos. Para evitar un enfoque excesivamente biográfico, la muestra se aparta de los datos estrictamente cronológicos y presenta a Fellini a través de sus obsesiones. Centrándose en las imágenes que le inspiraron, las que soñó, las que construyó... de esta manera se establece un diálogo entre las imágenes fijas y las animadas.

Esta exposición constituye una especie de laboratorio visual con una doble ambición: por un lado, contribuir a la renovación del modelo de lectura de la obra del cineasta y, por otro, enfrentarnos al modo de exponer cine. En ocasiones, se aparta de la filmografía de Fellini para abordar la forma más amplia del siglo xx. El siglo del cine, por supuesto, pero también el de la prensa, el de los medios de comunicación, el de la televisión y el de la publicidad. En definitiva: el siglo de la imagen o, más concretamente, el siglo de la fábrica de imágenes.

«Federico Fellini. El circo de las ilusiones» se articula alrededor de cuatro grandes ámbitos: Fellini y la cultura popular; Fellini en su trabajo; la ciudad de las mujeres, y Fellini o la invención biográfica. Dentro de estos grandes ámbitos se desarrollan una serie de módulos temáticos en los que se tratan los temas que surcan la obra de Fellini, los que le fascinan o le obsesionan. Temas como el music-hall y el circo, la caricatura o las fotonovelas, los monstruos marinos o el rock and roll, la reconstitución de lo real en Cinecittà, la mujer en todo su polimorfismo, la ambigüedad de su sentimiento religioso, la realidad de prueba de la imaginación, el psicoanálisis y los sueños, su relación con los medios de comunicación, su atracción por la prensa ilustrada, su repulsión hacia la televisión, su desdén hacia la publicidad, el inventor de palabras... La exposición no solo nos desvela una parte de los mecanismos de la creación felliniana, también a través de un análisis profundo del contexto de su obra explica su cine bajo una nueva mirada.

Federico Fellini. El circo de las ilusiones
CaixaForum Madrid
Del 15/07/2010 al 26/12/2010
De lunes a domingo, de 10.00 a 20.00 h.
CaixaForum Madrid, Paseo del Prado, 36. 28014 MADRID

Casi 20 años no es nada (XXXVIII)

2010-07-12T17:08:00.005Z

El rey y el pájaro (Le roi et l'oiseau), de Paul Grimault
Francia, 1980
Proyectada en la Cinemateca UGT, el 11 de noviembre de 2007
dentro del Ciclo Le long s’anime/Aula de cine

Esta fue la obra de toda una vida del animador Grimault. Incompleta , fue lanzada en 1952 por sus productores como La pastora y el deshollinador. Debieron pasar casi tres décadas (y la muerte del guionista Jacques Prévert) para que Grimault se reencontrara con su material, lo completara y redondeara un film mayor.

El rey "Carlos V más Tres son Ocho y Ocho Dieciséis", domina de forma tiránica el reino de Taquicardia. Solamente un pájaro, risueño y parlanchín, que ha construido su nido encima de la torre del palacio, se atreve a plantarle cara. El rey está enamorado de una pastora encantadora que, surgiendo de una de las pinturas del palacio, se personifica cada noche para encontrarse con el deshollinador que sale, por su lado, del cuadro vecino. El rey quiere casarse con ella, pero la chica a quien ama de verdad es a su humilde enamorado. Ambos deciden escapar del rey y se esconden en la cima de la torre más alta del palacio, donde salvan a un pajarito inprudente que ha quedado atrapado en una de las trampas del tirano. El pájaro rebelde, agradecido por este acto heróico hacia una de sus crías, promete ayudarlos en su huída

Pueblos sin Camino recibe una Mención Especial en el Festival de Cine de Martil

2010-07-10T18:10:00.002Z

El documental es una coproducción entre la productora sevillana Lemendu Films y la aragonesa Nanuk Producciones Audiovisuales

El documental de Jorge Tsabutzoglu recibió una Mención Especial en el Festival de Cine de Martil, Marruecos, que tiene la misión de ser un puente entre las culturas latinoamericanas y árabes.

La mención fue decidida según palabras del jurado por su originalidad en el tratamiento de la historia. Esta es ya su segunda mención internacional tras ser reconocido como Tercer Mejor Documental en el 4th Anthropology Film Festival de Vancouver, Canadá.

El documental es una coproducción entre la productora sevillana Lemendu Films y la aragonesa Nanuk Producciones Audiovisuales, y dirigida por Jorge Tsabutzoglu, de origen malagueño.El documental, con música del sevillano Miguel Torres, ha pasado por numerosos festivales nacionales e internacionales, entre ellos, el Festival de Cine Independiente de Mompox (Colombia), la Muestra de Documental Antropológico y Social de Buenos Aires, el Molisecinema Film Festival italiano o el Aspekty Film Festival, de cine antropológico y etnográfico, de Torun (Polonia).

http://www.festivaldemartil.ma/

En el planeta de los Morlocks

2010-07-10T12:35:00.004Z

Exhibición de una selección de instantáneas que muestran el trabajo de foto fija de Bárbara Shunyí durante el rodaje de la serie Plutón B.R.B Nero, dirigida por Álex de la Iglesia para Televisión Española.

Plutón B.R.B. Nero es una serie dirigida por Álex de la Iglesia, que narra las aventuras de la nave Plutón B.R.B. Nero en busca de un planeta habitable para los 5000 colonos hibernados que lleva en sus bodegas y poder así salvar a la Humanidad. El nombre de la nave corresponde al planeta Plutón, a la empresa Biotechnological Research Badajoz (BRB) y a Nero, que es su constructor.

Estamos en el año 2530. La situación en el planeta Tierra es desesperada... Hace años que no queda nada de la capa de ozono. La construcción incontrolada de adosados en el Polo Norte provoca la subida de las aguas haciendo desaparecer ciudades como Nueva York, Londres o Benidorm. La raza humana sobrevive en zonas pantanosas superpobladas, apestadas por las epidemias, inundaciones e inmobiliarias.

En el año 2500, el Presidente de los Estados Unidos del Mundo, Maculay Culkin III, comienza su mandato con dos decisiones polémicas: uno, cambiar de sexo otra vez y dos, enviar una nave al espacio. Su objetivo: encontrar un planeta habitable, y huir de este inmenso error llamado Tierra. Esta serie narra las aventuras de un grupo de marines españoles durante la búsqueda de un planeta habitable para poder salvar a la humanidad ya que en la Tierra no hay sitio para más población ni para construir más viviendas.

Galería de Arte Municipal Pintora Charo Olías. Centro Cultural Juan Bautista Zamorano.
Avda. Aramburu Macua. Isla Cristina (Huelva).
Del 26 de julio al 1 de agosto. de 21.00 h a 23.00 h
Islantilla Cineforum

Cinemateca UGT. Nuestra pequeña historia. Curso 09_10- Enero-Marzo 10

2010-07-03T21:52:00.003Z

La subversión de las imágenes. Surrealismo, fotografía y cine

2010-07-01T20:18:00.003Z

Espejo: cualquier cosa que refleja o da imagen de algo
Subvertir por la imagen: trastornar lo real

Exposición coproducida con el Centro Pompidou que reúne 300 fotografías, un centenar de documentos y 10 películas en las que se puede contemplar cómo los integrantes del movimiento Surrealista utilizaron el celuloide para hacer su particular revolución.

Además de títulos clásicos como ‘La Edad de Oro’, también se proyectarán trabajos experimentales o pruebas de autor. Es el caso de la película firmada por Man Ray, una de las que más expectación ha generado, y que durante 8 minutos muestra a un Pablo Picasso con una copa en la mano y una mantilla española sobre su cabeza. El filme se titula ‘La garoupe’ y fue rodado en 1937. La exposición incluye piezas de André Bretón, Dalí, Giacometti y Magritte, Cartier-Bresson, Gala Dalí (antes Eluard), Brassaï, Max Servais o Eli Lotar.

La Subversión de as Imágenes
Del 18 de junio al 12 de septiembre de 2010

FUNDACIÓN MAPFRE. Instituto de Cultura.
Paseo de Recoletos nº 23
Comisarios Quentin Bajac, Clément Cheroux, Guil laume Le Gall, Michel Poivert, Philippe-Alain Michaud
Producción CENTRE POMPIDOU, París, en colaboración con:
- FUNDACIÓN MAPFRE, Madrid
- FOTOMUSEUM Winterthur , Winterthur

www.exposicionesmapfrearte.com/subversion

Casi 20 años no es nada (XXXVII)

2010-06-28T17:43:00.002Z

Pequeños arreglos con los muertos (Petits arrangements avec les morts), de Pascale Ferran
Francia, 1994
Fue proyectada en la Cinemateca el 25 de octubre de 1997
dentro del ciclo "Panorama del nuevo cine francés"

Una playa en verano. Un hombre construye un castillo de arena y es mirado por tres personas: su hermano, su hermana y un niño. Todos fueron marcados por la muerte de alguien próximo. Ganadora del Premio a la mejor ópera prima en Cannes 1994.

Notable debut en el largo de la directora Pascale Ferran, estos “pequeños arreglos con los muertos” describen con emoción y humor las distintas maneras de ser atravesados por el duelo de un ser querido en un inteligente relato que evoca la infancia como metáfora del cine y que, a pesar del pesar sufrido, es una celebración de la vida.

“Plano tras plano, Pascale Ferran ha sabido respetar un crescendo en el crepúsculo que poco a poco ensombrece su película” Didier Perón

QUE LA CINEMATECA ESTRENE ...

2010-06-23T21:17:00.002Z

Al igual que en Géminis, donde, con una técnica más elegante que en esta brutal La rabia, hablaba del incesto, ahora brinda otra propuesta extrema, visceral, mostrada sin ningún tipo de reparo, como esa secuencia de la matanza del cerdo, ejemplo de la naturalización de la violencia que se respira desde la cuna en el campo, algo de lo que no se puede huir, con lo que se crece, y que es mostrada en toda su verdad, huyendo de la idealización de lo rural y de los que en él habitan, que siempre suelen aparecer como personajes nobles y comprometidos. Sobrevivientes, como los llama John Berger, desclasados en cualquier sistema político.

Albertina Carri nos regala momentos de fascinación y otros de repulsión, formando un conjunto tan afilado como bien engrasado, una mezcla en la que muestra a la vez la belleza del campo, la fealdad del alma humana y la inocencia infantil (mostrada esta última con el apoyo de una animación escalofriante muy lograda).

Como la rabia que contagian los perros, la violencia también se contagia, todos la van ejerciendo sobre otros, sobre el más vulnerable. El sexo casi animal, los dibujos de la niña (casi abstractos y que no interrumpen el ritmo de la película), la relación con los animales, todo es violento y crudo.

Se podría pasar toda la filmografía de Albertina Carri, formada sólo por tres películas, en la próxima muestra “la mujer y el cine” para poder comprobar que toda ella está hecha sin concesiones, es audaz, provocadora, fuente de discusiones, algo pretenciosa y fútil. Quizás demasiado interesada en asustar a los burgueses y en ser incómoda a cualquier precio.

Desbordamiento de Val del Omar

2010-06-22T10:28:00.002Z

El perfil de José Val del Omar (Granada, 1904 - Madrid, 1982) no puede ser adscrito a un epígrafe de actividad demasiado concreto, si bien tuvo su puntal mayor en el cine. Perteneció a una generación que creyó en éste como un arte de pleno derecho antes que como un nuevo opio para las masas. Pero si se le vincula al medio cinematográfico es como un creador maldito, de obra exigua; al menos, en cuanto al metraje que se conserva actualmente. Un excéntrico en el seno de la cinematografía española, Val del Omar dedicó gran parte de su tiempo a la exploración tecnológica, tanto en aspectos concernientes al cine y a los retos planteados en su tiempo (cine sonoro, en relieve, en color, en pantalla ancha…), como en otros terrenos que incluyen la electroacústica, la radio, la televisión y las aplicaciones educativas de los medios audiovisuales. Algunas de sus invenciones pretendían soluciones prácticas, pero otras se adentraron en la noción del espectáculo total con un instinto visionario insólito, más aun si se tiene en cuenta que muchas de sus ideas al respecto ya las hizo públicas entre 1928 y 1944.

Además, Val del Omar siempre se mantuvo al corriente sobre los últimos medios y tecnologías y llegó a atisbar las posibilidades que se abrían con la cibernética, el láser, el vídeo digital y la noción de medios mixtos. Esta exposición, la más completa dedicada hasta la fecha al artista, propone una exploración de su poética a través de los variados lenguajes de los que se sirvió, desde la fotografía, el cine, los collages o los registros sonoros hasta el diseño y realización de artefactos y mecanismos ópticos, de registro y proyección. Todo ello vertebrado en un recorrido que reproduce el de su vida por medio de los siguientes capítulos: la época de las Misiones Pedagógicas, el laboratorio PLAT (sigla de Picto Lumínica Audio Táctil, concepto que designaba la práctica a la que aspiraba), la poesía de la técnica y el Tríptico Elemental de España (la trilogía en la que reunió sus films paradigmáticos). La muestra se completa con “La cripta alumbrada” (Palacio de Carlos V), donde se recogen monográficamente las imágenes que le inspiró Granada y la Alhambra.

www.centroguerrero.org

13 de mayo de 2010 / 4 de julio de 2010
Centro José Guerrero
C/ Oficios 8. Granada
Cripta del Palacio de Carlos V Conjunto Monumental de la Alhambra y el Generalife
C/ Real de la Alhambra s/n. Granada

14 de septiembre de 2010 / 28 de febrero de 2011.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Cinemateca UGT. Nuestra pequeña historia. Curso09_10. Octubre-Diciembre_09

2010-06-21T11:04:00.003Z

Viernes 18 de junio de 2010, 20 h: Flandres, de Bruno Dumont

2010-06-17T12:59:00.004Z

Flandes (Flandres), de Bruno Dumont

Francia, 2006. 91’. v.o.s.e. 35 mm
Ciclo Guerra y Paz
Único pase
En colaboración con Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

“una sombría reflexión sobre la barbarie de la guerra, y la bestialidad del hombre, que solamente una enorme compasión puede rescatar… hermosas actuaciones…”

Variety

Explicar el proceso que pone a una película en acción sigue siendo un misterio. Para “Twentynine Palms”, fue una sensación. El personaje tan furtivo del inspector policial en “La Vida de Jesús” me inspiró para hacer “La Humanidad”.

Si me preguntan por qué o cómo, no puedo responder. Lo importante para mí es describir una historia con imágenes y sonidos. El trabajo de un director se parece al de un pintor. Matisse escribió que lo importante en la pintura no es el sujeto, sino cómo se disponen las cosas alrededor del sujeto, su proporción. Flandes, por ejemplo, es un misterio para mí. Yo nací allí. Mi relación es visceral, sensible, en otras palabras, no está impulsada por la razón. La cámara se convierte en un microscopio o una lente colocada sobre el sujeto... Necesito la tierra para filmar seres humanos. En su filmación, Flandres representa un aspecto de la existencia humana. Necesito una historia porque las historias son el movimiento natural de nuestras vidas, nuestra conexión con los demás. Hacer el filme es como tejer. La guerra “Flandes”es la expresión del conflicto de nuestros deseos.

Bruno Dumont

Flandes Flandes Entrevista Bruno Dumont El cine de Bruno Dumont Consideraciones en torno a Dumont

Sesión suspendida, jueves 17 de junio, 20 h

2010-06-17T12:56:00.000Z

Cinemateca UGT. Nota informativa

La sesión prevista para el jueves 17 de junio, 20 h: Nazarín, de Luis Buñuel queda suspendida

Teatro en UGT
Jueves 17 de junio, 19.30 h

Las Niñas del tejar estrenan

AB IMO PECTORE
Desde lo más profundo del corazón

Cuatro personajes femeninos de la literatura grecolatina se enfrentan a textos contémporaneos ambientados en los años posteriados a la Guerra Civil española. Medea, Ariadna, Antígona y Penépole, cuatro historias que el tiempo no ha sido capaz de borrar

Jueves 17 de junio, 20 h. Nazarín, de Luis Buñuel

2010-06-15T18:39:00.004Z

Nazarín, de Luis Buñuel
Mexico, 1958. 94’. v.e. Digital
Único pase
Ciclo Luis Buñuel en México

En colaboración con el Instituto de México en España

En el México de principios del siglo veinte, el humilde cura Nazarín comparte su pobreza con los necesitados que habitan alrededor del mesón de Chanfa. Después de proteger a una prostituta que provoca el incendio del mesón, Nazarín se ve obligado a abandonar el lugar. En su camino, las acciones del religioso provocan una serie de conflictos que se oponen a su visión de la caridad cristiana.

Nazarín significó el primer encuentro entre dos grandes españoles: por un lado Buñuel, el cineasta más importante de habla hispana; por el otro, Benito Pérez Galdós, el más grande novelista español después de Cervantes. El proyecto rondaba por la cabeza de Buñuel desde 1948, cuando el director trabajaba en la adaptación de Doña Perfecta (1950), otra obra de Pérez Galdós de la cual Buñuel poseía los derechos.

Una triquiñuela del productor Francisco Cabrera dejó a Buñuel sin la oportunidad de filmar Doña Perfecta (1950), la cual terminó siendo dirigida por Alejandro Galindo. Tuvieron que pasar diez años, para que Buñuel tuviese de nuevo la oportunidad de llevar a la pantalla su particular visión del universo galdosiano.

El interés de Buñuel por Pérez Galdós fue tardío. En su juventud le parecía anticuado este escritor perteneciente a una generación famosa -la del 98- pero alejada de la suya, la del 27. Tuvieron que pasar varios años para que Buñuel comenzara a valorar los elementos y personajes de la obra de Pérez Galdós:

"Fue en el exilio cuando empecé de verdad a leerlo, y entonces me interesó. Encontré en sus obras elementos que podríamos incluso llamar 'surrealistas': amor loco, visiones delirantes, una realidad muy intensa con momentos de lirismo. Nazarín es una novela de su última etapa y no de las mejor logradas, pero su historia y su personaje son apasionantes, o por lo menos a mí me sugerían muchas cosas, me inquietaban."

La película significó la primera y única colaboración de Buñuel con el famoso productor independiente Manuel Barbachano Ponce, quien logró importantes aportaciones al cine mexicano, manteniéndose siempre al margen de la anquilosada industria oficial, la cual comenzaba a presentar serios problemas de burocratismo y cerrazón sindical.

Ubicada en el México del porfiriato, Nazarín fue criticada en un principio por no apegarse al contexto mexicano de principios de siglo veinte. "Eso no me importa mucho" decía Buñuel. "Si no es México ni España, es un país posible el que muestro en la película. Aparte de que ustedes saben que en muchos detalles -si no en esos, precisamente, sí en otros- México es muy español. Lo es y no lo es, eso lo hace más interesante."

Nazarín contiene varias de las más inquietantes y enigmáticas imágenes de la filmografía buñueliana. El Cristo que ríe, la niña que llora arrastrando una sábana por una calle vacía, el beso que se convierte en mordisco o la mujer entregando una piña al protagonista se han convertido en tema de inumerables discusiones en las que Buñuel, divertido, siempre se negó a participar. "A mí me intrigan tanto como a ustedes" decía. "No hay teorías ni metafísicas en mis películas."

cinemexicano.mty.itesm.mx

Nazarín Nazarín

Cinemateca UGT. 17 y 18 de junio de 2010

2010-06-14T12:19:00.004Z

Jueves 17 de junio, 20 h Nazarín, de Luis Buñuel
Mexico, 1958. 94’. v.e. Digital
Único pase
Ciclo Luis Buñuel en México

En colaboración con el Instituto de México en España

Viernes 18 de junio, 20 h Flandres, de Bruno Dumont
Francia 2006. 91’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo Guerra y Paz

En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

Este drama, interpretado en su mayoría por actores debutantes o pseudo-debutantes, gira alrededor de Demester (Samuel Boidin), un joven que reparte su tiempo entre la granja donde trabaja y Barbe (Adelaïde Leroux), una sensible adolescente, amiga desde la infancia, a la que no se atreve a considerar su novia.

QUE LA CINEMATECA ESTRENE ...

2010-06-13T06:24:00.003Z

“En un principio había un árbol, un árbol en otoño…
Había perdido sus hojas,
pero aún tenía fruta para que comieran los pájaros”

Poema nocturno y onírico, viaje en primera persona, en el tiempo y en el espacio, que se inicia en un pequeño pueblo ruso y termina en el museo Boijmans de Rotterdam, patrocinador de la película, tras atravesar tempestades, mares ennegrecidos, rostros, bosques, carreteras iluminadas por los faros de los vehículos. Todas imágenes flotantes y suntuosamente encadenadas (montaje fluido y poético a lo Tarkovski, del que Sokurov siempre ha sido considerado heredero espiritual), siempre en movimiento pero con una calma propia de otra época, llevadas hasta el límite de la opacidad y que le permiten abordar, con exigencia y despojamiento extremo, asuntos próximos a lo indecible.

Una voz en off hipnotizante, la voz solitaria de un hombre que recuerda a la de El arca rusa, sobrevuela estas imágenes nostálgicas e irreales (esto sí una gran diferencia entre las dos películas), proporcionando un tono melancólico a sus recuerdos personales. Una relación religiosa con las imágenes, de gran poder evocador, que sin caer en el manierismo logra efectos ondulantes acordes con el clima onírico e irreal del relato.

La película se inicia con un árbol que ha perdido todas sus hojas pero que mantiene sus frutos. En los últimos minutos, ya dentro del museo, en un cuadro, filmado como los paisajes naturales que se han visto antes, bajo la luna, vemos un árbol en flor bajo la nieve. Sokurov protege las flores con sus manos en un intento de preservar la memoria colectiva, pasada y futura. Sólo el arte aporta el testimonio de lo que ha sido irremediablemente enterrado.

“A lo largo del trayecto en coche que nos lleva desde Rusia hasta el extremo de la Europa occidental, en todas las gentes que me encuentro, busco algo en sus ojos que me revele la alegría, la felicidad y el consuelo. Pero sólo lo pude encontrar en dos antiguos cuadros…”

Alexandre Sokurov

Cinemateca UGT. Sábado 12 de junio, 20 h: Dallo zolfo al carbone, de Luca Vullo/Un’ora sola ti vorrei, de Alina Marazzi

2010-06-10T17:33:00.000Z

Dallo zolfo al carbone, de Luca Vullo

Italia, 2008. 53’. v.o.s.e. Digital
Único pase
Ciclo Novísimos cineastas italianos
Patrocinio: Ambasciata d’Italia a

Madrid Organización: Centro di Studi sul Cinema Italiano (CSCI),Cinemateca UGT-Sevilla,
Colaboración: Cinecittà Luce, Istituto Italiano di Cultura di Barcellona, Istituto Italiano di Cultura di MadridAgradecimientos: Adriana Chiesa Enterprises, Buskin, Classic srl, Fandango, Intramovies, Mir Cinematografica, Ondemotive, Pablo Film, Rai Trade

1946 Pacto ítalo-belga. Vendidos (por el Estado) por un saco de carbón. El paro, la explotación, la emigración, la ausencia de medidas de protección en el trabajo, los problemas de integración nos hacen re-vivir el viaje de miles de sicilianos hacia las minas de carbón de Bélgica.

Dallo zolfo al carbone es el retrato socio-histórico de la Italia de los años 40 que llevó a millones de jóvenes sicilianos a la esclavitud: la falta de trabajo, el problema de la migración, la explotación, la falta de seguridad en el trabajo, la integración y la pérdida de identidad. Temas que, tras más de medio siglo llenan todavía páginas de noticias y programas de televisión.

Un viaje por las entrañas de la tierra que el joven director nos lleva a revivir con la mirada hacia el pasado, cuando los italianos vendieron su país por un montón de carbón, que los convirtió en prisioneros negros, demonios en el infierno de las minas y la oscuridad.

Luca Vullo nació en Caltanissetta, en 1979. Su formación como cineasta comenzó en Bolonia, donde estudió cinematografía en el DAMS, asistió a varios talleres y laboratorios y trabajó en numerosas series.

Luego regresó a Sicilia, su tierra natal. Su primer viaje como director-narrador comienza con "UFUM veni si cunta", una historia socio-antropológico sobre una ciudad y el arte de valerse por sí mismos de su pueblo.

(En producción) La Voce del Corpo – Potenza e Magia della Gestualità Siciliana. 2008 , Dallo Zolfo al Carbone. 2007, Picciriddi. 2005, America Andata e Ritorno. 2005 , Caltanissetta Oro di Sicilia. 2005, La Settimana Santa a Caltanissetta. 2005, Un Caruso Senza Nome. 2003, Cume Veni Si Cunta.

Luca Vullo Dallo zolfo al carbone

Un’ora sola ti vorrei, de Alina Marazzi
Italia 2002, 55’ v.o.s.e.
Único pase
Ciclo Novísimos cineastas italianos

La película guía al espectador dentro del delicado y conmovedor territorio de la memoria a través de la lectura de diarios, cartas y de los historiales de las clínicas en las que Liseli Marazzi Hoepli pasó largos periodos, antes de suicidarse cuando su hija sólo tenía 7 años. A través de estos textos y de las imágenes de las películas rodadas por el abuelo ya desde 1926, Alina Marazzi descubre a su madre, reconstruye su rostro y la celebra a través del recuerdo. Una película sobre la nostalgia como sentimiento común, dulce, esencial y necesario para recuperarse de una pérdida.

“Mi madre nació en 1938 y murió en 1972, cuando yo tenía 7 años. Contar su historia a través de estas viejas grabaciones de mi abuelo para mí ha sido como devolver la dignidad al recuerdo de la persona que me trajo al mundo. Un regalo que quiero hacerme a mí, a ella, a todos los hijos y a todos los padres”.

(A.Marazzi)

Premios y festivales: Sheffield International Documentary Festival 2006: Panorama Buenos Aires International Festival Of Independent Cinema 2003: Focus On Italian Documentaries Festival International De Films De Femmes De Créteil 2003: A concurso: Documentary Feature-Length Films. Jerusalem International Film Festival 2003: Panorama. Lincoln Center - Open Roads 2003: Panorama. Newport International Film Festival 2003: Panorama. Festival Internazionale Del Film Locarno 2002: Concorso Video. Torino Film Festival 2002: Mejor Documental Italiano

Alina Marazzi. Nacida en Milán en 1964 y de nacionalidatd Suiza, Alina Marazzi ha trabajado como asistente de dirección para diversos largometrajes de ficción así como para proyectos de vídeoarte. Vogliamo anche le rose es su tercera película como directora y la primera como guionista.

Cinemateca UGT. Viernes 11 de junio, 20 h: Ballo a tre passi, de Salvatore Mereu

2010-06-09T17:13:00.005Z

Ballo a tre passi (Baile a tres pasos), de Salvatore Mereu

Italia, 2003. 107’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo Novísimos cineastas italianos

Dividido en cuatro episodios, Primavera, Verano, Otoño e Invierno, la película narra las historias de diferentes personajes de diferentes edades estrechamente vinculados con la cultura de Cerdeña. Cuatro historias en cuatro estaciones: Andrea, Peppeddu, Macangiu e Isten ven el mar por primera vez. Michele pierde la virginidad con una joven francesa que frecuenta su club de vela. Ziu Predu reencuentra a su hija después de largos años. Giorgio celebra el casamiento de una sobrina lejana...

El descubrimiento de un paisaje cinematográfico casi inédito, con rasgos de realismo y melodrama.

Es la ópera prima de Salvatore Mereu (Dorgali, 1965). En la Settimana della Critica de la Mostra de Venecia 2003 obtuvo el premio mayor. Selección oficial en los Festivales de Cine de Sundance y Rotterdam.

"Miradas afiladas, pequeñas epifanías. Muchos de los actores no son profesionales y están bien dirigidos, una búsqueda, a veces insistente del “realismo mágico” (conmovedor el último adiós de la aviadora, pletórico gran final). Un cierto intelectualismo enfría a los personajes y debilita la mirada de Mereu pero Ballo a tre passi es parte de un impulso en el florecimiento de los nuevos talentos de Cerdeña."(Fabio Ferzetti, Il Messaggero 3/09/03)

Salvatore Mereu. Graduado de DAMS de Bolonia y en Centro Experimental de Cinematografía de Roma (dirección). dirigió tres cortometrajes en los años 90, en 2004 ganó el David di Donatello al mejor director nuevo con su primer largometraje, Ballo a tre passi (2003). Su segundo largometraje, Sonetàula (2008) , basado en el libro de Giuseppe Fiori estuvo en la Berlinale en la sección "Panorama".

Notte rumena ( 1996 ), Miguel ( 1999 ), Il mare ( 2004 ), Ballo a tre passi ( 2003 ) , Sonetàula ( 2008 )

Ballo a tre passi

Cinemateca UGT. Jueves 10 de junio, 20 h: La ilusión viaja en tranvía, de Luis Buñuel

2010-06-09T06:13:00.002Z

La ilusión viaja en tranvía, de Luis Buñuel
México, 1953. 90’. v.e.
Único pase
Ciclo Luis Buñuel en Mexico

En colaboración con el Instituto de México en España

Al enterarse que el tranvía 133, en el cual han trabajado toda su vida, será retirado de servicio, Caireles y Tarrajas se emborrachan y deciden robarlo. Durante la noche dan servicio a un grupo ecléctico de pasajeros que incluye a un catrín, un par de beatas, un profesor con sus alumnos y unos matanceros del rastro. A la mañana siguiente, Caireles y Tarrajas tratan de devolver el tranvía pero se enfrentan a la obstinación de Papá Pinillos, un inspector jubilado que pretende delatarlos.

Sin lugar a dudas, la comedia fue uno de los géneros que Luis Buñuel cultivó con mayor placer a lo largo de su carrera. Poseedor de un agudo sentido del humor y de una gran capacidad para la ironía, Buñuel encontró en la comedia el género propicio para desplegar su muy particular visión del mundo, en la que el absurdo y la casualidad coexisten con la normalidad cotidiana.

En La ilusión viaja en tranvía lo inverosímil irrumpe constantemente en la vida de los personajes, sin que esto conduzca a la alteración definitiva de sus destinos. El trayecto que sigue el tranvía robado por Caireles y Tarrajas está lleno de incidentes divertidos e insólitos que Buñuel siempre consideró naturales en el contexto mexicano:

"Ustedes saben que en los vehículos públicos en México es posible, o lo era en aquella época, encontrar gente que lleva cajones de fruta, o guajolotes vivos, en fin: las cosas más increíbles, y por eso se me ocurrió que en el tranvía viajaran los obreros del Rastro con los cuartos de res, y las viejas beatas con la imagen de un santo."

A partir de una escueta línea argumental desarrollada por Mauricio de la Serna y José Revueltas, Buñuel desarrolló una película-viaje al estilo de Subida al cielo (1951). La similitud entre ambos filmes va más allá de su línea argumental. "Es cierto que en ambas películas aparece Lilia Prado haciendo el mismo gesto de subirse al transporte, con un pie en el estribo y la falda a medio muslo" dice Buñuel. "Reconozco que aquí se trata de algo muy mío, de mi juventud y de la de cualquiera de mi generación. Cuando las mujeres, con aquellas faldas largas, subían al tranvía, le echábamos la vista, para ver si enseñaban algo de pantorrilla. Claro, en las dos películas la falda es más corta, y por fuerza Lilia muestra algo de los muslos. Son gestos que se graban."

A diferencia de Subida al cielo (1951), La ilusión viaja en tranvía proyecta una sensualidad más sutil y sugerente. Los trozos de carne que suben los carniceros al tranvía recuerdan al sueño de Pedro en Los olvidados (1950), en el que su madre le ofrece un bistec sangrante que le es arrebatado por el Jaibo. En la pastorela, Lilia Prado interpreta a una seductora Eva expulsada del paraíso por pecadora. En el tranvía, un niño ve por la ventanilla a una mujer que se arregla las medias a la vista de todos.

Considera por mucho tiempo como una película menor en la filmografía de Luis Buñuel, La ilusión viaja en tranvía ha conservado su particular encanto con el paso de los años y ha logrado superar el "envejecimiento" al que se ven condenadas muchas películas. Realizada sin grandes pretensiones artísticas, esta cinta sigue siendo hoy tan disfrutable como cuando fue estrenada.

cinemexicano.com

La ilusión viaja en tranvía-Wikipedia La ilusión viaja en tranvía

Cinemateca UGT 10, 11, 12 de junio de 2010

2010-06-08T19:53:00.004Z

Jueves 10 de junio, 20 h
La ilusión viaja en tranvía, de Luis Buñuel
México, 1953. 90’. v.e. digital
Ciclo Luis Buñuel en Mexico

En colaboración con el Instituto de México en España

Juan Godínez “El Caireles” (Carlos Navarro) y Tobías Hernández “El Tarrajas” (Fernando Soto «Mantequilla») reparan con antelación el tranvía 133, pero su felicidad se derrumba cuando son enterados de que dicho tranvía, en el que se han pasado media vida trabajando, va a ser retirado del servicio e irá a dar al depósito de desecho, y con ello probablemente su empleo. “Medio jarras”, puesto que van a consolarse a una cantina, representan sólo el primer acto de una pastorela de barrio en verso en la que Caireles es Dios y Tarrajas el Diablo y Adán, y la hermana de éste, una honrada, coqueta y a la vez arisca Lupita (Lilia Prado), es Eva. Los dos amigos regresan al depósito de tranvías por cervezas a sabiendas de que el velador está en la pastorela, pero en su ebriedad tienen la ocurrencia de sacar su amado tranvía de la estación para que “le dé el fresco” y darle “una vueltecita” a la gente que dejaron plantada esperando la continuación de la obra teatral y salen con el cuento de que están ofreciendo “Servicio piloto”.

Viernes 11 de junio 20 h
Ballo a tre passi (Baile a tres pasos), de Salvatore Mereu
Italia, 2003. 107’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo Novísimos cineastas italianos

Patrocinio: Ambasciata d’Italia a Madrid Organización: Centro di Studi sul Cinema Italiano (CSCI),Cinemateca UGT-Sevilla,
Colaboración: Cinecittà Luce, Istituto Italiano di Cultura di Barcellona, Istituto Italiano di Cultura di Madrid
Agradecimientos: Adriana Chiesa Enterprises, Buskin, Classic srl, Fandango, Intramovies, Mir Cinematografica, Ondemotive, Pablo Film, Rai Trade

Sin excesos melodramáticos, cuatro historias, tan sencillas como conmovedoras, son unidas por las cuatro estaciones del año y Cerdeña: en la primavera, cuatro niños ven por vez primera el mar; Michele, un solitario pastor montañés, descubrirá el amor en el verano; el otoño y la boda de un familiar cercano harán reflexionar a la joven monja Francesca sobre sus decisiones en la vida; finalmente, el invierno llega para cambiar la vida del anciano Giorgio y una prostituta con quien comparte su pasión por la ópera.

Sábado 12 de junio, 20 h
Dallo zolfo al carbone, de Luca Vullo
Italia, 2008. 53’. v.o.s.e. Digital
Único pase

Un’ora sola ti vorrei, de Alina Marazzi
Italia 2002, 55’ v.o.s.e. Digital
Único pase

“Mi madre nació en 1938 y murió en 1972, cuando yo tenía 7 años. Contar su historia a través de estas viejas grabaciones de mi abuelo para mí ha sido como devolver la dignidad al recuerdo de la persona que me trajo al mundo. Un regalo que quiero hacerme a mí, a ella, a todos los hijos y a todos los padres” (Alina Marazzi).

Ciclo Novísimos cineastas italianos
Patrocinio: Ambasciata d’Italia a
Madrid Organización: Centro di Studi sul Cinema Italiano (CSCI),Cinemateca UGT-Sevilla,
Colaboración: Cinecittà Luce, Istituto Italiano di Cultura di Barcellona, Istituto Italiano di Cultura di Madrid
Agradecimientos: Adriana Chiesa Enterprises, Buskin, Classic srl, Fandango, Intramovies, Mir Cinematografica, Ondemotive, Pablo Film, Rai Trade

Domingo 13 de junio, 19 h
Sesión suspendida

Cinemateca UGT. 10, 11, 12 y 13 de junio de 2010

2010-06-06T22:54:00.001Z

Cinemateca UGT. Domingo 6 de junio, 19 h: Saimir, de Francesco Munzi

2010-06-05T15:50:00.004Z

Saimir, de Francesco Munzi
Italia, 2004. 88’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo: Novísimos cineastas italianos (V)

Saimir , de Francesco Munzi, revisa la dificultad que encuentran los oriundos de Europa del Este para intentar una nueva vida en Italia.

La relación entre un padre y su hijo constituye la superficie de Saimir, pero el tema principal es la dificultad que encuentran los nativos de Europa del Este para construir una vida en Italia. Este absorbente estudio sobre un adolescente que lucha por encontrar el camino adecuado logra encontrar autenticidad detrás de los arquetipos. Mishel Manoku, en el papel de Saimir, posee la dosis correcta de ansiedad e inquietud.

Extracto de la crítica publicada en Variety.

Francesco Munzi nace en Roma en 1969. Graduado en dirección en el Centro Sperimentale di Cinematografia y licenciado en Ciencias Políticas, ya desde su debut demuestra un marcado interés hacia las realidades extranacionales y sus interacciones con la cultura italiana. Tras debutar con documentales en los años ’90 realiza distintos cortometrajes que reciben numerosos reconocimientos de parte de la crítica como Nastassia (1996) y Giacomo e Luo Ma (1999), ambos centrados en la relación entre italianos y extranjeros. En 2005 llega al gran público con la película Saimir (2004), su primer largometraje premiado en el Festival de Venecia y en el que las vicisitudes dramáticas de un chico albanés llegado a Italia como inmigrante sirven de fondo para tratar no sólo las actuales problemáticas relacionadas con la inmigración, sino también aquellas que tienen que ver con las relaciones entre padres e hijos y con la consiguiente emancipación de la ideología paterna.

Saimir

Cinemateca UGT. Sábado 5 de junio, 20 h: Monsieur Klein, de Joseph Losey

2010-06-03T16:59:00.003Z

Monsieur Klein, de Joseph Losey
Francia, 1976. 123’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo: Guerra y Paz (III)

En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

En 1976 Joseph Losey dirige Mr. Klein, producida por Alain Delon, que también la interpreta, obteniendo varios premios César, uno de ellos el de mejor película.

Tratando el tema de la suplantación de identidad, nos introduce en una historia oscura ambientada en la Francia de 1942, en una época en la que muchos judíos vendían sus obras de valor a bajo coste acuciados por la necesidad y ante el temor de ser deportados a los campos de concentración nazis.

Mr. Klein, Alain Delon, comercia con muchos judíos pagándoles poco dinero por sus cuadros u otros objetos y enriqueciéndose a su costa.

Y así comienza la película, con un Alain Delon guapo, elegante, frío, con una bata de estar por casa que denota su riqueza, con la amante en la cama esperándole, mientras él se niega a pagar 600 luises por un cuadro de un gentil hombre holandés que un judío le vende. Mr. Klein sólo le ofrece 300 ante la desesperación de ese hombre que lo heredó de sus abuelos. Al final la venta se hace por ese precio y el mismo Klein deja escribir el recibo al comprador. Cuando el judío se va de su casa, Klein encuentra en su puerta un periódico que no ha pedido y cree que es de su comprador, cosa que éste le niega enseñándole otro diario igual que lleva en la mano.

Es importante describir esta escena porque resulta ser la clave de la película. ¿Cómo ha llegado hasta Robert Klein ese periódico judío que él no ha solicitado? Nos encontramos ante la primera incógnita y ante la primera confusión de esta historia complicada y que se complica mucho más posteriormente

Mr. Klein descubre que otro Klein con otra dirección ha solicitado el periódico. Empezamos con la doble identidad

Alain Delon se pasa la película buscando a su otro yo (que es también buscado por la policía gala por sus actividades). Al principio la búsqueda es coherente, pausada, al final obsesiva, rayando en la locura.

Las tareas detectivescas de Robert Klein le llevarán a alquilar el piso que el otro Klein ha dejado, a buscar a una mujer que sale en una fotografía junto al impostor, a visitar un castillo dónde se encontrará con Jeanne Moreau, que también conoce a Klein, a recibir llamadas telefónicas, bueno, a confundirse con su alter ego, a creerse casi que él es el otro señor Klein

El abogado de Delon le consigue un pasaporte falso con otro nombre para darle una solución, una vía de salvación, pero para ese entonces Klein ya se confunde con el otro y se arrastra hasta el punto de terminar en el mismo tren de judíos deportados para encontrarse con su otro yo. Es entonces cuando vuelve a oír el regateo inicial de la película.

Mr. Klein se sacrifica hasta la muerte con tal de descubrir a su oponente. Quizá no hacía falta este desenlace para pagar sus ?culpas?, su éxito económico a costa de los judíos, pero es como una condena que él mismo se impone sin ser totalmente consciente

Homenaje al pueblo judío y a la persecución de la que fue objeto, con El otro señor Klein Joseph Losey logra hacer una película desconcertante en su desarrollo y dramática en su final, con un acertado tratamiento sicológico del personaje principal, a lo que ayuda la gran interpretación de Alain Delon, siempre soberbio como Mr. Klein.

El otro señor Klein, suplantación de identidad. Carmeloblog

Joseph Losey-Wikipedia Moniseur Klein-Filmoteca de Andalucía Monsieur Klein-FilmsdeFrance Monsieur Klien-FilmNotes

QUE LA CINEMATECA ESTRENE ...

2010-06-03T09:08:00.003Z

Se ha vuelto a poner en circulación el fascinante documental sobre Chet Baker que realizó Bruce Weber hace veinte años y que montaba en 1987 cuando falleció. Al mismo tiempo reflexión sobre el culto a la imagen en Hollywood y retrato de una figura extraña y ambigua, logra atrapar la personalidad magnética de su principal protagonista.

No se trata de una hagiografía, no se trata de hacer de él un icono, aunque sea un homenaje, ya que, si al comienzo describa aspectos positivos del músico, rápidamente multiplica los puntos de vista. Sus amigos destacan su faceta inconstante, extraño a toda empatía; todos lo adoran y lo odian e insisten en su carácter manipulador.

Encuentro excepcional entre el fotógrafo de moda, rey del blanco y negro altamente contrastado, esteta, y Chet Baker, uno de los grandes trompetistas de jazz, que en la década de los veinte podría haber sido modelo de sus típicas imágenes para Calvin Klein, a lo James Dean.

La vida de Baker, como su música, fue tan triste como hermosa y la película de Weber, obsesionado con sus canciones tanto como con su imagen, con la representación plástica de su rostro devastado, la captura de forma extraordinaria. Aleatoriamente se mezclan portadas de sus discos, imágenes de conciertos, extractos de películas, entrevistas para la televisión, que podrían haber dado lugar a un film vulgar, pero esto tiene como hilo conductor lo filmado por Weber en presente, seis meses antes de la muerte de Baker. Y esto hace que la película levante el vuelo, mostrando como la muerte hace su trabajo. Drogas, mujeres cada vez más jóvenes que lo consideran como un dios griego, empresarios poco delicados, coches cada vez más lujosos en una atmósfera de dolce vita desbravada. La cámara participa de esta borrachera mostrando un mundo de apariencias en el que chirría el envejecimiento prematuro y terrible de Baker.

Cinemateca UGT. Viernes 4 de junio, 20 h: Pater Familias, de Francesco Patierno

2010-06-02T11:52:00.003Z

Pater Familias, de Francesco Patierno
Italia. 2002. 90’. v.o.s.e. 35 mm
Ciclo Novísimos cineastas italianos

Patrocinio: Ambasciata d’Italia a Madrid Organización: Centro di Studi sul Cinema Italiano (CSCI),Cinemateca UGT-Sevilla.Colaboración: Cinecittà Luce, Istituto Italiano di Cultura di Barcellona, Istituto Italiano di Cultura di Madrid Agradecimientos: Adriana Chiesa Enterprises, Buskin, Classic srl, Fandango, Intramovies, Mir Cinematografica, Ondemotive, Pablo Film, Rai Trade

Inspirada en hechos reales la cinta cuenta con un estilo neorrealista, la historia de un grupo de jóvenes desadaptados, cuyas vidas confluyen en una red de tramas sobre las que el director imprime un fuerte sentimiento de humanidad, esperanza y un conmovedor afán en la búsqueda del amor. Dirigida por Francesco Patierno, la película obtuvo el premio a Mejor Actor en el Festival Internacional de Cine de Montreal (2003).

Francesco Patierno (Napoles, 1964) realizador y guionista . Estudia Arquitectura. Ha realizado para la RAI documentales, videoclips y spot publicitario. Su primer corto es Quel giorno viene. Pater Familias (2002), es su primer largo. En 2007 dirige Il mattino ha l'oro in bocca.

1994 Fellini dalla A alla Z/ 1996 Quel giorno / 2002 Pater Familias / 2007 Il mattino ha l'oro in bocca / 2008 Donne assassine

Pater familias

Cinemateca UGT 4, 5 y 6 de junio de 2010

2010-06-01T12:29:00.005Z

Viernes 4 de junio, 20 h
Pater Familias, de Francesco Patierno
Italia. 2002. 90’. v.o.s.e. 35 mm
Ciclo Novísimos cineastas italianos

Matteo vuelve a su pueblo natal, cerca de Nápoles, tras diez años de ausencia. Es la fiesta patronal. Mientras recorre las calles, recuerda su pasado lleno de violencia y desengaños. Paso a paso, lentamente, descubrimos las razones que le han llevado allí.

Sábado 5 de junio, 20 h
Monsieur Klein, de Joseph Losey
Francia, 1976. 123’. v.o.s.e. 35 mm
Ciclo: Guerra y Paz (III)

En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

En 1942 en París, durante la ocupación alemana, Robert Klein hace negocios comprando objetos de arte a judíos en dificultades y a precios inferiores a su valor real. Cuando está acompañando a uno de ellos, a quien acaba de comprar un cuadro, hasta la puerta de su casa, descubre un ejemplar del periódico “Informaciones judías”. El estafador se da cuenta de que existe otro Robert Klein, abonado al periódico, judío y registrado como tal a la prefectura de policía…

Domingo 6 de junio, 19 h
Saimir, de Francesco Munzi
Italia, 2004. 88’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo: Novísimos cineastas italianos (V)

Patrocinio: Ambasciata d’Italia a Madrid Organización: Centro di Studi sul Cinema Italiano (CSCI),Cinemateca UGT-Sevilla, Colaboración: Cinecittà Luce, Istituto Italiano di Cultura di Barcellona, Istituto Italiano di Cultura di Madrid Agradecimientos: Adriana Chiesa Enterprises, Buskin, Classic srl, Fandango, Intramovies, Mir Cinematografica, Ondemotive, Pablo Film, Rai Trade

Padre e hijo proceden del Este del Europa. El padre explota ilegalmente a sus compatriotas y vecinos. De la rebelión del hijo arranca el camino hacia una regeneración posible.

Cinemateca UGT. Domingo 30 de mayo, 19 h: La Gran ilusión, de Jean Renoir

2010-05-28T21:06:00.002Z

La gran ilusión (La grande illusion), de Jean Renoir
Francia, 1937. 95’. v.o.s.e.
Único pase
Ciclo Guerra y Paz
En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

Un título mítico antibelicista y humanista dirigido por uno de los nombres fundamentales de la historia del séptimo arte, Jean Renoir.

Esta soberbia descripción de la interactuación entre un diverso grupo de oficiales de distinta nacionalidad sirve también a Renoir para poner de manifiesto el mundo decadente de la aristocracia europea y su recelo por las corrientes dominantes en la política y sociedad contemporánea.

La refinada y caballerosa amistad entre los personajes aristocráticos de distinto bando (no existe el torpe maniqueísmo) y la creciente relación amistosa entre prisioneros y captores son los principales focos de esta película, narrada de forma magistral por el director y guionista galo, con una sobresaliente capacidad en el trabajo de cámara, su habitual gusto por los planos largos y una excepcional utilización de la profundidad de campo.

El realismo poético emanado en todo el film, culmina con un plano final verdaderamente indeleble.

El criticon

La gran ilusión-Lecturaserrantes Relectura de La gran ilusión La gran ilusión

Cinemateca UGT. Sábado 29 de mayo, 20 h: El cabo atrapado, de Jean Renoir

2010-05-28T10:19:00.004Z

El cabo atrapado (Le Caporal Epinglé),de Jean Renoir.
Francia, 1961. 105’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo Guerra y Paz
En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

Película francesa dirigida por Jean Renoir. Un joven cabo parisino, es capturado cuando los alemanes invaden Francia al principio de la segunda guerra mundial. Recluido en un campo de concentración, se obsesiona con escaparse, incluso seduciendo a un ayudante alemán femenino.
según "Jean Renoir" su película más triste.

Conmovido por la novela de Jacques Perret, el realizador volvió a un territorio similar al de La gran ilusión: los campos de prisioneros de guerra y las relaciones humanas profundas, más allá de las diferencias políticas y sociales. El cabo de infantería que interpreta Jean-Pierre Cassel no se resigna a la reclusión y pone en práctica sucesivos intentos de fuga, cuyos fracasos lo ubican en situaciones cada vez más riesgosas ante sus captores. Nuevamente Renoir prefiere suprimir la tentación del drama y enfatizar la belleza de los impulsos vitales más importantes: la pasión por la libertad, la amistad, el humor, el amor...

mispeliculasdela2aguerramundial.blogspot

El cabo atrapado El cabo atrapado-El Pais

Cinemateca UGT. Viernes 28 de mayo, 20 h:L’uomo in più (Un hombre más), de Paolo Sorrentino

2010-05-27T05:36:00.001Z

L’uomo in più (Un hombre más), de Paolo Sorrentino

Italia, 2001. 100’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo: Novísimos cineastas italianos

El sorprendente debut de Paolo Sorrentino (Las consecuencias del amor, Il Divo)abre el ciclo. Se trata de una interesante reflexión sobre las relaciones personales y la historia del fracaso de dos personas un futbolista y un cantante que comparten el mismo nombre. La película consiguió en el año 2001 cinco davides de Donatello. Un gran duelo interpretativo de los dos protagonistas Toni Servillo y Andrea Renzi. Interesante la interpretación de Toni Servillo y la fotografía de Pasquale Mari que recrea perfectamente el ambiente de la ciudad de Nápoles en la década de los ochenta.

Paolo Sorrentino. Nacido en Nápoles, Italia, en 1970. En 1994 escribió y dirigió su primer corto titulado Un Paradiso, finalista en el Festival de Cine de Palermo de 1995. Dos años más tarde escribió junto a Antonio Capuano, el film Polvere di Napoli, dirigido por el propio Capuano junto con Silvio Orlando. En 1997 ganó el premio Solinas por un guión titulado Napoletani y en 1998 escribió, junto a Humberto Contarello, una película titulada La Voce dell´Amore. Ese mismo año escribió y dirigió un corto titulado L´amore non ha Confini, producida por Indigo Film. Este corto compitió en el Festival de Cine de Turín entre otros y ganó premios como el del Mejor Corto en el Quinto Festival Corto Circuito. Escribió varios episodios de La Squadra para la Televisión Italiana, hasta que se adentro en el mundo del largometraje. Su filmografía incluye L'uomo in più (2001), La notte lunga (2001), Le conseguenze del amore (2004), L'amico di famiglia (2006) y Il divo (2008).

L’uomo in più L’uomo in più

Cinemateca UGT. Jueves 27 de mayo, 20 h: Subida al cielo, de Luis Buñuel

2010-05-26T05:26:00.000Z

Subida al cielo, de Luis Buñuel
México, 1951. 74’. v.e. Digital
Único pase
Ciclo Luis Buñuel en México
En colaboración con el Instituto de México en España

Desparpajada, fresca y sumamente divertida, Subida al cielo es una de las películas más libres y vitales de la filmografía de Luis Buñuel. Estas cualidades se desprenden, paradójicamente, de una cadena de accidentes que hicieron del rodaje de esta cinta uno de los proyectos más descontrolados de la carrera de Buñuel.

Manuel Altolaguirre, poeta español exiliado en México y amigo de Buñuel desde sus años en la Residencia de Estudiantes de Madrid, había viajado por la costa de Guerrero junto con su esposa María Luisa, una excéntrica dama de la alta sociedad cubana. El viaje había estado lleno de incidentes pintorescos y surrealistas "que harían una excelente comedia." Altolaguirre estaba dispuesto a producir la película -con dinero de su esposa- si Buñuel la dirigía.

Animado por el entusiasmo de su amigo, aunque reticente por la personalidad de María Luisa, Buñuel aceptó el proyecto sin imaginarse lo que vendría después. Como Altolaguirre únicamente aportó la idea original, Buñuel trabajó el guión a sus anchas, con la colaboración del escritor Juan de la Cabada y de Lilia Solano, "una chica guerrerense inteligente y simpática, que dio sabor popular a los diálogos."

Otra Lilia inteligente y simpática, oriunda de Michoacán, se incorporaría al reparto de Subida al cielo sin imaginarse que llegaría a convertirse, junto con Silvia Pinal, en la actriz que Buñuel dirigiría más veces en su carrera. "Él no me conocía, le enseñaron una foto mía, muy chistosa, con trenzas [...] y sin pensarlo mucho exclamó: «Quiero a ésta [Lilia Prado] para Subida al cielo." Buñuel se encargaría de eternizar a Lilia Prado en el imaginario colectivo de los mexicanos, gracias a dos imágenes muy semejantes que la muestran subiendo a un transporte público -un autobús y un tranvía- enseñando descaradamente los muslos y exudando una carga sensual que, a medio siglo de distancia, sigue traspasando las pantallas que exhiben Subida al cielo y La ilusión viaja en tranvía (1953).

Filmando por primera vez en locaciones fuera del Distrito Federal, Buñuel tuvo que enfrentarse a un súbito recorte presupuestal y a una serie de absurdas limitaciones que lo obligaron a no filmar el final que tenía previsto y a recortar un buen número de escenas, entre ellas la del entierro de la niña. "Teníamos una locación de tres días con sus noches en un cementerio y en el último instante se me anunció que, por razones sindicales, el rodaje se reducía a dos horas."

Una maqueta bastante lamentable construida al vapor, un actor -Esteban Márquez- que lo engañó afirmando que tenía experiencia, un productor excéntrico que se quedó sin el dinero de su mujer y una gran dosis de improvisación contribuyeron a que el rodaje de Subida al cielo fuese uno de los más ricos en anécdotas de toda la carrera de Buñuel. Al final, el azar intervino favorablemente: Subida al cielo obtuvo un premio especial de la crítica internacional del Festival de Cannes de 1952 y se convirtió en una de las cintas favoritas de los admiradores del cine de Luis Buñuel.

Cinemexicano.com

Subida al cielo-Wikipedia Subida al cielo- El miron

Comienza el ciclo Guerra y Paz

2010-05-25T18:11:00.002Z

La Cinemateca UGT en colaboración con el Servicio Cultural de la Embajada de Francia en España, presenta el ciclo: Guerra y Paz, donde se abordará, a través de diferentes épocas, una visión diferente de los conflictos internacionales, denunciando con humor, la absurda y trágica realidad de la guerra.

El ciclo ofrecerá durante los meses de mayo y junio un ciclo compuesto por cuatro de las mejores películas francesas de todos los tiempos en torno a los conflictos bélicos. Entre ellas destacan además títulos no estrenados comercialmente de los cineastas Jean Renoir y Bruno Dumont.

La iniciativa reúne dos filmes dirigidos por uno de los más grandes cineastas de la historia, Jean Renoir. El clásico 'La gran ilusión' (1937), en la que tenía lugar un duelo interpretativo único entre Jean Gabin y Erich von Stroheim, o disfrutar con la última película que Renoir dirigió, 'Le Caporal épinglé' (1961), basada en una novela de Jacques Perret, y que no tuvo estreno comercial en España.

Junto a estas dos joyas del séptimo arte,podremos disfrutar con 'El otro Señor Klein' (1976), drama kafkiano que transcurre durante el régimen de Vichy y que fue dirigido por Joseph Losey. La película, que contó con la colaboración en el guión de Costa-Gavras, ofreció a Alain Delon la posibilidad de brindar una de las interpretaciones más brillantes de su carrera.

El ciclo también realiza una aproximación al cine reciente francés con Flandres' (2006) de Bruno Dumont, un film radical tanto en sus planteamientos como en su puesta en escena, obra de Bruno Dumont, autor de una de las filmografías más sugerentes del cine europeo. Esta película no conoció estreno comercial en España pese a haber obtenido el Gran Premio del Jurado en el festival de Cannes de 2006.

Cinemateca UGT. 27, 28, 29 y 30 de mayo de 2010

2010-05-24T12:12:00.007Z

Jueves 27 de mayo, 20 h Subida al cielo, de Luis Buñuel
México, 1951. 74’. v.e. Digital
Único pase
Ciclo Luis Buñuel en México
En colaboración con el Instituto de México en España

En un poblado costeño, el joven Oliverio debe interrumpir su viaje de bodas porque su madre, doña Ester, está moribunda. La madre pide a Oliverio que vaya a Petatlán a buscar al licenciado Figueroa, para que redacte su testamento. Oliverio emprende el viaje en un destartalado autobús, conducido por el chofer Silvestre. En el trayecto, el joven tendrá que sortear toda suerte de imprevistos y el asedio de Raquel, una sensual y coqueta mujer empeñada en hacer el amor con Oliverio.

Viernes 28 de mayo, 20 h
L’uomo in più (Un hombre más), de Paolo Sorentino
Italia, 2001. 100’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo: Novísimos cineastas italianos

Con el patrocinio: Ambasciata d’Italia a Madrid Organización: Centro di Studi sul Cinema Italiano (CSCI),Cinemateca UGT-Sevilla. Colaboración: Cinecittà Luce, Istituto Italiano di Cultura di Barcellona, Istituto Italiano di Cultura di Madrid. Agradecimientos: Adriana Chiesa Enterprises, Buskin, Classic srl, Fandango, Intramovies, Mir Cinematografica, Ondemotive, Pablo Film, Rai Trade

Tony Pisapia es un cantante que disfruta del éxito en el Nápoles de los años 80. Aparentemente se le ve como a un hombre seguro de sí mismo, pero en verdad la muerte de su hermano carga sobre su conciencia y sólo encuentra un fugaz y vacuo alivio en la cocaína. Pero los pecados del pasado no se pueden enterrar bajo el polvo blanco. Antonio Pisapia es un ex futbolista que gana un dinero extra haciendo apuestas ilegales en los partidos del calcio. Su vida sin embargo se aboca al fracaso pues no consigue dar al talla como director técnico de su antiguo club y su matrimonio tampoco anda bien.

Estos dos personajes, ignorantes de la existencia del otro, verán sus destinos cruzarse cuando un popular programa de televisión de por ganador de un viaje a China a Antonio Pisapia.

Sábado 29 de mayo, 20 h
El cabo atrapado (Le Caporal Epinglé), Jean Renoir.
Francia, 1961. 105’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo Guerra y Paz
En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

En junio de 1940, en un campo de prisioneros en el noreste de Francia, tres soldados están unidos por el deseo de escapar y volver a sus vidas ordinarias. Son un cabo de clase media, un intelectual miope llamado Ballochet y un hombre de la clase trabajadora cuyo apodo es Pater. Después de que su primer intento de huída fracase debido a que Ballochet pierde sus gafas, el cabo y Pater lo vuelven a intentar otra vez; y otra vez más…

Domingo 30 de mayo, 19 h
La gran ilusión (La grande illusion), de Jean Renoir
Francia, 1937. 95’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo Guerra y Paz
En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

Una de las grandes obras maestras del cine mundial, una obra monumental sobre la camaradería y las relaciones humanas que retrata el día a día de unos prisioneros franceses en un campo de concentración alemán durante la Primera Guerra Mundial. Al campo llegan dos oficiales de la aviación francesa, y sus nuevos compañeros de celda les informan de que están cavando un túnel bajo tierra para poder escapar de allí.

Cinemateca UGT. Domingo 23 de mayo, 19 h: Tornando a Casa, de Vicenzo Marra

2010-05-22T06:18:00.004Z

Tornando a casa (Volviendo a casa), de Vincenzo Marra
Italia, 2001. 88’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo: Novísimos cineastas italianos

Patrocinio: Ambasciata d’Italia a Madrid Organización: Centro di Studi sul Cinema Italiano (CSCI),Cinemateca UGT-Sevilla. Colaboración: Cinecittà Luce, Istituto Italiano di Cultura di Barcellona, Istituto Italiano di Cultura di Madrid Agradecimientos: Adriana Chiesa Enterprises, Buskin, Classic srl, Fandango, Intramovies, Mir Cinematografica, Ondemotive, Pablo Film, Rai Trade

Tornando a casa es un relato de pescadores, sus riesgos y su desarraigo. Pero a la vez trata sobre la condición de extranjero como un estado al que se accede en algún punto del trayecto del sufrimiento. La ópera prima de Marra se va armando de a poco, con una nobleza de recursos que impresiona de manera perdurable. Por extraño que parezca decirlo, esta forma de filmar el mar sea tal vez no sólo pudorosa sino justa.

Texto de Javier Porta Fouz

Vincenzo Marra (Nápoles, 1972). Estudió en la facultad de derecho de la Universidad La Sapienza de Roma, y entre sus intereses destacan las actividades relacionadas con Argentina y, más concretamente, con el caso de los italianos desaparecidos en ese país. Además, siempre se ha sentido identificado con el conflicto de Irlanda del Norte. De joven trabajó como fotógrafo deportivo. Su filmografía se completa con los cortos Una Rosa Prego (1998) y La Vestizione (1998), el largo Tornando a Casa (2001), y los documentales Estranei alla Massa (2002) y Paesaggio a Sud (2003). Vento di terra (2004), L'udienza è aperta (2006) L'ora di punta (2007)

Tornando a casa Vicenzo Marra-Entrevista

Cinemateca UGT. Sábado 22 de mayo, 20 h: Las playas de Agnes, de Agnes Varda

2010-05-21T09:29:00.003Z

Las playas de Agnes (Les Plages d’Agnes), de Agnes Varda
Francia, 2008. 110’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
La Cinemateca estrena

En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España

Frente a la pregunta por el límite entre la autobiografía y el autorretrato, Agnès Varda responde dinamitándolos, optando en Les Plages d'Agnès por un flujo asociativo y joyceano, capaz de partir de las playas de la infancia, hoy, para ir remontando momentos privilegiados o recordados durante el rodaje, yendo hacia atrás y hacia adelante, del puerto de Sète donde filmó La Pointe courte a una extraordinaria evocación de su compañero Jacques Demy, pasando por la Revolución Cubana, su lugar en la Nouvelle Vague, la ayuda de Jean-Luc Godard o su período en Estados Unidos, que incluye al mismo Jim Morrison. Su gozosa libertad de escritura, su pavor a la solemnidad conjurada con un humor autocrítico y leve y el modo en que el curso del film va encontrando su derrotero (mientras produce el impactante efecto de que la directora estuvo en casi todos los grandes acontecimientos culturales y políticos en el momento justo y con la cámara y el amor en la mano), hacen de Les Plages d'Agnès un objeto único y placentero. Pensar que es su testamento cinematográfico es creer que tiene la edad que figura en su documento, olvidando que Varda es un curioso caso clínico: la primera adolescente que lo vivió todo.

Agnès Varda nace en 1928 en Bruselas. En París estudia pintura y entra en contacto con la gente del Théâtre National Populaire iniciando su trabajo como fotógrafa del grupo. En 1954 dirige su primer film, “La pointe courte”, cuando la “nouvelle vague” aún no había aparecido. Después del rodaje de “Salut les cubains” abandona definitivamente la fotografía para dedicarse del todo al cine y funda Ciné-Tamarís, su propia productora.

Las playas de Agnes Las playas de Agnes-El Amante Agnes Varda-Wikipedia Les plages d'Agnès- Le Monde

Cinemateca UGT. Viernes 21 de mayo, 20 h: Velocità massima (Velocidad máxima), de Daniele Vicari

2010-05-20T14:38:00.003Z

Velocità massima (Velocidad máxima), de Daniele Vicari
Italia, 2002. v.o.s.e. 111’. 35 mm
Único pase
Ciclo: Novísimos cineastas italianos

Patrocinio: Ambasciata d’Italia a Madrid Organización: Centro di Studi sul Cinema Italiano (CSCI),Cinemateca UGT-Sevilla. Colaboración: Cinecittà Luce, Istituto Italiano di Cultura di Barcellona, Istituto Italiano di Cultura di Madrid Agradecimientos: Adriana Chiesa Enterprises, Buskin, Classic srl, Fandango, Intramovies, Mir Cinematografica, Ondemotive, Pablo Film, Rai Trade

Claudio, de dieciocho años, aspirante a mecánico, comienza a trabajar en el taller de Stefano, de treinta y cinco años. Claudio restaura un viejo Ford, se enamora de una chica y comienza a confiar en Stefan, pero pronto se verá inmerso en una crisis.

Daniele Vicari es uno de los pocos narradores audiovisuales italianos que ofrecen un apoyo a aquellas microhistorias nunca contadas deslizando, en cuanto se presenta la ocasión, en la visión artística de un miedo que hay que superar o de un desafío que hay que seguir. Para él el cine es una cuestión social, un instrumento que, al mismo nivel que otras artes, puede desentrañar la sensibilidad que se encuentra en las relaciones entre las personas. El simple acto de relacionarse. Ése es su estilo y de ahí salen sus proyectos, aunque siempre tienen origen en algo que le es familiar, desde los automóviles hasta la vida de los pastores macedonios en Italia.

Licenciado en Historia y Crítica cinematográfica en la Universidad La Sapienza de Roma, se estrena detrás de las cámaras dirigiendo el corto Il nuovo, rodado en 16 mm, al que sigue Mari del Sud, ambos centrados en temas medioambientales y sociales. En 1997, junto con Guido Chiesa, Davide Ferrario, Antonio Leotti y Marco Simon Puccioni firma el documental Partigiani, que trata de la lucha contra el nazismo y el fascismo en la pequeña ciudad de Correggio. A partir de 1998 seguirá trabajando en el género documentalista dirigiendo Comunisti, Uomini e lupi, Bajram e Sesso, marmitte e videogames, con los cuales pasa de los asesinatos de sacerdotes en el '47 por parte de partisanos hasta la vida de los pastores en el Gran Sasso, para terminar con las pasiones automovilísticas de los italianos. Al año siguiente, tras participar en Non mi basta mai, la historia de cinco obreros despedidos por FIAT en 1980, dirige Morto che parla, centrado en la figura de Mario Cipriani, protagonista en 1963 de La ricotta y actor en Accattone, que había establecido un fuerte lazo de amistad con Pier Paolo Pasolini.

Debuta en el largometraje con Velocità massima (2002), película en la que dirige a Valerio Mastandrea en la historia de un chico de dieciocho años que entra en mundo de las carreras clandestinas de coches. Vicari ganará el Premio Pasinetti a la mejor película y el David di Donatello al mejor director novel.

El equilibrio casi cariñoso que Vicari mantiene entre el cine de hoy y de ayer permanece intacto en su filmografía y en su profesionalidad. Daniele es un tipo duro, un poco como los personajes de sus películas. Limpio y pragmático en algunos momentos y experimental y futurible en otros, él es, a pesar de todo, uno de los pocos autores italianos capaces de asumir el riesgo de una búsqueda expresiva que sigue las contaminaciones que devuelven una nueva linfa a aquel procedimiento artístico visceral e intuitivo llamado cine.

Velocità massima

Novísimos cineastas italianos

2010-05-20T08:50:00.002Z

En la Cinemateca UGT comienza un nuevo ciclo de óperas primas italianas inéditas en las pantallas españolas. Compuesto por diez títulos, ocho de ficción y dos documentales, esta selección pretende dar a conocer la obra de un grupo de nuevos cineastas surgidos en Italia en los últimos diez años. Daniele Gaglianone (I nostri anni), Salvatore Mereu (Ballo a tres passi), son algunos de los nombres de esta generación de jóvenes directores que están aportando aire fresco a la cinematografía del país.

Sin embargo, ninguna de las películas han llegado a estrenarse en pantallas españolas. Como señala Daniela Aronica, comisaria del ciclo, “la falta de una industria sólida, que sepa llevar el producto a competir en el mercado con una adecuada promoción, es sin duda una de las causas fundamentales de la escasa visibilidad del cine italiano”. Gomorra, de Matteo Garrone, e Il Divo, de Sorrentino, han sido la excepción en los últimos meses. Dos películas que han conseguido distribuirse comercialmente fuera de Italia y que han cosechado grandes éxitos. Dos películas dirigidas, precisamente, por sendos directores de esta nueva generación.

Entre los filmes del ciclo, todos ellos realizados desde el año 2000, el espectador encontrará las óperas primas de algunos nombres ya consagrados del cine italiano contemporáneo, como es el caso del propio Sorrentino (L’uomo in più), del napolitano Vincenzo Marra (Tornando a casa) o de Daniele Vicari (Velocità Massima), cuyas películas han sido premiadas en numerosos festivales. Pero además de largometrajes de ficción, se ha querido ceder un espacio al documental porque, en palabras de Aronica, “es un tipo de producción que tiene dificultades aún mayores a la hora de exhibirse, aunque es justamente en el llamado cine de lo real donde se aprecian algunas de las más destacadas novedades en el terreno de la construcción de la mirada cinematográfica contemporánea, que mucho cine mainstream ya es totalmente incapaz de inventar”. Buena muestra de ello es el retrato íntimo que despliega Un’ora sola ti vorrei.

El ciclo comienza esta semana con Velocità massima (Velocidad máxima), de Daniele Vicari. Italia, 2002. v.o.s.e. (Viernes 21 de mayo, 20 h) y Tornando a casa (Volviendo a casa), de Vincenzo Marra (Domingo 23 de mayo, 19 h)

Cinemateca UGT. Jueves 20 de mayo, 20.30 h: Stanno tutti bene (están todos bien), de Giuseppe Tornatore

2010-05-19T12:45:00.004Z

Stanno tutti bene (Están todos bien), de Giuseppe Tornatore
Italia, 1990. 126’. v.o.s.e. Digital
Único pase
Ciclo: Un paese, una storia
En colaboración con el Centro Cultural Italiano (CCI) y el Aula de Filología Italiana de la Universidad Pablo Olavide

Están todos bien de Giuseppe Tornatore, película que fue ganadora del premio del Jurado Ecuménico en Cannes en 1990, muestra realmente ese viaje de un padre (Marcello Mastroianni) desesperado y desalentado por no haberle dado la atención suficiente a sus hijos, observamos cómo encuentra en cada ciudad italiana que visita a un hijo que apenas reconoce, aparte de lidiar con barreras de comunicación familiar como los que presenta Doris Dörrie en Flores del Cerezo.

Giuseppe Tornatore ha realizado una melancólica película, llena de tristeza e ironía en la que muestra la indiferencia de la sociedad actual, hablándonos de la soledad de la tercera edad, y de las relaciones familiares. El éxito de esta película ha originado un remake estadounidense titulado Todos están bien, dirigido por Kirk Jones e interpretado por Robert De Niro

Están todos bien-El País Giuseppe Tornatore-Wikipedia

Cinemateca 20, 21, 22 y 23 de mayo de 2010

2010-05-19T12:28:00.005Z

Jueves 20 de mayo, 20.30 h Stanno tutti bene (Están todos bien), de Giuseppe Tornatore
Italia, 1990. 126’. v.o.s.e. Digital
Único pase
Ciclo: Un paese, una storia

Matteo Scuro es siciliano, hombre viudo y jubilado. Sus cinco hijos viven en el continente pero no van nunca a visitarlo, de modo que decide él ir a verlos. Se dirige a Nápoles, donde se entera que su hijo Alvaro está de viaje. Después va a Roma donde le han dicho que su hijo Caiano tiene un brillante futuro político, allí descubre que solo es un modesto funcionario del partido. En Florencia vive su hija Tosca, una gran actriz que no es más que una modelo que posa en ropa interior. En Milán está Guglielmo, un brillante compositor que resulta ser un vulgar músico insatisfecho con su trabajo. Finalmente, en Turín se reúne con Norma, que él cree que ella forma parte de una importante compañía mientras que sólo es una telefonista que se encuentra en crisis matrimonial.

Viernes 21 de mayo, 20 h
Velocità massima (Velocidad máxima), de Daniele Vicari
Italia, 2002. v.o.s.e. 111’. 35 mm
Único pase
Ciclo: Novísimos cineastas italianos

Claudio tiene 17 años y una innata pasión por los motores. Stefano es mecánico y, de noche, compite en carreras ilegales con un coche que Claudio ha trucado. Pero en su vida se cruza Giovanna, que descubre en el carácter dulce e introvertido de Claudio algo que tipos duros como Stefano no han sabido darle…

Sábado 22 de mayo, 20 h
Las playas de Agnes (Les Plages d’Agnes), de Agnes Varda
Francia, 2008. 110’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo: La Cinemateca Estrena

Volviendo a las playas que han sido parte de su vida, Varda inventa un especie de autorretrato documental. Agnes se ubica entre los fragmentos de sus películas, imágenes y reportajes. Ella comparte con humor y emoción sus comienzos como fotógrafa teatral y luego como cineasta de la Nouvelle Vague, su vida junto a Jacques Demy, su feminismo, sus viajes a Cuba, China y los Estados Unidos, su vida como productora independiente y su vida familiar. Ella es definitivamente una mujer libre y curiosa!

“Que idea la de filmar un autorretrato a los casi 80 años. La idea me vino en las playas de Noirmoutier cuando me di cuenta que habían tantas playas que habían influido en mi vida. Estas playas son el hilo conductor de mis escrituras, mis amigos, familiares y otros, algunas partes de mi trabajo y de los acontecimientos de mi vida. A una avanzada edad, muchos sienten la necesidad de relatar la vida que uno ha vivido.” Agnes Varda

Domingo 23 de mayo, 19 h
Tornando a casa (Volviendo a casa), de Vincenzo Marra
Italia, 2001. 88’. v.o.s.e. 35 mm
Único pase
Ciclo: Novísimos cineastas italianos

Pescadores napolitanos, el choque con los patrones, el amor. Una crónica humana y social, con personajes insertos en su entorno, y el Mediterráneo al fondo. En el surco de la más auténtica tradición del cine italiano.

Cinemateca UGT. Domingo 16 de mayo, 20.30 h. Las playas de Agnes, de Agnes Varda

2010-05-14T11:20:00.003Z

Las playas de Agnes (Les Plages d’Agnes), de Agnes Varda
Francia, 2008. 110’. v.o.s.e.
Único pase
XIX La Mujer y el Cine
Documentos Mujer. Largometrajes

Las playas de Agnes Las playas de Agnes-El Amante Agnes Varda-Wikipedia Les plages d'Agnès- Le Monde

Cinemateca UGT. Domingo 16 de mayo, 20.30 h. Las Constituyentes, de Áurea Martínez

2010-05-14T10:29:00.006Z

Las Constituyentes, de Áurea Martínez Fresno
España, 2008. 11’
Único pase
XIX La Mujer y el Cine
Documentos Mujer. Cortometrajes

Las Constituyentes hace un homenaje a las mujeres parlamentarias en la primera legislatura de la democracia. Legalizaron los anticonceptivos, consiguieron la igualdad jurídica dentro del matrimonio, acabaron con la licencia marital vigente durante el franquismo. En homenaje a las mujeres parlamentarias que ratificaron la Constitución, un total de 27 en la legislatura de 1978, Áurea Martínez Fresno ha escrito y dirigido en el cortometraje “Las Constituyentes” 11 minutos de mirada necesaria al origen de nuestros actuales derechos cuando se cumplen 30 años de nuestra Carta Magna.

Son mujeres, son luchadoras, y han tenido que demostrar su valía durante toda su carrera, aunque los hechos las avalaban. Lo tuvieron muy difícil para conseguir hacerse oír en un mundo donde, durante cuarenta años, la ley había hecho amos a los hombres. No por nada, sólo por ser hombres.

Muchas de ellas lo recuerdan como una casualidad: llegaron a su escaño porque el partido no creía conseguir tantos miembros en las Cámaras. Pero ahí estaban, y no desaprovecharon la oportunidad. Eran políticas, pero ante todo eran las mujeres herederas de muchos años de invisibilidad y de silencio. “La manera de asociarse, cualquiera, era buena”, ha dicho la directora de este cortometraje, Áurea Martínez Fresno, “en algunos temas las asociaciones feministas fueron primordiales, pero no solo ellas”. Según recuerda Martínez, en aquel momento no era tan importante el partido por el que militaban, si no la consecución de objetivos comunes, y las mujeres tenían mucho trabajo por hacer.

Áurea Martinez Fresno. 2008 - “Las Constituyentes”, corto documental, dirección. / 2008 - “Defensores”, guión y dirección. / 2008 - “El Séptimo Cielo”, guión y dirección primer largometraje de ficción, en preproducción. / 2005 y 2007 - “Cuidadores”, guión y dirección. / 2006 - “Gente con Gancho”, trilogía de documentales, guión y dirección. / 2005 -“Vientos de Agua” miniserie de ficción, guión. / 2002 -”El otro lado de la cama” Ayudante de dirección. / 2002 -”Cinco Ganador” Cortometraje./ 2001 - “Aljama”, serie de 13 documentales. / 2001 - “San Bernardo” Ayudante de dirección./ 2000 - “Café Express”, Ayudante de dirección./ 2000 -”Raquel busca su sitio”, Ayudante de dirección./ 1999 - “Manolito Gafotas” Ayudante de dirección. / 1999 - “Ellas son así”. Ayudante de dirección.

En YouTube

Cinemateca UGT. Domingo 16 de mayo, 18.30 h: Tú eliges, de Antonia San Juan

2010-05-14T10:24:00.004Z

Tú eliges, de Antonia San Juán
España, 2008. 87’. v.o.s.e.
Último pase
XIX La Mujer y el Cine
Panorama Hoy. Largometrajes

Éste es el primer largometraje que realiza la actriz canaria, "tras la buena acogida que han tenido sus cortometrajes ´V.O.´ (nominado a los Goya), ´La China´ y ´A las once´".

"Tú eliges" es una comedia realista y actual con pinceladas dramáticas" en la que, en un solo día, se cruzan las vidas de varios personajes, desde la mujer en torno a los 50 años que vive aún en la adolescencia a la señora millonaria que imparte charlas sobre el feng-shui buscando el rastro de un hijo.

"Ésta es una película que tiene que ver mucho con toda mi trayectoria", declaró la actriz, que expresó su satisfacción por haber logrado culminar su trabajo para la gran pantalla después de haber tenido que costear con fondos propios la producción.

Y es que "Tú eliges", definida en su sinopsis como "una comedia con pinceladas dramáticas en la que las vidas de distintos personajes transcurren a lo largo de un día", es una producción acometida por la decisión de su autora y "sin ninguna ayuda".

De su obra, que cuenta, además de con la propia San Juan, con Neus Asensi y Mala Rodríguez entre sus intérpretes, la ahora directora dijo que es "una película muy personal" y que "no se parece a nada" de lo hecho anteriormente.

"Tiene mucho que ver con el tipo de teatro que hago", anticipó la actriz.

De los personajes que pululan por su obra durante la jornada en que se desarrolla, en su sinopsis se subraya que son diversos, "desde la mujer en torno a los 50 años que aún vive como una adolescente hasta una estrella del pop que estrena disco o un actor que quiere medrar".

Antonia San Juan es actriz. Ha participado en exitosas películas y series de televisión como 'La que se avecina'. Ahora se estrena como directora en la película 'Tú eliges', en la que también actúa, que pronto podremos ver en las salas de cine. Ha dirigido los cortos: V.O (2001), Te llevas la palma (2004), La china (2005).

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Cinemateca UGT. Domingo 16 de mayo, 18.30 h. Mofetas, de Inés Enciso

2010-05-14T09:39:00.005Z

En lugar del corto previsto Dolores, de Manuela Moreno se proyectará el corto, Mofetas, de Inés Enciso

Mofetas, de Inés Enciso
España, 2008. 12’. v.o.s.e. 35 mm
Panorama Hoy. Cortometrajes
XIX La Mujer y el Cine 10

Anochece en el puerto de Tánger. Karim y Aziz esperan el silencio. Es la espera de un viaje hacia un mundo aparentemente mejor. Un viaje hacia los sueños. Un viaje que se repite demasiadas veces…

Inés Enciso (Madrid, 1977). Estudia en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid en la especialidad de Audiovisuales. En 1999 empieza a trabajar en Telecinco como ayudante de dirección en diferentes programas. En 2002 decide hacerse autónoma y desde entonces ha realizado diferentes trabajos: como ayudante de dirección ha trabajado en cine, publicidad y teatro; en teatro ha trabajado como ayudante de dirección de la compañía Animalario, en las obras “Argelino, servidor de dos amos” de Andrés Lima y “Siamesas del puerto” de Andrés Lima y dirigida por Celia León. Así como en diferentes trabajos de otras compañías teatrales; como guionista ha escrito el guión de dos largometrajes “Lista de Boda” para José María Caro y “Familia Feliz” que está en búsqueda de financiación; como realizadora ha dirigido vídeo clips para artistas como Alejandro Sanz, Miguel Bosé, Los Caños, De luxe o El Tiempo y ha dirigido dos cortometrajes “En lo que va de año” y “Mofetas”

En YouTube

Cinemateca UGT. Sábado 15 de mayo, 20.30 h: Giorni, de Laura Muscardin

2010-05-13T12:10:00.005Z

Giorni, de Laura Muscardin
Italia, 2001. 80’. v.o.s.e.
España, 2008. 8’
Único pase
XIX La Mujer y el Cine
Panorama Hoy. Largometrajes

Recomiendo esta película para conocer una realidad que nos envuelve y sobretodo ver que reacción nos puede provocar a cada uno de nosotros el enfrentarnos a una grave enfermedad y, a partir de ésta que camino seguiremos.

Esta pequeña joya que es Giorni, primer largometraje de Laura Muscardin, rastre la existencia de sus personajes sin entrome-terse, sin invadir su terreno, evitando toda tentación fácil de caer en el drama, para situarse en calidad de testigo, sin interferir.

Claudio, personaje ingenuo, marcha acorde con el ritmo de sus días, con su desapego de la gente que le rodea, con su deseo de precisión y orden, y Andrés, que no habla mucho, pero que inmediatamente se revela a través de las decisiones que toma, dos personas que huyen de tener una vida con-trolada para escapar de lo que le puede de-parar el destino. Nada es demasiado subra-yado, y esto es lo que hace de Giorni, una película sutil, no existe ningún artificio narrativo, no hay deseo de guiar la atención del espectador, es una película sincera, de gran sensibilidad, que suele faltar en otras películas que se ocupan de estas cuestiones.

Extracto de:
RIPPA, Roberto: Giorni, cinemino.info

Laura Muscardin. Su primera película ha sido Giorni, cuyo guión ha sido el ganador del Premio Solinas 1997, con financiación del Ministerio italiano. También ha dirigido los siguientes cortos: Carla has locked herself in the bathroom, 1999; Le Coeur-The Heart, 1998, por el que obtuvo el premio al mejor corto del Festival Arcipelago, el Nasino de oro al mejor corto del Festival Sulmona y una Mención Especial en el Festival Saint Therese de Canadá, y Charlie and the snake, 1996, por el que obtuvo el premio al mejor corto en el Festival italiano de cortos.

Cinemateca UGT. Sábado 15 de mayo, 20.30 h: Besa al asesino, de Maria Cañas

2010-05-13T11:18:00.004Z

Besa el asesinato, de María Cañas
España, 2008. 8’
Único pase
XIX La Mujer y el Cine
Panorama Hoy. Cortometrajes

Kiss the Murder es el apocalipsis del amor travestido de cine; El Amor como el Asesino Supremo, aquél que, en palabras de Nietzshe: "nos da el dolor, y, por eso mismo, la vida." trata sobre el amor como generador de dolor y muerte. Imágenes del “doppelgänger”, figuras gemelas fracturadas por el desamor. Tras contemplar Kiss the Murder, puede que la única opción que quede sea arrodillarse ante El Asesino, besarlo y quizás morir...pues, en palabras del maestro Alfred Hitchcock:”los asesinatos deben ser filmados como escenas de amor y las escenas de amor como asesinatos”.

María Cañas. Licenciada en Bellas Artes, cursó el Doctorado en Estética e Historia de la Filosofía en la Universidad de Sevilla. Sus trabajos han sido exhibidos en festivales y eventos internacionales, entre los que destacan: Les Rencontres Internationales París-Berlín-Madrid, Bienal de Cine Español de Annecy, FIFVC de Beirut, VISION:A: LOOP e Instituto Cervantes de Pekín-Milán-Lyon-Casablanca-Brasilia, DUOLUM Museum of Modern Art of Shanghai, EX DOCS-XI Encuentro Latinoamericano de Cine (Lima), Transmediale 03 (Berlín), Portland Underground Film Festival (Oregón), MUSA y Muca-Roma (México), ARCO, Muestra de Arte 2000 y Certamen Audiovisual Injuve 2000-01(Círculo de B.B.A.A. y Sala Amadís en Madrid e itinerancia por Iberoamérica), Instituto Cervantes (Manchester), Organización Nelson Garrido (Caracas), Memorimage, Art Futura, Premi Roman Gubern de Cinema Assaig UAB, BAC´06, LOOP (Barcelona), VAD (Gerona), Cyberia (Santander), Canal Metro-Madrid Abierto, Medialab Panorama Digital 03 (Conde Duque, Madrid), Festival de Creación Audiovisual de Navarra, Festival Internacional de Cine de Las Palmas, C.A.A.C, Espacio Iniciarte, caS, Lux´06, Zemos98 (Sevilla), Beat-Portobello Film Festival (Londres), Festival de Holguín (Cuba), Maribor Internacional Computer Arts Festival (Eslovenia), Wro Center For Media Art (Polonia), Teknemedia (Turín), ISEA (Nagoya), Festival Internacional Punto de vista (Pamplona), C.G.A.I (Galicia)...

Animalario.tv

Cinemateca UGT. Sábado 15 de mayo, 18.30 h: Un’ora sola ti vorrei, de Alina Marazzi

2010-05-13T09:59:00.002Z

Un’ora sola ti vorrei, de Alina Marazzi
Italia 2002, 55’ v.o.s.e.
Único pase
XIX La Mujer y el Cine
Documentos Mujer.Largometrajes

(A.Marazzi)

En Youtube Un’ora sola ti vorrei un'ora sola ti vorrei - intervista con Alina Marazzi

Cinemateca UGT. Sábado 15 de mayo, 18.30 h: La historia del silencio, de Leonor Jiménez

2010-05-13T09:43:00.003Z

La historia del silencio, de Leonor Jiménez
España, 2007. 25’.
Único pase
XIX La Mujer y el Cine
Documentos Mujer. Cortometrajes

Premios: Premio del Jurado en el Festival de Cine y Alternativo de Benalmádena 2007. Mejor corto documental en Festival de documentales Extrema.doc 2007.

Leonor Jiménez es licenciada en Comunicación Audiovisual por la Facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad de Málaga y ha realizado un Máster “Documental y Sociedad” en la Escuela de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC).

“Domingos, Llibres” (Barcelona 2006). (codirectora), Don´t forget, voces más allá del olvido” (Bosnia-Herzegovina, 2007), “La historia del silencio” (Málaga, 2007), “Pueblo a Tierra” (Málaga, 2008), “Vecinos” (Málaga, 2008), “Al- Yidar, El muro” (Sáhara 2009), "Los Buenos Tratos” (Málaga, 2009).

La historia del silencio En YouTube La historia del silencio-web

Cinemateca UGT. Viernes 14 de mayo, 20.30 h: Tú eliges, de Antonia San Juan

2010-05-12T17:36:00.006Z

Tú eliges, de Antonia San Juán
España, 2008. 87’. v.o.s.e.
Próximo pase: Domingo 16 de mayo, 18.30 h
XIX La Mujer y el Cine
Panorama Hoy. Largometrajes

Éste es el primer largometraje que realiza la actriz canaria, "tras la buena acogida que han tenido sus cortometrajes ´V.O.´ (nominado a los Goya), ´La China´ y ´A las once´".

"Tú eliges" es una comedia realista y actual con pinceladas dramáticas" en la que, en un solo día, se cruzan las vidas de varios personajes, desde la mujer en torno a los 50 años que vive aún en la adolescencia a la señora millonaria que imparte charlas sobre el feng-shui buscando el rastro de un hijo.

"Ésta es una película que tiene que ver mucho con toda mi trayectoria", declaró la actriz, que expresó su satisfacción por haber logrado culminar su trabajo para la gran pantalla después de haber tenido que costear con fondos propios la producción.

Y es que "Tú eliges", definida en su sinopsis como "una comedia con pinceladas dramáticas en la que las vidas de distintos personajes transcurren a lo largo de un día", es una producción acometida por la decisión de su autora y "sin ninguna ayuda".

De su obra, que cuenta, además de con la propia San Juan, con Neus Asensi y Mala Rodríguez entre sus intérpretes, la ahora directora dijo que es "una película muy personal" y que "no se parece a nada" de lo hecho anteriormente.

"Tiene mucho que ver con el tipo de teatro que hago", anticipó la actriz.

De los personajes que pululan por su obra durante la jornada en que se desarrolla, en su sinopsis se subraya que son diversos, "desde la mujer en torno a los 50 años que aún vive como una adolescente hasta una estrella del pop que estrena disco o un actor que quiere medrar".

Antonia San Juan es actriz. Ha participado en exitosas películas y series de televisión como 'La que se avecina'. Ahora se estrena como directora en la película 'Tú eliges', en la que también actúa, que pronto podremos ver en las salas de cine. Ha dirigido los cortos: V.O (2001), Te llevas la palma (2004), La china (2005).

Tú eliges Antonia San Juan-Wikipedia Tú me eliges por Antonia San Juan

Cinemateca UGT. Viernes 14 de mayo, 20.30 h. Women, de Belen Santos

2010-05-12T17:21:00.003Z

Mujeres, de Belén Santos
España, 2009. 10’.
Único pase
XIX La Mujer y el Cine
Panorama Hoy. Cortometrajes

Una mirada a algunas mujeres contemporáneas en occidente. Un documental experimental. Mujeres en diferentes ciudades, en diferentes países y situaciones. ¿Qué hacen? ¿Cómo actúan? ¿Qué desean y qué quieren? ¿Cómo viven? Sólo hay imagen y sonido directo. Ninguna música. Ningún narrador que nos conduzca. Tan sólo la realidad tal y como se nos presenta, con ritmos muy diferentes de montaje y de alguna forma una estructura clásica. Todo eso es parte del experimento cinematográfico.

Belén Santos se licenció en Ciencias de la Imagen en la Universidad Complutense de Madrid . Trabajó como productora de televisión durante casi 11 años, compaginándolo con su actividad cinematográfica. En 2000 formó su propia productora con la que ha llevado a cabo varios proyectos de cortometrajes, siendo "Sinfonía Desconcertante" el que mayor proyección internacional tuvo, al obtener entre otros el "Crystal Heart Award" en “Heartland Film Festival” de Indianápolis, Premio al Mejor Corto “Cinema delle Donne” de Turín, Mención Especial del Jurado en “New York Short Film Festival”, “Silver Remi Award” en “World Fest” de Houston.
En la actualidad trabaja en el montaje de “Los dioses de verdad tienen huesos”, largometraje documental rodado en Guinea Bissau y codirigido junto a David Alfaro.

Filmografía: “Una Acacia en la M-30”, “Comercio Justo”, “Otro Tiempo”, "Sinfonía Desconcertante”, "Women”, “Los dioses de verdad tienen huesos”

Cinemateca UGT. Viernes 14 de mayo, 18.30 h: Coffe with Pina, de Lee Yanor/El lamento de la emperatriz, de Pina Bausch

2010-05-12T16:40:00.005Z

Coffee with Pina, de Lee Yanor
Alemania, 2003. 17’. v.o.s.e.
Único pase
Tributo a Pina
XIX La Mujer y el Cine

Un diálogo íntimo con la coreógrafa Pina Bausch. Esta película, que se aproxima más al cine experimental que a un verdadero documental, permite tener una breve mirada al mundo de Pina Bausch. Se basa en la larga amistad entre la bailarina y la directora de este filme, con el que se intenta expresar el sentido de infinitud que puede expresar el cuerpo y el ritual de la danza, y con ello acerca la idea de la “coreografía”. Incluye segmentos del montaje de la obra “Agua” que Pina Bausch presentó con su compañía en París.

Lee Yanor. Nació en 1963 en Haifa (Israel), fotográfa, videoartista realizó estudios en la Universidad de Bezalel en Jerusalen y en Pratt Institute de Nueva York

El lamento de la emperatriz (Die Klage der kaiserin), de Pina Bausch
Alemania, 1989. 103’. v.o.s.e.
Único pase
Tributo a Pina
XIX La Mujer y el Cine

"DIE KLAGE DER KAISERIN", rodada entre los meses de octubre de 1987 y abril 1989, es el primer largometraje de la coreógrafa Pina Bausch, nacida en 1940 en Solingen. El transcurso externo lo determina el cambio de las estaciones del año, otoño, invierno y primavera.La estructura interna refleja el modo de trabajar de Pina Bausch, que ha desarrollado ella desde la temporada artística de 1973/74 juntamente con el teatro de baile de Wuppertal. Por consecuencia, la película no contiene un acto reproducible, sino se compone de escenas montadas en forma de collage que reflejan determinados estados de ánimo y provocan distintas asociaciones. Surgen distintos temas ligeramente interrelacionados, de los cuales ya se ha ocupado Pina Bausch antes constantemente en sus piezas teatrales de baile. A diferencia de sus trabajos para el teatro, las escenas, en parte verdaderamente absurdas, han sido trasladadas a distintos lugares de presentación: al bosque y los campos en las inmediaciones de Wuppertal, al centro de Wuppertal, al teleférico, a una tienda de alfombras, a un invernadero, a la sala de pruebas en un antiguo cine (El castillo de Wuppertal). Los actores son los bailarines y una actriz del Teatro de Baile de Wuppertal, quienes, como siempre, han ayudado a crear la pieza con sus improvisaciones escénicas, de baile y textuales. En el centro de la película se hallan la inutilidad del obrar humano, la búsqueda del amor, matizado por una marcha fúnebre siciliana a través de extensos pasajes. "Se siente la desesperación. La película es una verdadera queja", dice Pina Bausch.

La afirmación más marcada de Pina Bausch es que a ella le interesa menos cómo se mueven las personas, sino qué les mueve. Para poder expresar mejor los movimientos interiores, ha ampliado el vocabulario del baile, se ha valido del lenguaje donde el movimiento no ha funcionado. Sin embargo, en "DIE KLAGE DER KAISERIN" se baila poco. En una de las numerosas escenas, dos bailarines como maestro de adiestramiento y alumno desenmascaran al ballet como un ejercicio sin piedad. En otros enfoques aparece el baile apartado. En un tango argentino se ven piernas que se entrelazan; un hombre, lleno de barro de pies a cabeza, culebrea en un invernáculo; mujeres con vestidos de baile pintan, completamente mojadas por la ducha, una caligrafía desesperadamente hermosa al aire. Los últimos tres minutos de "KLAGE EINER KAISERIN" se bailan también, y en ellos se comprime el enunciado de la película. Tristeza y poesía se fusionan en un cuadro conmovedor. En eso baila una mujer mayor, muy regordeta, conmovedoramente graciosa, para sí misma, en las estrechas habitaciones de su vivienda de pequeña burguesa. Igual que esta escena resume los motivos de la película, así la película es la suma de las piezas de Pina Bausch. En lugar de bastidores, la naturaleza libre, fotografiada fielmente al cambio de las estaciones del año, y en ella, personas que tienen frío, incluso un chica que baila entre los copos de nieve: una pesadilla de una noche de invierno. "Es otra cosa si se está rodando en el frío. Esto tiene que ver con la expresión; cuando uno se va en invierno a la nieve con un vestidito de verano muy ligero, eso significa algo", dice Pina Bausch.

Las personas en "DIE KLAGE DER KAISERIN" están expuestas, descubiertos y sin protección, buscando calor, ya sea un conejito que se tropieza jadeantemente con un témpano que va evaporándose, o una niña que yerra por el bosque gritando "mamá", ya sean distintas parejas, a las cuales les estorban siempre los vestidos en sus grotescos intentos amorosos.Todos están ocupados con un absurdo obrar, escarban huecos disparatados en la tierra; un solo hombre se desmaya debajo de su ropero, el cual va transportando por un extenso campo.Igual que un generador de viento deja levantar al principio la hojarasca otoñal, así se arremolinan las tristes reminiscencias alrededor. Los crueles modelos infantiles (ancianos llevan cargados a niños llorando a un bosque de árboles numerados; un bailarín cuelga a su pequeña hija de un árbol), imágenes de muerte (otro bailarín suspendido en un acuario, luego como un muerto en la nieve), inútiles ansias de amor - "A mí no me sorprende cuando alguien se muere/ delante de la carpa de la amada/ A mí me sorprende sólo cuando uno ama/ y se mantiene vivo", balbucea la actriz embriagada -, destrucción del medio ambiente y peleas de parejas, todos juntos motivos conocidos, se leen en "DIE KLAGE DER KAISERIN" como un montaje cinematográfico en largas tomas provenientes de las más famosas obras de Bausch como "1980", "Bandoneón", "Renate emigra", "Vals".Una sola vez en las diversas visiones de ensueño pregunta la actriz, completamente mojada, colocada con su compañero como una pareja de bodas, muertos de trizteza y literalmente mojados, adónde debe mirar ahora: un instante de la introspección es eso, de profesional a profesional, de actriz a directora. Sólo que ella realmente no es una directora cinematográfica.

Eva-Elisabeth Fischer

Coffe with Pina en YouTube Lee Yanor El lamento de la emperatriz-La Opinión Pina Bausch-Wikipedia Tanztheater Wuppertal-Pina Bausch

Cinemateca UGT. Jueves 13 de mayo, 20.30 h: Vogliamo anche le rose, de Alina Marazzi

2010-05-12T10:15:00.005Z

También queremos las rosas (Vogliamo anche le rose), de Alina Marazzi
Italia/Suiza, 2007. 85’. v.o.italiano con subtítulos en inglés. Digital
Documentos Mujer. Largometrajes
XIX la Mujer y el Cine 10
Único pase

Vogliamo anche le rose En YouTube

Cinemateca UGT. Jueves 13 de mayo, 20.30 h: La vida fluye, de Toñi Martín

2010-05-12T08:00:00.000Z

La vida fluye, de Toñi Martín Zorrilla
España, 2009. 22’
Panorama Hoy. Largometrajes
XIX la Mujer y el Cine 10
Único pase

El cortometraje La Vida Fluye, parte de un narrador voyeur, que escoge al azar a cuatro personajes desconocidos para convertirse en testigo de sus vidas durante dos días. A lo largo de estos dos días, las existencias de todos ellos sufrirán una grave crisis, que les hará enfrentarse a la intolerancia, el maltrato, el abuso de poder, el acoso y los estereotipos sociales, y de la cual, todos saldrán fortalecidos y con una nueva visión de la vida. Así pues, todos habrán aprendido algo. Todos serán más maduros, más fuertes y más seguros.

Cinemateca UGT. XIX La Mujer y el Cine. 13, 14, 15 y 16 de mayo de 2010

2010-05-11T18:49:00.012Z

Jueves 13 de mayo, 20.30 h

La vida fluye, de Toñi Martin Zorrilla
España, 2009. 22’
Panorama Hoy. Largometrajes
XIX la Mujer y el Cine 10

También queremos las rosas (Vogliamo anche le rose), de Alina Marazzi
Italia/Suiza, 2007. 85’. v.o.italiano con subtítulos en italiano. Digital
Documentos Mujer. Largometrajes
XIX la Mujer y el Cine 10

También queremos las rosas. Revisión crítica e irónica de los cambios que se han producido desde las luchas feministas de los años 60 y 70 en Italia, a través de un montaje de imágenes de diversa procedencia.

Viernes 14 de mayo, 18,30 h
Coffee with Pina, de Lee Yanor
Alemania, 2003. 17’. v.o.s.e.
Tributo a Pina
XIX La Mujer y el Cine

Propone una mirada distinta al mundo de Pina Bausch

El lamento de la emperatriz (Die Klage der kaiserin), de Pina Bausch
Alemania, 1989. 103’. v.o.s.e.
Tributo a Pina
XIX La Mujer y el Cine
Die Klage der Kaiserin, rodada entre los meses de octubre de 1987 y abril 1989, es el primer largometraje de la coreógrafa Pina Bausch, nacida en 1940 en Solingen. El transcurso externo lo determina el cambio de las estaciones del año, otoño, invierno y primavera. La estructura interna refleja el modo de trabajar de Pina Bausch, que ha desarrollado ella desde la temporada artística de 1973/74 juntamente con el teatro de baile de Wuppertal.

Viernes 14 de mayo, 20.30 h

Mujeres, de Belén Santos
España, 2009. 10’.
XIX La Mujer y el Cine
Panorama Hoy. Cortometrajes

Una mirada a algunas mujeres contemporáneas en Occidente.

Tú eliges, de Antonia San Juán
España, 2008. 87’. v.o.s.e. 35 mm
XIX La Mujer y el Cine
Panorama Hoy. Largometrajes

Tú eliges es una comedia realista y actual con pinceladas dramáticas. A lo largo de un solo día se cruzan las vidas de varios personajes de distintas clases sociales; desde la mujer en torno a los 50 años que vive aún en la adolescencia, a la señora millonaria que imparte charlas sobre el Feng-Shui buscando el rastro de un hijo, pasando por una estrella del pop, un actor que intenta medrar o un director de escena egocéntrico.

Siguiendo tres tramas paralelas: los preparativos de una fiesta glamurosa para presentar un disco, una cita a ciegas con inesperadas consecuencias y la ruptura de una pareja gay dedicada al show-bussines, seremos testigos de excepción de un día en la vida de todos estos personajes. Las acciones de unos afectarán a otros, y al final todos se enfrentarán a sus sueños y ambiciones con desigual fortuna.

Sábado 15 de mayo, 18.30 h

La historia del silencio, de Leonor Jiménez
España, 2007. 25’.
XIX La Mujer y el Cine
Documentos Mujer. Cortometrajes

Un’ora sola ti vorrei, de Alina Marazzi
Italia 2002, 55’ v.o.s.e.
XIX La Mujer y el Cine
Documentos Mujer.Largometrajes

Sábado 15 de mayo, 20.30 h

Besa el asesinato, de María Cañas
España, 2008. 8’
XIX La Mujer y el Cine
Panorama Hoy. Cortometrajes

Kiss the Murder es el apocalipsis del amor travestido de cine; El Amor como el Asesino Supremo, aquél que, en palabras de Nietzshe: “nos da el dolor, y, por eso mismo, la vida.” trata sobre el amor como generador de dolor y muerte. Imágenes del “doppelgänger”, figuras gemelas fracturadas por el desamor. Tras contemplar Kiss the Murder, puede que la única opción que quede sea arrodillarse ante El Asesino, besarlo y quizás morir…pues, en palabras del maestro Alfred Hitchcock:”los asesinatos deben ser filmados como escenas de amor y las escenas de amor como asesinatos”.

Giorni, de Laura Muscardin
Italia, 2001. 80’. v.o.s.e. 35 mm
España, 2008. 8’
XIX La Mujer y el Cine
Panorama Hoy. Largometrajes

Claudio tiene 35 años, es atractivo, tiene un buen empleo, mantiene una relación estable con Dario y es seropositivo desde hace 10 años. Sus días están marcados por la medicación, chequeos en el hospital, el gimnasio y su trabajo. Una noche Claudio encuentra a Andrea, un guapo camarero, por el que se siente especialmente atraído.

Su relación con Andrea es fácil y libre, y, bajo su influencia, Claudio abandona las reglas y restricciones que habían modelado su vida hasta entonces. Para Andrea, la enfermedad de Claudio es algo lejano, sin significado, no acepta límites, no utiliza protección cuando practican el sexo, derribando así las barreras que Claudio había construido durante años. Andrea comienza a llenar sus días, descuidando a Darío, su trabajo, su enfermedad…

Domingo 16 de mayo, 18.30 h

Dolores, de Manuela Moreno
España, 2008. 10’
XIX La Mujer y el Cine
Panorama Hoy. Cortometrajes

Una parada de autobús. Una tarde cualquiera. Dos personas y sus soledades se cruzan casualmente. Sus mundos son diferentes, aún así comparten sueños y esperanzas. Pero…

Tú eliges, de Antonia San Juán
España, 2008. 87’. v.o.s.e. 35 mm
XIX La Mujer y el Cine
Panorama Hoy. Largometrajes

Domingo 16 de mayo, 20.30 h

Las Constituyentes, de Aurea Martínez Fresno
España, 2008. 11’
XIX La Mujer y el Cine
Documentos Mujer. Cortometrajes

“Las Constituyentes” hace un homenaje a las mujeres parlamentarias en la primera
legislatura de la democracia.

Legalizaron los anticonceptivos, consiguieron la igualdad jurídica dentro del matrimonio, acabaron con la licencia marital vigente durante el franquismo. En homenaje a las mujeres parlamentarias que ratificaron la Constitución, un total de 27 en la legislatura de 1978, Áurea Martínez Fresno ha escrito y dirigido en el cortometraje “Las Constituyentes” 11 minutos de mirada necesaria al origen de nuestros actuales derechos cuando se cumplen 30 años de nuestra Carta Magna.

Son mujeres, son luchadoras, y han tenido que demostrar su valía durante toda su carrera, aunque los hechos las avalaban. Lo tuvieron muy difícil para conseguir hacerse oír en un mundo donde, durante cuarenta años, la ley había hecho amos a los hombres. No por nada, sólo por ser hombres.

Las playas de Agnes (Les Plages d’Agnes), de Agnes Varda
Francia, 2008. 110’. v.o.s.e. 35 mm
XIX La Mujer y el Cine
Documentos Mujer. Largometrajes

Volviendo a las playas que han sido parte de su vida, Varda inventa un especie de autorretrato documental. Agnes se ubica entre los fragmentos de sus películas, imágenes y reportajes. Ella comparte con humor y emoción sus comienzos como fotógrafa teatral y luego como cineasta de la Nouvelle Vague, su vida junto a Jacques Demy, su feminismo, sus viajes a Cuba, China y los Estados Unidos, su vida como productora independiente y su vida familiar. Ella es definitivamente una mujer libre y curiosa!

“Que idea la de filmar un autorretrato a los casi 80 años. La idea me vino en las playas de Noirmoutier cuando me di cuenta que habían tantas playas que habían influido en mi vida. Estas playas son el hilo conductor de mis escrituras, mis amigos, familiares y otros, algunas partes de mi trabajo y de los acontecimientos de mi vida. A una avanzada edad, muchos sienten la necesidad de relatar la vida que uno ha vivido.”

Agnes Varda

Cinemateca UGT. domingo 9 de mayo, 20.30 h: Quiero todo de la vida: la libertad según Simone de Beauvoir, De Pascale Fautrier

2010-05-08T19:56:00.002Z

Quiero todo de la vida: la libertad según Simone de Beauvoir (Je veux tout de la vie, la liberté selon Simone de Beauvoir), de Pascale Fautrier
Francia, 2008. 52’. v.o.s.e.
Último pase
XIX La Mujer y el Cine

La ambición de esta película es hacer tomar consciencia a la mayor cantidad posible de público del papel capital jugado por Simone de Beauvoir y su ensayo, El segundo sexo, en la revolución de las conciencias, de las costumbres y de las leyes que han marcado el último cuarto del siglo XX: la emancipación y la independencia actual de las mujeres occidentales le deben mucho.

¿Puede un libro cambiar el curso de una vida? Con El segundo sexo (1949) que funda la reflexión occidental sobre la condición femenina, Simone de Beauvoir alcanzó a partir de los años 60 un inmenso prestigio internacional. Este documental muestra la importancia histórica, política y ciudadana de esta obra, a través de lo que la evolución de los derechos de la mujer y la actualidad política del feminismo deben a Simone de Beauvoir.

60 años después, los intelectuales y escritores cuentan su "segundo sexo". La película recoge los testimonios de aquellos para los que la obra insignia de Simone de Beauvoir ha sido importante. Con motivo del centenario del nacimiento de Simone de Beauvoir, la película Quiero todo en la vida: la libertad de acuerdo con Simone de Beauvoir, de Pascale Fautrier y Pierre Seguin, entrevistan a intelectuales para que expliquen lo que los llevó a la lectura de las obras de la filósofa, y, en particular su libro El segundo sexo. Cada sección del documental comienza con una lectura de pasajes de este ensayo, publicado en 1949, que se convirtió en el libro favorito de las mujeres de todo el mundo que se preguntan sobre la historia y el destino de la mitad de la humanidad.

Simone de Beauvoir El segundo sexo

Cinemateca UGT. Domingo 9 de mayo, 20.30 h: Tránsitos feminstas, de Amparo Bella

2010-05-08T19:40:00.006Z

Tránsitos feministas, de Amparo Bella
España, 2009. 28’. Digital
Documentos Mujer- Cortometrajes
XIX La Mujer y el Cine 10
Único pase

Visión retrospectiva y recuperación de la voz y la memoria documental de algunas mujeres zaragozanas entre los años 1975 y 1985. Cinco activistas relatan sus vivencias y su participación en algunos hechos, lugares y acontecimientos significativos de la ciudad con el objetivo de contribuir a cambiar la vida de las mujeres.

Amparo Bella. Activista feminista. Licenciada en Filosofía y Letras por la Universidad de Zaragoza. Master en Estudios de las Mujeres por la Universidad de Barcelona. Ha centrado sus investigaciones y publicaciones en la visibilización de la historia de las mujeres y los feminismos en la transición española. Pertenece a SIEM, Seminario de Estudios de la Mujer de la Universidad de Zaragoza y a la comisión organizadora de la Muestra Internacional de Cine Realizado por Mujeres de ZGZ. Ha realizado varios video minutos y colaborado en diversas producciones audiovisuales. Ahora presenta su primer documental.

Cinemateca UGT. Domingo 9 de mayo, 18.30 h: La chica de Mónaco, de Anne Fontaine

2010-05-08T19:34:00.003Z

La chica de Monaco (La Fille de Monaco), de Anne Fontaine
Francia, 2008. 95’. v.s.o.e. 35 mm
XIX La Mujer y el Cine
Panorama Hoy. Largometrajes
Último pase

Bertrand (Fabrice Luchini, espléndido) se besa con una mujer en una avenida solitaria y nocturna de Montecarlo. Las promesas de amor se desvanecen luego que ella nota la presencia de un hombre rudo y moreno, Christophe (Roschdy Zem, extraordinario), quien los ha venido siguiendo porque se le ha contratado como guardaespaldas del abogado Bertrand quien defiende a una mujer adinerada del lugar. Inicia una relación de trabajo que se mezcla con otra de tipo amistoso por la cercanía entre ambos hombres. Cierto día, el abogado conoce a Audrey, la chica que da el tiempo en el noticiero del lugar (Louise Bourgoin, excepcional) para que comience una relación sexual, confusa, debido a la frivolidad y promiscuidad de la joven. Bertrand se apasiona por la muchacha, a pesar de enterarse (y formar parte) de su pasado y presente. Christophe vendrá a ser su tabla de salvación.

Escrita y dirigida por la actriz, guionista y productora Anne Fontaine, estamos ante una cinta con personajes tan seductores como los actores que los interpretan. Y no se debe a una atracción física para el espectador sino a la congruencia e identificación de ellos con sus roles. Bertrand no es un hombre bello y de ahí que quede claro el interés de Audrey. Christophe es un hombre que vive por las reglas del trabajo, pero no deja de mostrar su lado humano cuando se da cuenta de la ética profesional y las fallas naturales del abogado que está cuidando. Hay un contraste temático entre este hombre que defiende a una mujer aparentemente asesina por pasión amorosa hacia un prostituto pero al mismo tiempo ha caído prisionero de sus propios instintos y sentimientos excesivos hacia la promiscua Audrey (prostituta, de otra manera) quien lo ha atrapado por las gimnasias sexuales que el hombre desconocía y que le han proporcionado un placer inmenso.

El guión no es convencional. Uno imagina el camino que seguirán ciertas líneas narrativas para ser sorprendido con la nueva ruta que se propone. La belleza de la Costa Azul está presente desde los créditos de la cinta y Mónaco aparece como un lugar de ensueño aunque tan mundano como nunca podría imaginarse al pequeño país de príncipes y princesas. La cinta entretiene y mantiene fascinado al espectador que reacciona casi visceralmente con lo que está sucediendo en pantalla: un hombre tan inteligente, astuto y profesional como el abogado Bertrand muestra sus debilidades ante la belleza y malas artes de una coqueta vulgar, y no se le entiende, se le expresan epítetos insultantes, pero ahí están reflejadas las pasiones que usualmente someten y hunden hasta que llega el punto de equilibrio. Lo mejor queda al final de la cinta que aquí no revelaré pero que viene a mostrar el triunfo de la gratitud contra todo vicio y error que se comete. Una película demasiado recomendable.

Roberto Villarreal Sepúlveda

Anne Fontaine (1959). Nacida en Luxemburgo. Su primer proyecto Les histories d'amour finissent mal ganó en 1993 Premio Jean Vigo. Más tarde, escribió y dirigió la exitosa Nettoyage à Sec, Mejor guión en el Festival de Venecia (1997). En 2001 realiza Comment j'ai tué mon père y Nathalie ... (2003). Entre ses mains (2005) un "thriller íntimo".Luego vino La fille de Monaco (La chica de Mónaco) en 2008 y Coco avant Chanel, su biopic sobre Coco Chanel, en 2009.

La fille de Monaco/ AlloCiné La fille de Monaco

Cinemateca UGT.Domingo 9 de mayo, 18.30 h: La M con la A, de Rosario Fuentenebro

2010-05-08T19:21:00.003Z

La M con la A, de Rosario Fuentenebro Yubero
España, 2008. 14’. 35 mm
Panorama Hoy. Cortometrajes
XIX La Mujer y el Cine 10
Único pase

Para que Matilde pueda descifrar lo que cree ser una carta de abandono por parte de su marido, tendrá que hacer algo inusual para una mujer de su época: aprender a leer. Pero,¿a quién recurrir para que le enseñe?

Rosario F. Yubero (Madrid, 1981) es licenciada en Comunicación Audiovisual por la UCM en 2005. Ese mismo año, comienza sus estudios de Dirección de cine en la ECAM, donde realiza varios cortometrajes y participa como Ayudante de Dirección y Script en otros tantos. En 2007, finaliza sus estudios y participa en el I Encuentro de Jóvenes Talentos Iberoamericanos.

Cinemateca UGT.Sábado 8 de mayo, 20.30 h: También queremos las rosas, de Alina Marazzi

2010-05-08T09:32:00.004Z

Alina Marazzi retrata la Italia de los años 60 y 70 a través de los profundos cambios que representaron el movimiento feminista y la revolución sexual. Sin victimismo constata la pervivencia del modelo patriarcal y la precariedad de muchas de las conquistas que se lograron.

El material utilizado procede de diversas fuentes y se estructura como un mosaico de imágenes y sonidos que reconstruye la edad de oro del feminismo en Italia desde una perspectiva muy personal, crítica e irónica.

Alina Marazzi. Nacida en Milán en 1964 y de nacionalitat Suiza, Alina Marazzi ha trabajado como asistente de dirección para diversos largometrajes de ficción así como para proyectos de vídeoarte. Vogliamo anche le rose es su tercera película como directora y la primera como guionista.

Vogliamo anche le rose En YouTube

Sábado 8 de mayo, 18.30 h: Tres días con la familia, de Mar Coll

2010-05-08T09:09:00.003Z

Tres dies amb la família (Tres días con la familia), de Mar Coll
España, 2009. 86’. v.o.s.e.
Único pase
Panorama Hoy. Largometrajes
XIX La Mujer y el Cine 10

Tres días con la familia, retrata con absoluta verdad y naturalidad las miserias y salidas a flote de una familia que se reúne para enterrar al abuelo recién fallecido: apariencias, medias verdades, el camino hacia la madurez… todo se trata con sencillez y elegancia. Mar nos desvela alguna de sus claves:

Pregunta: ¿Cómo surgió este proyecto? ¿Sientes que hay demasiadas películas sobre el fin del mundo y los extraterrestres y pocas sobre algo tan complejo y que forma parte de nosotros como es una familia?

Respuesta: En realidad creo que hay películas para todo el mundo, tantas efectistas como intimistas. De este año son, por ejemplo, 'Despedidas' o 'El primer día del resto de tu vida' que tratan concretamente sobre el tema de la familia, un tema que, por otra parte, no creo que vaya a dejar de generar películas cada año.

En todo caso, a la hora de escoger el tema para desarrollar mi primer largometraje, tenía claro que quería hablar sobre algo que me resultara cercano, sobre las cosas que a mí personalmente me provocan preguntas o conflictos. La verdad es que la familia me parece un buen tema para empezar y, de hecho, visto retrospectivamente, no me parece una casualidad: hay bastantes óperas primas que giran en torno a éste. Si estás interesado en explorar las relaciones humanas, empezar por las relaciones familiares es como empezar por el origen. La familia nos marca, somos de alguna u otra manera reflejo de la nuestra. Hacer una película sobre la familia tiene algo de autorretrato, es como una presentación.

P: En la película hay distintos retratos de padres-madres, pero en prácticamente todos los casos se hace evidente el desprecio de sus hijos hacia ellos: tanto en el caso del padre "normal" o "vulgar" (Eduard Fernández) como en el de la madre enrollada (a la que Pau parece culpar de ser un adolescente retraído y de escaso atractivo, de haber eclipsado su desarrollo). ¿Es inevitable ese desprecio de hijos a padres? ¿Esa necesidad de diferenciarse de ellos es tan fuerte?
R: Pienso que las relaciones paterno filiales son en sí mismas relaciones complejas. Contienen siempre elementos de conflicto y elementos de proximidad, algunas tienen más de unos que de los otros y de eso depende que sea una buena o una mala relación.

En este sentido, creo que en la película no solamente se retrata el desprecio que pueden sentir los hijos por los padres. Léa por ejemplo, se preocupa por su madre y la llama, proponiéndole quedarse en su casa a dormir. O desayuna entre risas con su padre porque no hay nada en la nevera y es a él a quien finalmente abre su corazón con respecto a su situación con su novio. Y sin embargo, es cierto que muestra el dolor que le causa el hecho de que sus padres no sepan lidiar de forma sana con su separación a través del rechazo. Así, el desprecio que demuestra es simplemente porque le gustaría verlos felices y le da rabia que no lo sean.

Otro ejemplo es Virginia, que ha escrito un libro sobre la familia en el que critica duramente a su padre y que, sin embargo, no puede dejar de emocionarse cuando descubre que en los últimos años éste usaba bastón. ¡Es todo muy complicado!

Hoy Cinema
Entrevista completa

Premios: Biznaga de plata a la mejor dirección por Tres días con la familia, en el Festival de cine español de Málaga. Premio Gaudí a la mejor dirección per Tres días con la familia. Premio Goya al mejor director novel por Tres días con la familia.

Mar Coll nace en Barcelona en 1981. A los 18 años entra en la ESCAC, donde se gradúa en la especialidad de dirección. Como proyecto fin de carrera realiza el cortometraje La última polaroid, seleccionado en múltiples festivales españoles e internacionales. Actualmente reside en Mexico. Tres días con la familia es su primer largometraje.

Mar Coll-Público Tres días con la familia-Qué Tres días con la familia-La Vanguardia

Cinemateca UGT. Sábado 8 de mayo, 18.30 h: Buscando la danza, de patricia Corboud

2010-05-08T08:50:00.003Z

Buscando la danza - El teatro diferente de Pina Bausch
(Auf der Suche nach Tanz - Das andere Theater der Pina Bausch), de Patricia Corboud

Alemania, 1993. 29'
Único pase
Tributo a Pina
XIX La Mujer y el Cine

Cuando se le ofreció en 1973 a Pina Bausch el cargo de Directora de Ballet de la Wuppertaler Bühne, a penas la conocía nadie. Entretanto ella y su grupo de ballet son famosos a nivel internacional. El "Teatro de Danza de Wuppertal" ha realizado aproximadamente 50 giras por el extranjero a más de 20 países. A pesar de su fama internacional, hasta hoy Pina Bausch sigue siendo fiel a la ciudad de Wuppertal. Pina Bausch (1940–2009) revive el espíritu de la danza alemana al crear el Teatro-Danza. Tras formarse en Alemania y Nueva York, comenzó a trabajar en el mítico Tanztheater de Wuppertal, que dirigió desde 1973. Allí, se convirtió en la creadora de ese territorio que se ha denominado Teatro-Danza. Pina Bausch se sitúa en la primera fila de la escena, desde donde, reinventando el movimiento primigenio de la danza, actúa impulsada por un afán de acotar los modelos canonizados del cuerpo ideal para mostrar una realidad heterogénea en la que el movimiento adquiere un enorme poder trasgresor.

El vestíbulo de la Cinemateca albergará la exposición fotográfica “Tributo a Pina”, en colaboración con el Goethe Institut de Madrid, que formó parte de la exposición “Teatro danza hoy: treinta años de historia de la danza alemana”. La exposición reúne fotografías del fotógrafo alemán Gert Weigelt.

Desde 1975, año en que Pina Bausch logró la consagración con la obra Le Sacre du Printemps, el fotógrafo alemán Gert Weigelt ha seguido con su cámara a la compañía de danza Tanztheater Wuppertal. Desde ese año ha fotografiado todas las “piezas”, como le gustaba llamar a sus montajes la destacada coreógrafa alemana Pina Bausch.

Gert Weigelt estudió ballet clásico y trabajó durante su carrera de bailarín con destacados coreógrafos como: Hans van Manen, Jerome Robbins, Jiri Kylian, Kurt Jooss, Glen Tetley y Birgit Cullberg, además de bailar en el Ballet Real de Suecia, Cullberg Balletts, y en el Nederlands Dans Theaters.

Tras finalizar su carrera de bailarín, Weigelt estudió Fotografía Artística lo que le permitió seguir en contacto con la escena de la danza. Rápidamente se consolidó como destacado fotógrafo de danza y contribuyó a que la danza-teatro, en ese entonces en vía de desarrollo, se consolidara en los medios. Desde los años 70 siguió con su cámara a coreógrafos como Pina Bausch, Hans van Manen, Susanne Linke, William Forsythe, Gerhard Bohner y muchos otros.

Pina Bausch Pina Bausch-Wikipedia

Cinemateca UGT. Viernes 7 de mayo, 20.30 h. La chica de Mónaco, de Anne Fontaine

2010-05-06T19:44:00.004Z

La chica de Monaco (La Fille de Monaco), de Anne Fontaine
Francia, 2008. 95’. v.s.o.e. 35 mm
XIX La Mujer y el Cine
Panorama Hoy. Largometrajes
Único pase

Roberto Villarreal Sepúlveda

La fille de Monaco/ AlloCiné La fille de Monaco

Cinemateca UGT. Viernes 7 de mayo, 20.30 h: Don´t forget. Voces más allá del olvido, de Leonor Jiménez

2010-05-06T19:30:00.004Z

Don´t forget. Voces más allá del olvido, de Leonor Jiménez,
Claudia Pràts, Helena Sala, Daniel Carrasco y Carlos Collazos.
España, 2007. 25’. Digital
XIX La Mujer y el Cine
Documentos Mujer. Cortometrajes
Único pase

“Ponemos a una mujer musulmana, una croata y una serbia contra una pared, y las desnudamos. Entonces que venga quien sea y que analizando sus cuerpos, sus anatomías o sus rasgos, que adivine la nacionalidad o la religión. No podrá”

Don’t Forget, es un documental centrado en tres mujeres de Mostar: Svigliana, Marina y Dzenana. Mujeres de tres diferentes comunidades que nos cuentan, poniendo el acento en su cotidianidad, cómo han vivido y sobrevivido a aquella parte tan tosca de la historia que les tocó vivir: la guerra de la ex-Yugoslavia.

El documental ha sido rodado en los alrededores de la ciudad de Mostar (capital de Herzegovina).Toda esta zona es la que muestra de forma más clara y patente las consecuencias de la “limpieza étnica”. Los habitantes de esta parte del territorio, en la década de los 90, van a vivir dos guerras: la primera contra los serbios y la segunda entre croatas y musulmanes. En esta segunda, la purificación étnica va a ser tan dura que va provocar el desplazamiento de más del 90% de la población; que van a ser expulsados o van a tener que huir hacia otras zonas más seguras. Actualmente, algunas de estas comunidades están retornando, otras lo harán en unos años y otros no lo harán nunca. Muchas veces no pueden volver a sus casas y acaban en reasentamientos “limpios étnicamente”.

Las mujeres de las tres comunidades vivieron situaciones dramáticas durante la guerra, fueron víctimas de desplazamientos, muertes de familiares, violencia sexual… La necesidad de olvidar para poder vivir, la desconfianza aún reinante y la tradicional sociedad patriarcal balcánica, hizo que conseguir los testimonios de estas mujeres, ante nuestras cámaras, fuese una tarea paciente. Durante días, el equipo de DÓNT FORGET formado en gran parte por mujeres, convivió con ellas. Fue un mágica experiencia.

Premio Festival cortometrajes Baumman 2007.Seleccionado en los festivales: El ojo cojo de Madrid. VAD de Gerona, Festival Internacional de Cortometraje y Cine Alternativo de Benalmádena, Festival de cine solidario de Guadalajara(FESCIGU), Unifest, Festival de Derechos Humanos de Alicante, Muestra La Imagen del sur 2007. Emitido por Barcelona TV.

Leonor Jiménez es licenciada en Comunicación Audiovisual por la Facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad de Málaga y ha realizado un Máster “Documental y Sociedad” en la Escuela de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC).

“Domingos, Llibres” (Barcelona 2006). (codirectora), Don´t forget, voces más allá del olvido” (Bosnia-Herzegovina, 2007), “La historia del silencio” (Málaga, 2007), “Pueblo a Tierra” (Málaga, 2008), “Vecinos” (Málaga, 2008), “Al- Yidar, El muro” (Sáhara 2009), "Los Buenos Tratos” (Málaga, 2009).

Leonor Jiménez-Blog Don`t forget

XIX La Mujer y el Cine 10

2010-05-06T19:22:00.002Z

Tributo a Pina

"No me interesa tanto cómo, sino qué mueve a la gente."

Pina Bausch, 1940-2009. Fue quien revivió el espíritu de la danza alemana al crear el denominado como Teatro-Danza. Se formó con Kurt Joos en Alemania y tras pasar una temporada en la Juilliard School de Nueva York, volvío a su país y donde comenzó a trabajar en el hoy mítico Tanztheater de Wuppertal del que fue directora.

Máxima exponente de lo que se conoce como “ballet postmoderno” que apareció en círculos especializados a finales de los años 70. Se refiere a un conjunto de rupturas estético-expresivas, la revalorización de la dimensión cotidiana y de la palabra, y al abandono del entablado clásico por superficies naturales. Sus obras no siguen una estructura narrativa ni una progresión lineal. Se construyen a partir de episodios. Múltiples acciones escénicas simultáneas, imágenes impactantes, incorporación de actividades cotidianas, de textos dirigidos a menudo al público y una gran variedad de bandas sonoras donde pueden irrumpir desde piezas de música de opera hasta piezas de rock indistintamente. Sus bailarines tampoco son los del canon. No guardan relación con el ideal de belleza de cuerpos o vestuarios. Su estilo de “collage” recuerda más al cine o a las bellas artes que a la danza.

Pina Bausch trabaja con sus propios miedos, sus deseos y complejos, su vulnerabilidad. Esto la lleva a emplear gestos desgarrados en sus coreografías, sus obras se pueblan de crueldad e ironía. Pina Bausch ha explorado el lado más despiadado y desesperado del ser humano, por ello no es casualidad que sus obras hayan provocado reacciones tan extremas. Todas sus piezas tratan sobre cuestiones fundamentales de la condición humana y obligan al público a confrontarse con estos problemas: el amor y la angustia, la nostalgia y la tristeza, la soledad, la frustración y el terror, la infancia y la vejez, la muerte, la explotación del hombre por el hombre, la memoria y el olvido.

Cinemateca UGT quiere rendir un homenaje con una serie de proyecciones sobre la obra de la coreógrafa así como el primer largometraje dirigido por Pina Bausch. Además hemos seleccionado algunas obras fotográficas acerca de Pina Bausch y sus coreografías. Las fotografías que forman parte de la gran exposición "Teatrodanza Hoy - treinta años de historia de danza alemana"
Buscando la danza - El teatro diferente de Pina Bausch (Auf der Suche nach Tanz - Das andere Theater der Pina Bausch), de Patricia Corboud. 29'. Alemania, 1993.v.e.

Coffee with Pina, de Lee Yanor. 17'. · 2003 . v.o.s.e.

Las películas proponen dos miradas diferentes al mundo de Pina Bausch.
El lamento de la emperatriz (Die Klage der Kaiserin), de Pina Bausch
Alemania, 1989. 103’

Die Klage der Kaiserin, rodada entre los meses de octubre de 1987 y abril 1989, es el primer largometraje de la coreógrafa Pina Bausch, nacida en 1940 en Solingen. El transcurso externo lo determina el cambio de las estaciones del año, otoño, invierno y primavera. La estructura interna refleja el modo de trabajar de Pina Bausch, que ha desarrollado ella desde la temporada artística de 1973/74 juntamente con el teatro de baile de Wuppertal.
Exposición Tributo a Pina Bausch. Del 7 al 9 de mayo de 2010. de 18 a 22 h

XIX La Mujer y el Cine 10

2010-05-06T19:03:00.007Z

Documentos Mujer. Cortometrajes

Las Constituyentes, de Áurea Martínez Fresno.
España, 2008. 11’
domingo 16 de mayo, 20.30 h

“Las Constituyentes” hace un homenaje a las mujeres parlamentarias en la primera legislatura de la democracia Legalizaron los anticonceptivos, consiguieron la igualdad jurídica dentro del matrimonio, acabaron con la licencia marital vigente durante el franquismo. En homenaje a las mujeres parlamentarias que ratificaron la Constitución, un total de 27 en la legislatura de 1978, Áurea Martínez Fresno ha escrito y dirigido en el cortometraje “Las Constituyentes” 11 minutos de mirada necesaria al origen de nuestros actuales derechos cuando se cumplen 30 años de nuestra Carta Magna.

Son mujeres, son luchadoras, y han tenido que demostrar su valía durante toda su carrera, aunque los hechos las avalaban. Lo tuvieron muy difícil para conseguir hacerse oír en un mundo donde, durante cuarenta años, la ley había hecho amos a los hombres. No por nada, sólo por ser hombres.

Tránsitos feministas, de Amparo Bella
España, 2009. 28’
Domingo 9 de mayo, 20.30 h

Don´t forget. Voces más allá del olvido, de Leonor Jiménez
España, 2007. 25’
Viernes 7 de mayo, 20.30 h

Ponemos a una mujer musulmana, una croata y una serbia contra una pared, y las desnudamos. Entonces que venga alguien y que analizando sus cuerpos, sus anatomías o sus rasgos, que adivine la nacionalidad o la religión. No podrá.

Premios y Festivales: Segundo Premio al Mejor Cortometraje Documental en Festival de Cortometrajes Baumman 2007

La historia del silencio, de Leonor Jiménez
España, 2007. 25'
Sábado 15 de mayo, 18.30 h

70 años después de la Guerra Civil, las personas desaparecidas aún se hayan en fosas comunes. Ahora son los descendientes de la tercera generación los que quieren saber dónde se encuentran sus familiares. Una historia sobre la importancia de conocer la memoria familiar sobre los hechos de la guerra y posguerra española.

Premios y Festivales: Mejor Corto Documental en el Festival de Documental Extrema.doc 2007. Premio del Jurado Modalidad Documental en Festival Internacional de Cortometraje y Cine Alternativo de Benalmádena 2007. Ayuda Proyecto Joven 2006 del Área de Juventud del Ayto. de Málaga.

XIX la Mujer y el Cine 10

2010-05-06T18:48:00.008Z

Documentos Mujer. Largometrajes

Las playas de Agnes (Les Plages d’Agnes), de Agnes Varda
Francia, 2008. 110’
Domingo 16 de mayo, 20.30 h

Agnes Varda

También queremos las rosas (Vogliamo anche le rose), de Alina Marazzi.
Italia/Suiza, 2007. 85’
Sábado 8 de mayo, 20.30 h
Jueves 13 de mayo, 20.30 h

Revisión crítica e irónica de los cambios que se han producido desde las luchas feministas de los años 60 y 70 en Italia, a través de un montaje de imágenes de diversa procedencia.

Un’ora sola ti vorrei, de Alina Marazzi
Italia 2002, 55’
Sábado 15 de mayo, 18.30 h

La película guía al espectador dentro del delicado y conmovedor territorio de la memoria a través de la lectura de diarios, cartas y de los historiales de las clínicas en las que Liseli Marazzi Hoepli pasó largos periodos, antes de suicidarse cuando su hija sólo tenía 7 años. A través de estos textos y de las imágenes de las películas rodadas por el abuelo ya desde 1926, Alina Marazzi descubre a su madre, reconstruye su rostro y la celebra a través del recuerdo. Una película sobre la nostalgia como sentimiento común, dulce, esencial y necesario para recuperarse de una pérdida.

Premios y festivales: Premios y Festivales: Mención especial del Jurado/Festival internazionale del cinema di Locarno 2002. Mejor Documental Italiano/ Torino Film

Festival 2002

Quiero todo de la vida: la libertad según Simone de Beauvoir (Je veux tout de la vie, la liberté selon Simone de Beauvoir), de Pascale Fautrier y Pierre Seguin
Francia, 2008. 52’
Domingo 9 de mayo, 20.30 h

Con El segundo sexo (1949) libro fundamental de la reflexión occidental sobre la mujer, Simone de Beauvoir ha ganado enorme prestigio internacional en los años 60.

¿Un libro puede cambiar el curso de su vida? Je veux tout de la vie, trata de mostrar el contexto histórico, político y ciudadano de este libro, a través de los cambios en los derechos de la mujer y en el feminismo. Con la contribución de Michele Perrot, Annie Ernaux, Philippe Sollers, Danièle Sallenave, Dominique Desanti, Simone Veil, Nathalie Heinich, Sylvie Le Bon de Beauvoir, Marie-
Jo Bonnet, Madeleine Gobeil, Yvette Roudy, Janine Mossuz-Lavau y Zelensky Julia Kristeva.

El centenario del nacimiento de Simone de Beauvoir (París, enero 9, 1908) fue la oportunidad de un homenaje en la que la cuestión de la igualdad política entre hombres y las mujeres era el centro del debate.

XIX La Mujer y el Cine 10

2010-05-06T12:21:00.008Z

Panorama Hoy. Cortometrajes

Mujeres, de Belén Santos
España, 2009. 10’
Viernes 14 de mayo, 20.30 h.

Una mirada a algunas mujeres contemporáneas en Occidente.

La M con la A, de Rosario Fuentenebro Yubero.
España, 2008. 14’
Domingo 9 de mayo, 18.30 h.

Mofetas, de Inés Enciso
España, 2008. 12’
Sábado 8 de mayo, 20.30 h.

Anochece en el puerto de Tánger. Karim y Aziz esperan en silencio. O lo intentan …

Premios y Festivales: Premio del Jurado en la XI edición del Festival Internacional de cortometrajes y cine alternativo de Benalmádena. (FICCAB) (Málaga). Premio del Jurado en la XXXVIII edición del Festival de Cine de Cartagena. (Murcia). Premio del jurado en la XIII edición de la Mostra de cortometrajes de Vilafranca del Penedés. (Barcelona). Premio “especial” del Jurado en la VII edición del Festival de cortometrajes “Playa de las Américas” Arona. (Tenerife). Premio público en la V edición del MVD 2008, SGAE. (Madrid). Premio del público en la IX edición del Festival de cine de humor de Navalcarnero. (Madrid). Segundo premio del jurado en Mola Joven 2008. Molina del Segura. (Murcia). Premio “Julio Núñez” a la Mejor Interpretación a Manuela Burló en la X edición del festival Internacional de cine de Torrelavega . 2009. (Santander). Premio a la Mejor Actriz Manuela Burló en el VII Festival “Humor en corto” 2008. Arrigorriaga. (Bilbao). Premio en la I Edición del Festival de Cortos "La linterna Mágica" de Cieza (Murcia)

Dolores, de Manuela Moreno
España, 2008. 10’
Domingo 16 de mayo, 18.30 h.

Una parada de autobús. Una tarde cualquiera. Dos personas y sus soledades se cruzan casualmente. Sus mundos son diferentes, aún así comparten sueños y esperanzas. Pero…

Premios y Festivales: Festival Internacional de Cine de Cartagena 2009. Carabela de Plata 'Ciudad de Cartagena', Primer Premio MURcine

La vida fluye, de Toñi Martin Zorrilla.
España, 2009. 22'
Jueves 13 de mayo, 20.30 h.

Besa el asesinato, de María Cañas
España, 2008. 8’
Sábado 15 de mayo, 20.30 h.

Premios y Festivales: Certamen de Artes Plásticas Cajasol

XIX La Mujer y el Cine 10

2010-05-06T11:45:00.007Z

Panorama Hoy. Largometrajes

Tres días con la familia, de Mar Coll
España, 2009. 86’
Sábado 8 de mayo, 18.30 h

Léa debe viajar súbitamente a Girona donde su abuelo paterno acaba de fallecer. Allí le espera su familia, a la que prácticamente no ha visto desde que se marchó al extranjero. La muerte del patriarca de los Vich i Carbó es la excusa perfecta para forzar la convivencia entre sus descendientes. Los tres días que dura el velatorio, la misa y el entierro son un buen momento para observar ese juego de apariencias de una burguesía conservadora en la que todos los problemas son evidentes pero nunca explícitos. Léa rechaza este mundo hipócrita que se le adhiere a la piel como un traje hecho a medida

Giorni, de Laura Muscardin
Italia, 2001. 80’
Sábado 15 de mayo, 20.30 h

Claudio tiene 35 años, es atractivo, tiene un buen empleo, mantiene una relación estable con Dario y es seropositivo desde hace 10 años. Sus días están marcados por la medicación, chequeos en el hospital, el gimnasio y su trabajo. Una noche Claudio encuentra a Andrea, un guapo camarero, por el que se siente especialmente atraído. Su relación con Andrea es fácil y libre, y, bajo su influencia, Claudio abandona las reglas y restricciones que habían modelado su vida hasta entonces. Para Andrea, la enfermedad de Claudio es algo lejano, sin significado, no acepta límites, no utiliza protección cuando practican el sexo, derribando así las barreras que Claudio había construido durante años. Andrea comienza a llenar sus días, descuidando a Darío, su trabajo, su enfermedad...

Tú eliges, de Antonia San Juan
España, 2009. 87’
Viernes 14 de mayo, 20.30 h
Domingo 16 de mayo, 18.30 h

Siguiendo tres tramas paralelas: los preparativos de una fiesta glamurosa para presentar un disco, una cita a ciegas con inesperadas consecuencias y la ruptura de una pareja gay dedicada al show-bussines, seremos testigos de excepción de un día en la vida de todos estos personajes. Las acciones de unos afectarán a otros, y al final todos se enfrentarán a sus sueños y ambiciones con desigual fortuna.

La chica de Monaco (La Fille de Monaco), de Anne Fontaine
Francia, 2008. 95’
Viernes 7 de mayo, 20.30 h

Bertrand es abogado penal. Es brillante, mediático, voluble, cultivado, cerebral, complicado y no muy valiente. Le gustan las mujeres, sobre todo para hablarles. Acaba de llegar a Mónaco para defender a una asesina septuagenaria. Christophe es un vigilante de seguridad encargado de proteger a Bertrand. Es franco, directo, taciturno y deportista. Dejó los estudios a los 13 años. Le gustan las mujeres, salvo para hablarles. Admira en los demás la cultura y el dominio del lenguaje de los que carece. Audrey es presentadora de televisión en una cadena de televisión por cable en Mónaco. Es ambiciosa, descarada, sexy e incontrolable. No tiene ninguna intención de seguir presentando el parte meteorológico por mucho tiempo. Le cuesta un poco entender el significado de ciertas palabras, en particular “límites”, “tabúes” y “escrúpulos”. Mejor habría sido que estos tres no se cruzaran…

XIX La Mujer y el Cine

2010-05-05T19:16:00.002Z

La ciudad de Sevilla acoge, una vez más, la Muestra Internacional “la Mujer y el Cine”, ciclo cinematográfico que alcanza su XIX edición, convirtiéndose así en la manifestación más longeva de España y la 2ª de Europa, después de Creteil (Francia).

Una de las señas de identidad de esta Cinemateca que se consolida por su creatividad y su calidad dentro del panorama del audiovisual español realizado por mujeres.

Un “festival” de cine comprometido cuyo objetivo básico pasa por la disuasión y promoción de obras cinematográficas de categoría artística dirigida por y para las mujeres y que contribuye al conocimiento de la cinematografía mundial.

En esta XIX edición, que tendrá lugar del 7 al 16 de mayo, la Muestra girará en torno a tres apartados: Panorama Hoy, que ofrecerá una panorámica internacional del cine actual. Documentos Mujer, en la que se proyectarán documentales de especial relieve temático y En Corto, con una selección de los cortometrajes más destacados de reciente cosecha “fílmica”. Entre los largometrajes cabe destacar: La chica de Monaco (La Fille de Monaco) (Francia, 2008), Las playas de Agnes (Les Plages d’Agnes) (Francia, 2008), de Agnes Varda. Este año, además, la Muestra quiere rendir un homenaje a la coreógrafa y bailarina Pina Bausch, por la trayectoria que tiene a sus espaldas como profesional, de reconocido prestigio y especial sensibilidad sobre la danza, consiguiendo crear un inconfundible universo personal. Descubrimos a Pina Bausch en su faceta de actriz/bailarina, coreógrafa y directora cine.

Desde la Cinemateca UGT y la Secretaría de Igualdad de UGT Sevilla le presentamos una amplia y variada muestra de la capacidad y solvencia que tiene el universo femenino. Todo ello a través del celuloide y con la premisa de la V.O. Todas ellas inéditas en nuestra ciudad

Manuel Gómez Román Bella
Cinemateca UGT

Cinemateca UGT- Jueves 6 de mayo de 2010, 20.30 h: Mi hermano es hijo único, de Danielle Luchetti

2010-05-05T19:05:00.002Z

Mio fratello è figlio unico ( Mi hermano es hijo único), de Daniele Luchetti
Italia, 2007. 100’. v.o.s.e. Digital
Único pase
Un paese, una storia (VII)

En colaboración con Centro Cultural Italiano (CCI), Aula de Filología Italiana de la Universidad Pablo Olavide

Al principio el desafío no era tanto comprender cómo hacer esta película, sino identificar las profundas razones que me hicieron leer la novela con tanta pasión. La respuesta a esta pregunta se puede encontrar en la película. Haber identificado en una novela tan larga y compleja un hilo que me conectaba profundamente con la historia fue la clave para empezar con el proyecto. Me convencí de que el personaje de Pennachi no era sólo parte de su biografía, sino parte de una biografía italiana más general. Una porción de Italia hecha de aquellos que fueron excluidos: los hermanos pequeños y chicos para los que nadie tenía tiempo. Jóvenes inteligentes que habían tomado el camino equivocado, que obedecieron órdenes superficiales sólo porque buscaban una identidad o un amigo que les escuchara o compartiera su tiempo con ellos. Esta clave humana, no necesariamente política, me permitió encontrar mi propio camino personal y espiritual al construir esta historia.

"Mi Hermano es Hijo Único" no es una película política. Es una película sobre seres humanos que aman, sufren, ríen, y que están involucrados en política. La película no se posiciona, pero habla de gente que se posiciona. Creo que esa fue mi clave, encontrar el elemento humano que fuera personal y emocional hasta la médula.

Daniele Luchetti

Mi hermano es hijo único Mi hermano es hijo único-Filmoteca de Andalucia Mi hermano es hijo único-La audacia de Aquiles

2010-05-03T11:48:00.000Z

QUE LA CINEMATECA ESTRENE ...

2010-05-02T06:55:00.004Z

Tulpan, primer largometraje de ficción de Dvortsevoy, ingeniero aeronáutico ruso de Kazakstán (imposible no pensar en Borat) reconvertido en cineasta, es un film sorprendente. No se trata del habitual film presente en festivales, obtuvo el premio de Un certain regard, venido de países con poca producción cinematográfica, no es meditativo, no se regodea en los vacíos paisajes exóticos, más bien hace pensar vagamente en el Kiarostami de A través de los olivos.

Dvortsevoy filma los exteriores en planos largos, llenos de veracidad, intensidad y poética empatía, esperando pacientemente que la vida, animal o humana, aparezca en el cuadro, mientras deja que el sonido tome lentamente posesión del espacio: gemido del viento, camellos, gritos de niños. Para pasar posteriormente al interior de la tienda y así ir de lo épico a lo íntimo, donde la cámara, sin artificio ni impostura, de repente más móvil, más cercana a los gestos y los rostros, capta escenas de la vida familiar.

Aunque a veces pueda caer en el kusturikismo, en el pintoresquismo y el contraste cómico entre el mundo moderno y el tradicional, con el amigo que escucha a Boney M conduciendo su vehículo, la película nos sumerge con alegría, ternura e intimidad en el día a día de esa familia que sobrevive criando ganado, consiguiendo especialmente que todas las secuencias bajo la carpa de su casa sean magníficas.

Pero mención aparte merece la escena, no prevista en el guión, filmada íntegramente y en tiempo real, del parto de la oveja con la ayuda de Asa. Escena asombrosa, impresionante, que resume todo el film, suerte de unión entre lo real y lo imaginario, que acaba por convertirse en el centro de la película, y en la que Asa va a descubrir el sentido de su vida, tomará conciencia de sus capacidades, de su valor, de su paciencia y obstinación. Todo en una sola secuencia increíblemente simple y sublime.

Un cine desarmante en su sencillez, sin dobles lecturas, hiperrealista, sin cálculo, rebosante de humanidad y autenticidad, que se inventa a medida que se hace.

Cinemateca UGT. Viernes 30 de mayo, 20 h: Quiero todo de la vida: la libertad según Simone de Beauvoir

2010-04-30T09:19:00.000Z

Quiero todo de la vida: la libertad según Simone de Beauvoir (Je veux tout de la vie, la liberté selon Simone de Beauvoir), de Pascale Fautrier
Francia, 2008. 52’. v.o.s.e.
Muestra Internacional “La Mujer y el Cine” (Presentación)
Con la colaboración de los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

Simone de Beauvoir El segundo sexo

Cinemateca UGT. jueves 29 de abril, 20 h: La hija del engaño, de Luis Buñuel

2010-04-28T18:18:00.002Z

La hija del engaño, de Luis Buñuel
Mexico, 1951. 89’
Único pase
Ciclo: Luis Buñuel en México
En colaboración con el Instituto de Mexico en España

"Es muy poco lo que puedo decir de esta película, porque de ella no recuerdo casi nada. Es una película 'alimenticia': realizada para poder comer. Eso sí, procuré hacerla de manera profesional." Estas opiniones de Buñuel sobre La hija del engaño contrastan con su entusiasmo inicial por filmar una nueva versión de Don Quintín el amargao (1935) su único éxito taquillero como productor ejecutivo de la firma Filmófono.

La historia de Carlos Arniches, sobre un agente viajero clasemediero engañado por su esposa, había sido un éxito del teatro popular español desde su estreno a principios de los años veinte. Adaptada al género musical de la zarzuela, la obra continuó divirtiendo al público madrileño de la siguiente década, gracias a su acertada combinación de crítica social, humor bonachón y elementos de la vida popular.

Llevada al cine por primera vez en 1925, Don Quintín el amargao fue el primer proyecto fílmico que Luis Buñuel acometió sistemáticamente, tratando de reproducir en Madrid los eficientes métodos de producción que había visto funcionar en Hollywood. Aunque el proceso no sería igual -por la evidente falta de recursos financieros- el resultado sería muy satisfactorio y le permitiría a Filmófono producir cuatro cintas más, hasta que la Guerra Civil interrumpiera sus actividades.

La versión mexicana tuvo un origen muy diferente. Salvado el escollo que representó el escándalo en torno a Los olvidados (1950), un Óscar Dancigers más entusiasmado propuso a Buñuel aprovechar la coyuntura y filmar una película sencilla que repitiese el éxito comercial de El gran calavera (1949). La estrella sería, de nuevo, el actor Fernando Soler.

A Buñuel le pareció muy cómodo volver a trabajar con Soler con quien acababa de terminar el rodaje de Susana (Carne y demonio) (1950). A pesar de su carácter especial -y de su tendencia a dirigirse a sí mismo- Fernando Soler había logrado entenderse con Buñuel y formar una eficiente mancuerna.

La nostalgia por la patria cada vez más lejana imperó en los preparativos de La hija del engaño. Buñuel conservaba la única copia sobreviviente de la producción de Filmófono y la exhibió a los productores y al guionista Alcoriza. Presos de la nostalgia, Alcoriza y Buñuel dejaron casi intacta la trama, mexicanizaron los diálogos y modificaron unas cuantas situaciones, de manera que la nueva versión fuese, técnicamente hablando, un perfecto "remake" de su predecesora.

A pesar de su entusiasmo inicial, el filme no agradó ni a Buñuel ni a sus productores quienes, para no hacer evidente que era una segunda versión de otra película, la rebautizaron con un título que jamás gustó al director. "Ese título de La hija del engaño es un error de los productores. Si le hubieran dejado su verdadero título [...] todos los españoles hubieran ido a verla."

La hija del engaño-Wikipedia Las contradicciones de Don Luis

Cinemateca UGT. Programación 29 y 30 de abril de 2010

2010-04-28T18:13:00.003Z

Jueves 29 de abril, 20 h La hija del engaño, de Luis Buñuel
Mexico, 1951. 89’
Único pase
Ciclo: Luis Buñuel en México
En colaboración con el Instituto de Mexico en España

Don Quintín, hombre de sólidos principios morales, sorprende a su esposa María en pleno adulterio y la expulsa de su casa. Despechada, ésta le dice que Marta, la hija que él cree de ambos, en realidad no es hija suya. Don Quintín se deshará entonces de su hija, dejándola a cargo de un matrimonio, que será el que se ocupe de la niña. Pero años más tarde María confesará a don Quintín la verdad.

Viernes 30 de abril, 20 h
Quiero todo de la vida: la libertad según Simone de Beauvoir (Je veux tout de la vie, la liberté selon Simone de Beauvoir), de Pascale Fautrier
Francia, 2008. 52’. v.o.s.e.
Muestra Internacional “La Mujer y el Cine” (Presentación)
Con la colaboración de los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

¿Un libro puede cambiar el curso de su vida? Con “El segundo sexo” (1949), una
reflexión sobre la mujer, Simone de Beauvoir ganó un enorme prestigio internacional
en los años 60.

Sábado 1 y domingo 2 de mayo
No hay programación

Cinemateca UGT. Sábado 17 y domingo 18 de abril, 19 h: La mama y la puta, de Jean Eustache

2010-04-17T08:40:00.002Z

La mamá y la puta (La maman et la putain), de Jean Eustache
Francia, 1973. 200’ v.o.s.e. 35 mm
Ciclo: Film Singular

Película río, película vampiro, película tormenta. Película desalmada, película visión, película oscuridad. La mamá y la puta: un ovni que irradia desesperación a 24 fotogramas por segundo.

La maman et la putain (La mamá y la puta) parece una tragedia sobre el fracaso generacional de Mayo del '68. Trata también sobre un conflicto político, y sobre los pequeño-burgueses que en algún momento se creyeron revolucionarios, pero va más allá. En la película el problema no es sólo cambiar un sistema político por otro. La pregunta por la felicidad no se resuelve con la apropiación de los medios de producción. Si Jean Eustache creyera en esa idea facilista, este sería un simple “drama municipal” y hoy los conflictos retratados nos parecerían ajenos. Restos del pasado sin ningún valor más allá del arqueológico. En cambio, el drama político se inserta en un espacio que lo incluye y a la vez lo supera. Los tres amantes están jodidos -sean burgueses (Marie, Alexandre) o no (Veronike)-, preñados de muerte. Cada levante inútil de Veronike, cada chiste de Alexandre escondiendo el horror, cada mina que Marie acepta en la cama para no perder a su hombre... todo los mata poco a poco. La vida como aventura que los diletantes cahieristas tanto admiraban en el cine yanqui es una imposibilidad para ellos, encerrados entre palabras.

Manuel Trancon-Zona Moebius-Artículo completo

La mama y la puta-BACIFI Jean Eustache-Wikipedia La mama y la puta La mama y la puta-Desmontando a Antoine Doinel- Contrapicado La mama y la puta-Miradas de Cine

Cinemateca UGT. Viernes 16 de abril, 20 h: Los olvidados, de Luis Buñuel

2010-04-14T18:07:00.005Z

Los olvidados, de Luis Buñuel
México, 1950. 80’
Ciclo: Luis Buñuel en México
Único pase

En colaboración con el Instituto de Mexico en España

Luis Buñuel ha sido, sin lugar a dudas, el realizador más importante del cine de habla hispana. Su trayectoria artística -32 películas filmadas en cincuenta años de carrera- es una de las más importantes y prolíficas de la cinematografía mundial. Los olvidados es considerada la película que volvió a colocar a Buñuel en la escena internacional, luego de que su impresionante debut fue seguido por dos décadas de relativa obscuridad.

El éxito comercial de El gran calavera (1949) motivó al productor Óscar Dancigers a proponerle a Buñuel una nueva colaboración, esta vez con mayores ambiciones artísticas. "Vamos a hacer juntos una verdadera película. Busquemos el tema."

Buñuel se le había adelantado, aunque su proyecto no pretendía ser más que un melodrama convencional. Junto con el escritor Juan Larrea, el director había escrito el argumento titulado "¡Mi huerfanito jefe!" sobre un niño vendedor de billetes de lotería. Al leerlo, Dancigers opinó que no estaba mal, pero que estaba dispuesto a hacer algo más serio: "una historia sobre los niños pobres de México."

Animado por el apoyo de Dancigers, Buñuel dedicó varios meses a investigar el ambiente y las condiciones de vida de los barrios pobres de la capital mexicana. La colaboración del escritor tapatío Jesús Camacho -mejor conocido como Pedro de Urdimalas- fue esencial para recuperar el habla popular mexicana en los diálogos de la cinta. Camacho había escrito los chispeantes y coloridos diálogos de Nosotros los pobres (1947) y Ustedes los ricos (1947) dos de las películas más célebres del cine mexicano.

Los olvidados es, por su temática y por la naturalidad de sus actores, una película engañosamente realista. Filmada durante el apogeo de la corriente neorrealista -que propugnaba por un cine casi documental en el que los actores fuesen gente común y los escenarios fueran reales- Los olvidados fue tomada equivocadamente como una cinta semejante a Roma, ciudad abierta (1945) de Roberto Rossellini o Ladrones de bicicletas (1947) de Vittorio de Sica.

Sin embargo, el filme de Buñuel mantiene muchos de los elementos que lo convirtieron en el cineasta surrealista por excelencia. Los olvidados es un filme acerca de la fatalidad del destino. Es una película sobre lo absurdo e irracional de la vida misma. Los deseos ocultos, los sueños y las pasiones son los elementos que mantienen vivos a los personajes del filme.

La cinta de Buñuel es, por otra parte, una de las aportaciones más importantes que ha dado Latinoamérica al cine mundial. Si el cine es considerado un arte, mucho se debe a la obra de genios como Luis Buñuel y a filmes como Los olvidados.

Cinemexicano

Los olvidados-wikipedia Los olvidados Los olvidados

Cinemateca UGT. 16, 17 y 18 de abril de 2010

2010-04-13T19:24:00.003Z

Viernes 16 de abril, 20 h
Los olvidados, de Luis Buñuel
México, 1950. 80’
Ciclo: Luis Buñuel en México

En colaboración con el Instituto de Mexico en España

El Jaibo, un adolescente, escapa de la correccional y se reune en el barrio con sus amigos. Junto con Pedro y otro niño, trata de asaltar a Don Carmelo. Días después, el Jaibo mata en presencia de Pedro al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo enviaran a la correccional. A partir de este incidente, los destinos de Pedro y de el Jaibo estarán trágicamente unidos

Sábado 17 y domingo 18, 19 h
La mamá y la puta (La maman et la putain), de Jean Eustache
Francia, 1973. 200’ v.o.s.e. 35 mm
Ciclo: Films Singular

Con la colaboración de los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

Un joven sin trabajo mantiene dos relaciones amorosas con distintas mujeres, una con su novia, con la que vive y otra con una enfermera polaca.

Cinemateca UGT. Domingo 11 de abril de 2010, 19 h: Carta de amor Zulu, de Ramadan Suleyman

2010-04-10T18:40:00.003Z

Zulu Love Letter (Cartas de amor Zulu), de Ramadan Suleyman

Sudáfrica, Francia, Alemania, 2004. 105’
Único pase
Ciclo Cine la Francofonía

Con la colaboración de los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

Thandeka siente aún el dolor y la ira causados por el horror del apartheid. A pesar del nuevo optimismo de Johanesburgo, esta mujer de treinta años, madre soltera y periodista, no puede ahuyentar a sus propios demonios. Su trabajo se resiente y está perdiendo la relación con su familia. Thandeka tiene que volver a enfrentarse a su pasado al ser contactada por Me'Tau, la madre anciana de una activista estudiante, Dineo, que fue asesinada por matones del apartheid. Ahora Me'Tau le implora que testifique delante de la nueva Comisión por la Reconciliación y la Verdad (TRC), para poder recuperar los restos de su hija y enterrarla según el rito.

Zuku love letter-California Newsreel

Cinemateca UGT. Sábado 10 de abril de 2010, 20 h: El gran calavera, de Luis Buñuel

2010-04-09T10:53:00.003Z

El gran calavera, de Luis Buñuel
Mexico, 1949. 90’.
Único pase
Ciclo: Luis Buñuel en México
En colaboración con el Instituto de México en España

Tras sus primeros trabajos europeos, enmarcados dentro de lo que se considera surrealismo, y que han pasado a formar parte de la historia del cine, Un perro andaluz y La edad de oro, y su discutido documental Las Hurdes, tierra sin pan, tras la Guerra civil, Buñuel tuvo que exiliarse a México, en donde abandonó momentáneamente el cine.

Su primera película en México, Gran Casino, filmada dos años antes, había resultado un cierto fracaso, a pesar de contar en su reparto con las figuras más relevantes del cine mexicano y argentino, Jorge Negrete y Libertad Lamarque, respectivamente. Sin embargo, el productor Óscar Dancigers le contrató para dirigir la versión cinematográfica de la comedia de Adolfo Torrado El gran Calavera. El guión era del que más adelante sería uno de sus grandes amigos mexicanos Luis Alcoriza, que también tuvo más adelante su propia carrera como director. Buñuel cumplió el encargo y empezó a gestar la fama de que era un director rápido y económico en medios, que le acompañó durante toda su época mexicana. La película tuvo un aceptable éxito.

El gran calavera-Wikipedia El gran calavera-Cinemexicano Luis Buñuel